el club de los discos

Brett Anderson, Brett Anderson

2007-05-27T13:37:00.000-07:00

De entrada al oír el nuevo trabajo en solitario del ex-vocalista de Suede, lo primero que pensamos es en el famoso grupo de britpop. Y cómo no, si su voz tan característica era uno de los sellos indelebles de la banda, el cual se mantiene hasta cierto punto en este trabajo. Sin embargo, musicalmente, las cosas están mucho más alejadas y cualquiera que espere una nueva encarnación de Suede se verá decepcionado y debería buscar más bien en el disco que reunió a Anderson con el guitarrista Bernard Butler, quien abandonó el grupo en plena grabación del Dog Man Star. La banda, llamada The Tears, la comentaré más adelante. Por ahora centrémonos en el trabajo en solitario de Anderson.

Lo primero que se nota nada más abrir el disco, con el tema Love is Dead, es que la época de glam y decadencia de Suede está atrás. Anderson ha pasado por mucho y se refleja en el ambiente de este disco, un trabajo más personal. Arreglos para cuerdas, pocas guitarras, aunque concisas cuando aparecen, muy lejos de la pared de sonido del Dog Man Star, la distorsión del Coming Up, incluso de la sencillez del A New Morning, al que podría acercarse más. Y por supuesto las letras también son diferentes, que ya no hablan de las calles de asfalto o los asientos traseros de los taxis (¿cúantas veces oímos esas palabras en las letras de Suede?). Anderson, rondando los cuarenta, pareciera exorcizar sus penas en este disco, donde no hay mucha fiesta, sino melancólicas reflexiones en forma de baladas. Obviamente no hablamos de baladas cualesquiera, pues aunque el sentimiento pop permea todo el disco, están alejadas de las simples baladas de amor.

Las canciones no son obras maestras, sin embargo se dejan oír muy bien. Lo malo es que oír todo el disco puede ser difícil, pues todas van en la misma dirección. En dosis pequeñas es muy bueno si no se le pide que reinvente el rock o refunde el britpop más de diez años después. Las secciones de cuerda están muy bien puestas y son quizá la mayor sorpresa del disco, aparte de la madurez de las letras. Y por cierto, la voz de Anderson sigue siendo bastante buena. Los días de teatralidad decadente han dado paso a una mayor madurez, pero no por ello ha abandonado las inflexiones agudas que lo caracterizan. Para recomendar, los temas que más me gustaron fueron Love is Dead, con sus cuerdas de fondo; One Lazy Morning, por su tenue línea entre la nostalgia amarga y la calma apacible; Dust and Rain, por la única guitarra fuerte del disco; Scorpio Rising, por su guitarra tristona; The More We Possess, por su sencillo ritmo de vals... Bueno, ahora que lo pienso, sin que me haya puesto los pelos de punta, hay bastantes canciones que valen la pena, y ninguna que quiera saltar.

En últimas, un buen disco, agradable sin ser piedra angular de un nuevo movimiento, el cual intuyo ganará con nuevas escuchas, a medida que el tiempo asocie la música a determinados momentos. Sin canciones realmente malas (algunas gustarán más que otras), cualquiera que haya sido fan de Suede podría darse un paseo por este disco a ver qué tal lo encuentra. Podría llevarse una sorpresa.

Biggest Bluest Hi-Fi, Camera Obscura

2007-05-25T09:48:00.000-07:00

Lo normal hubiera sido oír primero Biggest Bluest Hi-Fi, pero el orden en que lo hice, a pesar de tener todos los discos de Camera Obscura en mis manos todos juntos, fue salteado. Y Underachievers Please Try Harder, su segundo disco, causó en mi grata impresión por un lado, pero por otro fue insatisfactorio. Si cada tema se sostenía por separado, al oír el disco completo se echaba en falta más variedad. Irónicamente este defecto se encuentra ausente por completo de este primer disco, Biggest Bluest Hi-Fi.

Producido por Stuart Murdoch y alabado por John Peel, Biggest... es un excelente disco de chamber pop con todas sus virtudes, y por supuesto, defectos. Para algunos será predecible la manera como se desarrollan los temas, sin mucho desafío al oyente, pero es precisamente ese el componente que buscan quienes aman el twee pop y demás vertientes que transitan el mismo camino. Climas agradables, días cómodos y simples, caminatas largas o paseos en bicicleta... A eso es a lo que nos remite este disco. Por supuesto puede sonar a Belle and Sebastian (no sólo musicalmente: las letras también hablan de esa incapacidad de adaptarse a un mundo mucho más extrovertido y cool que uno), pero Camera Obscura se resisten a sonar como meros clones. Ahí están las instrumentaciones clásicas, los arreglos de cuerda, los solos de violines y otros instrumentos... En fin, el disco es tan bueno canción por canción (y aún mejor) que su segundo álbum Underachievers..., añadiendo que se puede oír de principio a fin sin caer en la monotonía.

Aún no cambio a Belle and Sebastian por otro grupo similar, pero si tuviera que hacerlo sería por Camera Obscura en este disco.

En La Corte Del Rey Fripp.- King Crimson.

2007-05-05T10:13:00.000-07:00

Una de las bandas mas importantes e influyentes de los últimos 40 años, sin lugar a dudas es King crimson, una banda mítica, duradera, férrea como ella sola, que se ha mantenido en activo gracias a su genio creativo : Robert fripp, un personaje extraño, peculiar, egocéntrico, pero una de las personalidades fundamentales en el devenir de la música de los últimos 40 años. mucho se ha dicho sobre king crimson, inclasificables, progresivos, experimentales, es difícil, realmente ubicarlos o etiquetarlos en un movimiento o género particular, no por algo la banda ha tenido múltiples integrantes y diferentes étapas, cada una con un estilo y actitud musical diferente, pero guiadas siempre de la mano ferrea de Fripp.

En este espacio, comentaré sobre 3 discos fundamentales en la discografia del rey Carmesí, que de una u otra manera marcaron las bases de algunos de sus periodos claramente definidos.

In The court Of Crimson King, (1969).

luego de la terminación del trío Giles, Giles & Fripp, que es algo así como la cuota inicial de lo que sería King Crimson, se confomaría a comienzos de 1969, la que sería la primera formación estable del grupo con: Robert fripp (guitarras), Mike giles (batería), Ian Mcdonald (saxo, mellotron), greg Lake (bajo y voz), peter sinfield (textos y luces). ese mismo año saldría In the court of King crimson, album debut del grupo, y una obra cumbre en toda la expresión de la palabra, unos textos densos, cortantes, dramáticos, acompañados de una música violenta, a ratos triste, a ratos alegre, depresiva a momentos, un disco que representa un universo armonioso pero a la vez distanciado. El disco comienza con la inigualable "21 st Century Schizoid man", un disco que comienza con el indiscutible y poderoso sónido del Mellotron, la voz distorsionada de greg lake, la afilada y cortante guitarra de Fripp y los potentes y violentos saxos de Mcdonald, un tema que parece una montaña rusa, que sube y baja una y otra vez, donde la anarquía parece gobernar todo de manera irremediable; el segundo tema , es mas relajado, "i talk to the wind", donde la voz apaciguada y suave de Lake, se pregunta por la insensibilidad del mundo, acompañada de una buena sesión de flautas e instrumentos de vientos; el tercer tema para muchos es la cumbre del estilo crimson, "epitaph", donde aparece como nunca el estilo mas dramático, y desgarrador de la banda, sazonada como ya es habitual de un épico pasaje de mellotron, el cual sera marca de la casa y que años después tendría su consagración definitiva en el album RED; "moonchild", es un tema donde de nuevo la voz calmada y épica de lake hace eco, acompañada de una armonia fabulosa, que la convierte en un tema maravilloso, los otros 8 mínutos restantes del tema, son cortesía de fripp, quien se despacha con una sesión de guitarreo experimental y de sónidos que culminan la faena de manera muy eficiente, aunque para algunos algo exagerada e innecesaria; el disco finaliza con " The court of crimson king", un tema muy armonioso que podría incluirse como una copia al carbón de epitaph, aunque menos dramática y potente, eso si, el mellotron esta a la orden del día.

Después de semejante obra maestra, continuaron una serie de discos muy interesantes, unos mejores que otros, pero, ninguno despreciable, In the wake of poseidon, lizards y Islands (1970), la que es considerada por algunos como su obra mas cuidada de su primer período. también los cambios de personal fueron constantes, pero siempre los reemplazos, eran músicos de impresionante curriculum y capacidad técnica envidiable: MelCollins, Keith Tippet, Gordon Haskell, andy Mccullogh, Boz williams. luego de Islands, la ruptura entre senfield y fripp, parecia inminente, el egocentrismo de fripp, era demasiado y las relaciones se habían tensionado de una manera que la separación fue la mejor decisión en su momento.

Red, (1974).

A partir de 1972, comenzaría la que sería la segunda étapa de king crimson, una étapa que entre los fans del grupo tal vez sea la más recordada y venerada, a esto puede ayudar el hecho de que fue la formación mas estable tanto por el tiempo de compañia entre sus mismos integrantes como por la aficciones y afinidades de los mismos. Robert Fripp, John Wetton (bajo y voz), Bill Brufford(bateria), acompañados en ocasiones por músicos como David Cross, Mel collins, etc. serían los integrantes fijos de esta nueva formación. luego de un disco con una música, caústica, poderosa y difícil de digerir como fue "lark's tongues in aspic", y un disco en una linea esotérica y dura como fue "starless in bible black", surge el disco que de una manera correcta y magistral cierra el segundo período, el cual fue, Red (1974). Este disco esta poseído por un sónido denso, armonioso, conmovedor, pero sobre todo puro Rock, no quiere decir esto, que el album abandone las estilizaciones que eran comunes en otras épocas, sino, que el grupo se decantó de una manera directa y sin concesiones a una equilibrada y madura línea de rock experimental, llevando hasta sus últimas consecuencias lo que habían plasmado e insinuado en anteriores composiciones, de aqui la diferencia con las bandas progresivas del momento, quienes se entretenían con soliloquios de sintetizador de 20 mínutos e interminables suites, que aunque no carentes de belleza, si podían terminar aburriendo.

El disco se inicia con "red", tema en tono duro y efectivo, con las acostumbradas distorsiones de Fripp y un ampuloso ambiente sónoro; "Fallen angel", es un tema más relajado, donde la voz de Wetton, áspera y dura a la vez, pone unas notas de tranquilidad al torbellino de mellotron y guitarras que se suceden; "one more red nightmare", riffs de guitarra y solidez coceptual; "providence", un tema hermoso, espectral, sacado de un cuento de brujas, con un paraje sonoro, donde la meditación y la instrumentación recrean lo mejor de las pesadillas crimsonianas;" starless", sin lugar a dudas el mejor tema del disco, que se inicia con una textura suave, sencilla y magistral, llena de toda la sutileza, de los grandes temas del rock, hermoso solo de saxos, y la guitarra de Fripp, contenida, reprimida, no por no querer estallar en violencia, sino por contener una amplitud sonora de difícil control, el mellotron, obvio, se hace presente, y por definición, el último tema del grupo cierra una étapa gloriosa y también tal vez su composición más homogénea y perfecta.

6 años, sucedieron, para que la mente del rey carmesí decidiera volver a revivir a los King Crimson, la espera no fue en vano, en 1981, saldría discipline, de la serie de tres albumenes que se grabarían con la nueva formación, que aun hoy con algunos cambios de personal todavía se mantiene.

Discipline, (1981).

la nueva formación serían: Adrain belew (guitarras y voz), Tony Levin (bajo), bill Brufford (batería) y obviamnete Fripp en las guitarras. a partir de esta nueva formación sería interesante observar como el grupo en sus próximos discos intenta desarrollar apartir de unas armonias sonoras, todo el discurso de sus albumnes en si, es asi, como en este disco, los estilos y armonias se repiten de manera casi imperceptible pero consistente en todos los temas, uno podría suponer que esto restaría sorpresa y lo haría un album repetitivo, pero por el contario, lo que crea es un sónido mas conciso, eféctivo y directo, no tan espectacular y arriesgado como en las otras formaciones y discos, pero sin lugar a dudas un sónido interesante y para nada despreciable.

"elephant talk" y "frame by frame", son temas con una constante sonora muy perceptiva, con un formato de canción, con un sónido que intenta no ser complicado para poder llegar a mas oyentes, no obstante, son dos muy buenos temas de rock;"Matte Kudasai", el mejor tema de todo el disco, con un sónido cadencioso que rememora pasajes lejanos y la voz sútil y estirada de Belew, lo convierten en un tema digno de recordar; "indiscipline", anarquía sonora, las frases se repiten, cortantes, y la guitarra explosiva de fripp se despacha con todo su furor, no hay conseción a nadie, como contracorriente el último track del disco es "discipline", un tema mas calmado, con una progresión y estructura que ha estado presente en todo el disco, a diferencia de "indiscipline", la calma conceptual es mas evidente, hay una estructura organizada y todo parece estar controlado hasta el más mínimo detalle; los otros 2 temas, " Thela hun Ginjeet" y "The Sheltering sky", refuerzan la capacidad vocal de Belew y la estructura organizativa, que tan pacientemente Fripp ha tejido en este disco. Discipline, fue le primero de los tres discos de esta nueva foramción y tal vez el mejor, eso no quiere decir que Beat (1982), y Three of a perfect pair(1984), sean discos prescindibles, mas bien, el primer disco reune lo mejor de esta étapa y eso ya de por si es un valor agregado muy alto.

hasta aquí llega la historia de hoy, no todo ha terminado en la historia del Rey fripp y su banda, aun continua sacando discos, como por ejemplo el Power to believe (2003), y múltiples colaboraciones y projectos, en fin, pero esa será otra historia para otro momento.

Procol Harum.

2007-05-05T09:19:00.000-07:00

Procol Harum. " A whiter Shade of Pale". (1967).

A partir del año 1967, en el Reino Unido, muchas de las bandas comenzaban a realizar despuntes importantes, influenciados por el beat, el sinfonismo, el rhythm & blues y porque no con la mixtura del sónido "Beatles", obviamente sin el carisma de los 4 de liverpool, pero, con mucha mas técnica, muchas de las bandas amalgamaron varios de estos conceptos y conformarian lo que mas adelante sería la base del rock progresivo o sinfónico.

The Paramounts, una banda sin suerte se acaba en 1966, y es en 1967, cuando su vocalista y ex-lider Gary Brooker forma en dicho año el núcleo de Procol Harum. la banda combinaba en sus discos toques de Rhytm & blues, beat británico y una liricas con una línea melancólica bastante apreciable, la cual es secundada indiscutiblemente por la voz rasposa y oscura de Brooker.

Ojo, los Procol Harum, no son, Rock Progresivo, son un banda que experimentaron con la música que en esa época se tocaba en el Reino unido; cabe destacar que esta mezcla de sonidos estuvo reforzada por la utilización de dos instrumentos fundamentales, y que consagrarían al grupo y a la mayoría de las bandas de la época, el piano y el órgano Hammond, el cual era interpretado con solvencia por Mathew Fisher. Es la utilización de dicho instrumento el que les dió la fama y el éxito más importante de la banda y a la par unos de los discos mas vendidos de todos los tiempos, " A whiter shade of Pale", el tema surgió luego de readaptar una cantata de Bach, y acompañada del órgano ceremonial de Fisher, y la voz triste y melancólica de Brooker, que acompaña de manera magistral al tema; como dato curioso el tema fue lanzado como single y no fue incluído inicialmente en el disco original, pero, al observar el inminente éxito de ventas, se incluyó como primer corte del album.

El resto del disco, es un compedio de buen rock británico, "conquistador", es una pieza alegre, rítmica, intuitiva, considerada por algunos como un clásico del género Beat; las piezas como "something follow me" y "cerdes", dan paso a un estilo melancólico, apoyadas por el piano y un punteo de guitarra sobre todo en "cerdes", que refuerza lo mejor del blues británico; hay temas más alegres como "she wandered through the garden fence", y sin lugar a dudas unos de los temas instrumentales mas importantes de la banda y que finaliza el disco, "repent Walpurgis", un prodigio instrumental del órgano Hammond, donde uno se puede llegar a sentir impresionado por la dosis de romanticismo y belleza que el tema en si despliega. Un disco bastante curioso, por la cantidad de influencias musicales que confluyen en 11 temas y recomendao a aquellos amantes de un instrumento fundamental de aquella época: el órgano Hammond.

2007-04-19T10:16:00.000-07:00

Edward Artemyev. metamorphoses. (1980).

La música del compositor ruso, Edward Artemyev, no ha sido muy difundida, y a mas de uno, el nombre le debe sonar extraño, no obstante, Artemyev es uno de los compositores electrónicos mas prolíficos de su país, ha colaborado en un centenar de bandas sonoras, compuso la cantata de los juegos olimpicos de Moscú en 1980, y además, es muy recordada su colaboración con el cineasta ruso Andrey Tarkovsky (Solaris, The mirror, Stalker). comenzó a componer música electrónica a principios de los años sesenta, y apartir de la segunda mitad de los setenta introduce en sus obras formas clásicas, las cuales se acompañan de una buena dosis de sintetizadores análogos, Sampler y moog.

Metamorphoses (1980), es un trabajo, que sin duda, sonará a muchas cosas, puede ser parecido a la música electro comercial de jean michel jarre, pero no es tan artificiosa; podria sonar a Tomita, pero a diferencia del japonés, artemyev, no se limita a transcribir una partitura con instrumentos electrónicos, el se encarga de reformularla, creando una obra similar pero nunca despreciable o aburridora; sonaria a Tangerine Dream, pero sin el esquematismo conceptual y la improvisación propia del trío alemán.

Lo importante de esta serie de trabajos cósmicos-electrónicos, es la capacidad de rememorar sonidos, de transportarte a parajes desolados, o a semejar un viaje en el espacio, por eso, la obra de Artemyev es de real importancia, no se amaña con un sonido y no se entrega al minimalismo fácil (algo típico de este tipo de compositores), en un disco puedes experimentar diferentes ambientes y todos igual de plácidos.

Amplio recomendado, a los amantes de la música electrónica los encontraran fascinante, eso si, el disco es bien difícil de conseguir (me he tenido que contentar con solo 5 cortes del disco), de hecho no esta en el catálogo de Amazon, y los títulos de los temas estan en ruso, así que es difícil identificar un tema en particular. Aún con sus dificultades de acceso, la música de artemyev debería conocerse mas por estos lares.

Colours are brighter

2007-04-07T21:16:00.000-07:00

Esto me pareció bonito, gracioso, interesante y apropiado para El Club de los Discos. Snow Patrol, Franz Ferdinand, Belle and Sebastian, Four Tet y más, tocando canciones para niños. Visiten el sitio, oigan las canciones online, jueguen y coloreen muñequitos.

Transatlanticism, Death Cab for Cutie

2007-04-06T09:32:00.000-07:00

Hay discos tristes y luego está Transatlanticism de Death Cab for Cutie. Siempre podrá argumentarse que es una opinión personal, formada porque lo oí en un muy mal período de mi vida, pero volviéndolo a oír no puedo evitar pasarlo un poco mal. Y bueno, ¿para qué quiere uno ponerse mal? Pues no sé, pero el disco es tan emotivo, tan bonito, y tan desesperanzador, que uno no logra escapar de él. Así que cuidado. Claro, si uno se identifica con las letras, si no, pues será otro disco de tipos lamentándose, pero las letras de Ben Gibbard son terriblemente cercanas, incluso cuando no hayas vivido lo que ellas narran.

Hay un par de momentos de alegría, pero lo que caracteriza al disco son las dolorosas historias de amores fracasados. Title and Registration, Lightness y A Lack of Color son tres historias de despecho, cargadas de imágenes sugestivas, que te hacen pensar en instantes de lo que podría ser una película, no porque narren una historia per se, sino porque comunican muy bien esos sentimientos de impotencia y tragedia que acompañan a una ruptura que no se vió venir. La estrella del disco es Transatlanticism, casi ocho minutos de calma seguidos por un crescendo que no lleva a ninguna parte. Y Tiny Vessels, sobre lo que se siente cuando te das cuenta de que te mentiste y la chica con la que estás no te importa en realidad, también figura entre los temas fuertes.

Otros temas menos importantes, pero igualmente interesantes añaden al disco momentos de melancolía, aunque no ablen necesariamente de tristeza. Passenger Seat, por ejemplo es sobre una pareja que conduce de regreso a casa en una noche tranquila; We Looked Like Giants rebosa angustia adolescente vista desde lo lejos; Death of an Interior Decorator, más animada, pero igualmente suave, tampoco escapa a una cierta tristeza que transpira todo el disco.

En general, Transatlanticism es un disco bonito, doloroso a veces, con letras muy bien escritas, que retratan momentos y sentimientos casi como una fotografía que captara un poco del alma del sujeto. Con instrumentación sencilla (guitarras, bajo y batería, y nada más), la producción le da un sonido distinto, bastante espacioso en algunos temas, que lo hacen sonar, afortunadamente, diferente de cualquier grupito indie sin pretensiones. Buena escucha, pero a tener cuidado con lo que pueda despertar dentro de uno si no se es cauteloso.

PS. No es la mejor reseña, pero lo estaba oyendo y me pareció bien escribir algo sobre él, así que ahí disculparán.

Neon Bible, Arcade Fire, 2007

2007-03-26T17:30:00.000-07:00

Ya se ha visto varias veces: un grupo saca un primer disco genial, es una sensación, y luego... se desinfla. Una de dos: o sigue por los mismos trillados caminos sin sorpresa que había planteado en su primer disco, o si no, cambia de dirección dejando a todo el mundo perplejo. ¿Qué pasaría con Arcade Fire?

Funeral, ese magnífico primer disco de la agrupación canadiense, rebosaba angustia adolescente, sin caer en las estúpidas trivialidades emo de sonidos más que trillados. Lleno de sinceridad, de una sensación de apremio, y por supuesto de una musicalidad a prueba de balas, con arreglos inusuales a composiciones que podríamos calificar de post punk barroco, el disco es uno de mis favoritos y aunque no me encantan todas las canciones, las que sí lo hacen me parecen sencillamente geniales. Ojo, me gustan todas, pero unas me encantan. No tiene tema malo.

Neon Bible, su nuevo disco, tiene un sonido típicamente Arcadefire-iano, aunque ha evolucionado hacia otros caminos. Primero, las sensación adolescente desaparece, y queda un desespero más maduro, aunque no plenamente adulto. Crisis de fe, dudas ante la existencia de Dios aunque pleno reconocimiento de una búsqueda espiritual que lo incluya, desconfiando de las religiones establecidas por su estado actual, así como ataques al consumismo, a la guerra, son algunos de los mensajes que pueden intuirse en las letras de las canciones de Neon Bible. Y digo intuirse porque son bastante crípticas, y en lugar de narrar historias, lo que hacen es crear sensaciones extrañas, no plenamente identificadas, que se quedan adentro aunque el intelecto no acabe de entenderlas. Hay tanto de pesimismo como de optimismo en el disco, que no es tan divertido, sino algo más denso. Y no es de extrañar el tema religioso si tenemos en cuenta que fue grabado en una iglesia, escenario también de algunos de sus primeros toques promocionales. Y sí, es que hay una sensación gótica en el ambiente. Gótica que no goth, eso sí. Musicalmente hay, como digo, una evolución, porque el grupo tiene un sonido algo más denso ahora, aunque sigue la misma estela barroca que lo ha caracterizado. Órganos de iglesia, cuerdas, alguna orquesta de Europa del este... todo lo que esperaríamos del grupo, y más, así que a los oídos hay sorpresas. Sorpresas eso sí, que esperábamos de ellos.

¿Y el disco es bueno, o qué? Tengo que decir que aún lo estoy digiriendo, porque no es ni fácil ni golpea de una como lo hizo el primero. Las expectativas tan altas le hacen daño, es verdad. Si fuera un disco de cualquier banda, sería genial, pero es que después de Funeral, el listón estaba altísimo y de primerazo uno se da cuenta de que Neon Bible no es Funeral. Pero poco a poco se va entendiendo como lo que es: un gran disco que hay que apreciar con calma, oír con atención, y en últimas aprender a descifrar. Es mejor un trabajo que se tarde en digerir, pero que al final quede como algo valioso, a uno que impacte y se queme prontamente sin trascendencia. Y Arcade Fire no es de los grupos que hace discos como los últimos.

Aunque haya necesitado darle varias oídas para cogerle del todo el gusto, Neon Bible es un disco excelente, intenso, emotivo, y en definitiva, de nuevo sin temas de relleno, y muy, muy por encima que casi cualquier cosa que haya oído últimamente. Ahora mismo lo estoy oyendo y me convenzo cada vez más de ello. No será Funeral, pero rayos, es muy, muy bueno.

Una deuda pendiente.

2007-03-25T19:12:00.000-07:00

Returno to Cookie mountain. Tv on The Radio. (2006).

ya en dias pasados habia reseñado el primer trabajo de los tv on the radio, donde apreciaba el hecho de tomar importantes influencias musicales y fusionarlas en un sónido que pareciera nuevo, sin necesariamente serlo, esto genero una pequeña polémica con mi colega de blog m.a quien me decia que debería escuchar su trabajo del año pasado para darme cuenta de lo que esta banda podia realizar, pues bien dispuesto a comprobar si lo que se me habia prometido era cierto decidí escuchar el trabajo y escribir mi apreciación sobre el mismo:

para empezar tengo que reconocer que habia cierta prevención frente al trabajo y mi primera escucha no fue la mas objetiva, asi que le di una segunda y tercera oportunidad, e inmediatamnete comprendi que el trabajo en cuestión presentaba cierta dificultad para acceder a su sonido, es decir , los tv on the radio siguen en su linea de tomar influencias y sazonarlas con sus coros y su particular composición, pero y aquí el secreto del asunto, el disco plantea una madurez conceptual, una profundización sobre el estilo de la banda que hace que no me sea fácil entender como el grupo ha evolucionado de una forma tan sencilla pero a la vez compleja, en su anterior trabajo era relativamente sencillo decir esta canción se parece a tal cosa y tal otra, o este sónido se me hace familiar a..., pero aquí no, reconozco cosas pero la verdad no se me es tan fácil como antes, y ahora bien si han madurado, y han logrado crear un sonido mas propio es gracias precisamente ha que esta vez son mas ellos mismos y no retazos de otros, obviamente esto puede generar dificultad en acceder al gran público de hecho no creó que sea un grupo de grandes masas, ni mucho menos con este disco lo van a lograr, pero lo mas importante para mi como melómano que soy es escuchar como un grupo se reinventa a si mismo sin necesidad de venderse o colocarse una etiqueta de moda.

los temas estan muy bien, los hay accesequibles: i was a lover, walk like me, o experimentales como tonight, o la bateria incesante de let the devil in, y el tema que mas me conmovió la espectacular "dirty Whirlwind", me imagino este temazo tocado en un pub, con una cerveza en la mano y tarareandola de palmo a palmo.

si m.a tenias razón una de los mejores discos del 2006, tan bueno que creó y espero equivocarme que tal vez los tv on the radio no se puedan ya superar a ellos mismos.

PORTADAS FAVORITAS- CUARTA ENTREGA. BLUE NOTE RECORDS.

2007-03-25T10:09:00.000-07:00

Blue Note Records es un sello discográfico fundado en nueva York en 1939 por alfred lion, el cual se especializó en música jazz y soul, su mejor época fueron las decadas de los años cincuentas y sesentas; fue el lugar de grabación de los primeros discos de gente como herbie Hancock, Chick corea, jimmy smith, joe Henderson, Lee Morgan. El diseño de sus portadas estaba a cargo de Reid Miles y el fotógrafo Francis wolff. un estilo diferente a lo ya mostrado por hipgnosis pero igualmente satisfactorio, he aqui algunas portadillas y no olviden sus comentarios y votar y votar una y otra vez por su preferida.

Down home style. Brother Jack Mcduff. (1969).

patrulla gastrónomica, round 4, no creó que dr calamar se apunte, ji, ji, ji.

Merry ole soul. Duke pearson. (1969).

A esos juguetes si me apunto, aunque conceptualmente hay algo que no funciona.

That healin' feelin'. Horace Silver. (1970).

no se porque no me dan ganas de irme a leer las cartas...

Black pearl. Jimmy Mcgriff. (1971).

demasie..., en serio, demasie...

PORTADAS FAVORITAS- TERCERA ENTREGA.HIPGNOSIS.

2007-03-25T08:10:00.001-07:00

Hipgnosis fue un estudio de diseño especializado en crear portadas de discos de Rock, fundado a finales de los años sesentas su primera portada fue para Pink Floyd en el "A saucerful of secrets" y después de esta siguieron muchas mas hasta mediados del año 1983, donde finalmente el estudio se deshace, los diseños de tan emblemáticas portadas estaban a cargo de: Aubrey Powell, Peter Christopherson y su fundador y genio creativo Storm Thorgerson, los temas de las portadas describen arte conceptual, aridez estética, provocación sexual y mitos profanos.

A Saucerfull of secrets. Pink Floyd.(1968).

la primera, siempres es ley...

Tightly Knit. Climax Blues Band. (1971).
algún comentario....

Savage eye. Pretty Things. (1975).
de las múltiples portadas de ojos, creó esta es la que mas me impacta, sencilla pero atrayente.

Force it. UFO. (1975).

Que puedo decir ?

Jump on it. Montrose. (1976).

curvas y lineas que confluyen a un solo lugar donde muchos quieren llegar en noches solitarias y no tan solitarias.

Tormato. Yes. (1978).

el torso de un mago, un color azulado y un tomate estrellado, a mi me gusta, no es de las emblemáticas pero ahi esta. según se cuenta el tomate fue cortesia de Rick Wakeman como una forma de mostrar su inconformidad con el resultado final del disco.

Difficult to cure. Rainbow. (1980).

mi preferida entre todas, asepsia médica, aridez conceptual mas nunca pobreza.

Peter Gabriel 3. peter Gabriel. (1980).

alguna vez Gabriel explico como se degrado su imagen de manera accidental con el borrador de un lapiz, bueno este es el resultado, por otro lado el trabajo en solitario mas equilibrado y completo del ex-genesis.

PORTADAS FAVORITAS- TERCERA ENTREGA.HIPGNOSIS.

2007-03-25T08:10:00.000-07:00

The Crane Wife, The Decemberists, 2006

2007-03-21T17:32:00.000-07:00

Luego de Picaresque, ese disco lleno de teatro y literatura, The Decemberists firmaron con una compañía de las grandes. ¿Qué vieron en Capitol para fichar a este grupo de gente rara que compone canciones de diez minutos sobre marineros? Bueno, la pregunta sería: ¿Se vendieron los Decemberists? ¿Se volvieron asquerosamente comerciales e hicieron concesiones? Y algunos pueden decir que sí, pero yo diría que simplemente evolucionaron hacia donde naturalmente apuntaban. Pero no faltarán los que se sientan traicionados, igual que los que rechazaron The Life Pursuit de Belle and Sebastian porque no les sonaba a Tigermilk. Y la comparación no es gratuita, porque si los Decemberists tocaban antes un folk rock mezclado con pop de cámara, ahora se van decididamente hacias el pop, dejando un poco de lado el folk y experimentando con los sonidos setenteros entre ellos, ¿el rock progresivo?. Sí, así es. Y el resultado es estimulante. La esencia del grupo permanece intacta, con sus letras que cuentan historias bien literarias, con detalles de otras épocas, sin embargo el sonido se mueve un poco hacia otras tierras. Y la cosa funciona.

The Crane Wife comienza con un pegajosísimo tema llamado The Crane Wife 3, donde se cuenta una parte de una bella leyenda japonesa, que luego se desarrollará en el tema The Crane Wife 1 &2. Buen pop para comenzar. A continuación vienen más de doce minutos de rock progresivo, con buenos teclados setenteros (señor Berlin, usted sabe más de esto que yo, y sí, sé que le debo la reseña del disco de Genesis y el de King Crimson), en un tema compuesto por tres segmentos, de letras estilizadas y oscuras, casi salidas de algún libro de relatos de Ambrose Bierce. Hay más prog rock, más pop, y hasta un guiño a su estilo de antaño, con una balada sobre un grupo de asesinos de niños (The Shankill Murderers).

No, The Decemberists no se han vendido. ¿O es que alguien cree que temas de más de diez minutos, con influencias folk y de rock progresivo venden? No, el grupo sigue su propio camino sin hacer concesiones, variando su sonido y enriqueciéndolo con lo que les sirva. Atrás queda el puro folk, pero una cosa se mantiene: Colin Meloy sigue escribiendo unas letras maravillosamente indescifrables si no es a punta diccionario.

portadas favoritas- segunda entrega.

2007-03-17T20:12:00.000-07:00

Esta vez es mi turno, elegí el rock progresivo como tema de las portadas, aqui mi selección

Thick as a brick. jetro tull. (1972).
es ingenioso, una portada que sea la primera página de un periodico, y eso que jetro tull a mi no me llega...

The lamb lies dies down on broadway. genesis. (1974).

un disco con una música que no ha envejecido bien, pero la portada es extraña, parece de libro de enseñanza primaria de los setenta, a mi me gusta.

In the court of King Crimson. King crimson. (1969).
disco fundamental de la historia del rock, una obra maestra indiscutible, y una portada que se extiende mas allá de si misma, me encanta.

in the wake of poseidon. king crimson. (1970).

un popurri de personajes, cada cual mas extraño, mitológico y mágico. bien puede ser la portada del próximo cinema zombie.

The hangman's beautiful daughter.The incredible string band. (1968).

no tengo idea de que va el disco, pero que bonito tener una foto familiar asi.

2007-03-17T19:33:00.000-07:00

The sounds. “ dying to say this to you”. (2006).

La cosa es sencilla y entretenida, un grupo pop con algo de actitud punk, un sonido moderno, fácil, asimilable, no es una música que habla de grandes historias o que se desmelene por el virtuosismo técnico, es algo mas como un divertimiento pero eso si muy bien producido, no por nada hay nombres importantes detrás de esta empresa: jeff saltzman, James Iha (smashing pumpkins); el atractivo extra de esta banda lo pone su lider la cantante Maja Iversson, a la que le han acusado de copiar el estilo de ciertas cantantes del pop de los ochenta, lejos de esta polémica lo cierto es que el disco alcanza cierta diversidad en las melodías muy apreciable lo que hace de este trabajo un disco que en ningún momento aburre, temas como: don’t want to hurt, night after night, painted by numbers o ego son prueba de ello, recomendado para aquellos que crean mas en la frescura del pop adolescente que en el corrosivo rock adulto.

Picaresque, The Decemberists, 2005

2007-03-17T17:51:00.000-07:00

A veces, cuando llega a mis manos un disco nuevo, me cuesta encontrar de qué trata exactamente, y sólo cuando leo sobre él, cuando pasa cierto tiempo y capto su onda, o cuando me formo una imagen mental de cómo puede ser su estética (no cómo visten sino a qué se parece lo que dicen), entonces me empieza a gustar. Ese pudiera haber sido el caso de The Decemberists. Normalmente me hubiera demorado más en aceptar su propuesta, pero cuando leí en una crítica cómo era el grupo, ahí sí que se despertó mi curiosidad. Y es que The Decemberists tiene tanto de banda de rock como de troupe teatral. Su música, una imposible combinación de folk-rock, con pop de cámara y muchas cosas más, tiene una definitiva influencia de los cuentos victorianos, de marineros, y temas muy literarios.

Picaresque, el disco que nos ocupa, puede calificarse de teatral en el mejor sentido de la palabra. Su carátula no es gratuita, y desde el primer tema, The Infanta, nos damos cuenta de que a este grupo le interesan cosas diferentes. Su música es muy buena, pero es en las letras donde se apartan de la normalidad. Es como si un grupo de nerds, aficionados a disfrazarse en las ferias medievales, a leer todo el día elegante literatura inglesa, y a inventar historias fantásticas en sus diarios, se hubiera reunido para armar un acto. Y esto pudiera haber sido peligroso, pero demuestran buen gusto, talento, elegancia y unas referencias impecables. Las letras son particularmente literarias, y si no me creen, traten de leer alguna sin tener que acercarse a un diccionario.

El disco está casi ausente de material de relleno (hay alguna canción no tan buena, pero nunca mala), y algunos temas son casi normales (para lo que este grupo logra hacer), como Sixteen Military Wives o The Sporting Life, pero es cuando se acercan a su faceta teatral que el grupo alcanza los mejores momentos. We Both Go Down Together, un bella y cruel historia de amantes suicidas en Dover, Eli, The Barrowboy, otra triste historia de amantes separados por la muerte, o The Engine Driver son los temas más afortunados del disco. Eso sí, la majestuosa The Mariner's Revenge merece comentario aparte. Casi nueve minutos de una larga historia de venganzas, madres tuberculosas y vida en el mar contada desde el vientre de una ballena, la canción es casi la banda sonora de una pequeña obra de teatro musical. Casi pueden verse los escenarios y las imágenes donde transcurre el cuento, y si además se incluyen ciertos efectos de sonido, pues ya no podemos sino reafirmar la tendencia escénica de la banda, la cual debe ser un placer ver en vivo. La coda frenética con ritmos marineros y acordeones bailables es infecciosa y pone fin al mejor tema del disco.

Un excelente disco, para todo aquél que guste de un poco de fantasía, psicodelia (en algún momento los compararon con Neutral Milk Hotel), teatralidad, literatura... y la vida en el mar.

De todo un poquito (clasic).

2007-03-17T12:30:00.000-07:00

Led zeppelin. In through the out door (1979).

Led Zeppellin es indudablemente uno de los grupos punteros sino el mas de los años setenta, hijos del Beat británico, amantes del folk, la sicodelia y el rock duro no es de extrañar que sea una página fundamental de la Biblia del Rock de todos los tiempos, en este su último trabajo en estudio la despedida final era algo inminente la cual fue precipitada por la muerte de su baterista John Bonham. No creó que a muchos fans del grupo les agrade realmente este trabajo, ya que se aleja radicalmente del estilo que la banda impuso en sus primeras salidas y trabajos, pero a mi me gusta, hay temas como “Fool in the rain” y “All my love” que son mas temas melódicos pensadas en sonar en la radio que temas propiamente duros o himnos épicos a los que la banda estaba acostumbrada. Ya no hay excesos instrumentales, ni la voz de Robert Plant con sus acostumbrados chillidos, ni el virtuosismo instrumental de jimmy Page, no, realmente se notaba cierto cansancio, ciertas ganas de buscar nuevos aires, hacer otras cosas, incluso en el único tema épico del disco “carouselambra” llama la atención es el sintetizador como instrumento principal algo extraño para una banda propia de rock duro y eso que las mejores épocas del rock progresivo ya habían pasado, como todo trabajo tiene sus discos flojos la impensable “hot dog” y también los hay interesantes “i’m gonna crawl” (blues cortesía de Jimmy page), un disco en mi concepto muy bueno para oyentes ocasionales, pero prescindible para ultra-fans.

Can. Ege bamyasi. (1972).

Después de la decepción que significo al menos para mi Monster Movie, decidí escuchar otro disco de los incombustibles Can, la elección cayó en Ege Bamyasi, disco posterior a la publicación de esa joya que es Tago Mago, el disco empieza con dudas, titubeos, como que no alcanza a arrancar ni temas como “pinch” o “vitamin c” me acaban de convencer, pero en la mitad final del disco llegamos a la mejor parte del mismo, la sicodélica “soup”, que parece haber sido grabada en medio de una construcción abandonada, ruidos inconexos, teclados y órganos que aparecen y desaparecen, los sonidos comienzan y terminan una y otra vez, llamémoslo “ anarquía enérgica” la verdad es sensacional y las últimas dos canciones “i’m so green” y “spoon” me encantan como que después de esa locura llega algo mas relajado e igualmente estimulante, un disco bastante agradable con muy buenos momentos que aunque no este al mismo nivel de su Tago Mago si coloca a esta banda a la vanguardia del mejor sonido de su época.
Pd: la portada art me parece feísima, lo voy a proponer como concurso de las portadas sección “las más feas”.

Herbie Hancock. Headhunters. (1973).

Herbie hancock, pionero del jazz electrónico, budista, y discípulo del jefe de jefes el intocable Miles Davis, nos trae un disco indiscutible a la hora de hablar del jazz experimental. Hancock, había mostrado desde años atrás un amor cultivado por los sintetizadores, el moog y demás aparatos electrónicos para sazonar sus composiciones, no solo como una opción sino como una forma de conectar con una mayor audiencia sin olvidar el estilo clásico pero agregándole efectos que lo pudieran hacer mucho más atractivo y si que lo logró. Headhunters es una mezcla de funk electrónico, con una adecuada sección de cuerdas y viento y lo mas indispensable el toque de Hancock al lado de sofisticados sintetizadores y órganos electrónicos que le dan un aire fresco a las composiciones, si bien es cierto el disco se identifica con una época en particular (1970-1975), hoy en día suena muy bien, no ha envejecido mal y la verdad es una delicia para pasar una tarde amena; como no tararear en la mente los primeros instantes de “chameleon” con ese tan-tan-tan-tantantan-tan-tan-tan y la sección de vientos de “watermelon” , y el ambiente etéreo desplegado por ese temazo que es “vein melter” en fin, no soy el mas afiebrado al jazz y no creó que me aguantaría mas de una hora de una audición de esta música, pero si es algo medianamente parecido a lo que Hancock no has demostrado en este trabajo bien vale la pena escucharlo atentamente.

Richard hell & the voidoids. Blank generation. (1977).

1977, buen año para el punk, desde ambos lados del océano atlántico iban y venían sonidos feroces, torpes, efímeros, simples, y entre toda esta jungla habría que hablar de Richard Hell (Richard Myers), personaje nacido en Kentucky, pero hecho musicalmente donde no mas sino en Nueva York, el C.B.G.B (mítico antro punkero y de animales raros) le dio la bienvenida, antes había trabajado con su compañero de colegio Tom verlaine en Televisión pero su forma de ser lo hacia incompatible para congeniar con mucha gente. Es así como Hell decide juntarse con otros neuróticos igual que el y formar su banda los Voidoids los cuales creaban un estilo que rememora al mejor rock and roll cincuentero pero agregando la voz infernal de Hell, acompañado de unos sonidos ásperos, irritables, con unos riffs como en casi toda la producción punk inconexos, los instrumentos no se tocan, se golpean para torturar al mas desprevenido de los oyentes, y eso que hay temas muy agradables como: “New pleasure “y “down at the rock and roll club”. Ahora no todo era violencia, hay temas como “another world” y “all the way” donde se nota las ganas de poner una voz mas moldeada y una instrumentación mas organizada en beneficio de un sonido mas depurado, Hell era salvaje y complicado pero no tonto, y como se escucha hoy en día tal vez no impacte tanto como en su época pero es un disco infaltable en la colección particular de cualquier fan punk.

2007-03-11T07:32:00.000-07:00

Join Hands- siouxsie & The Banshees. (1979).

En alguna ocasión le habia presentado a mi amigo m.a una critica española sobre este trabajo donde palabras mas palabras menos descalificaban este trabajo comparandolo con una serie de ruidos inconexos que levantarian de su sarcófago al mismísimo rey tut, no es para tanto, primero que todo porque es un trabajo digno y eficaz y segundo porque si bien es cierto que se nota cierta dexconexión no es por incompetencia sino por lo difícil que fue para la banda realizar este trabajo.

luego de su primer lanzamiento (scream), se presionó a la banda para lanzar su segundo trabajo, el tiempo corría rápido y habían dudas, el material no estaba aún preparado como se había planeado, en ese momento comenzaron los problemas internos, que generaron 2 bandos en la misma banda; por un lado siouxsie y steve severin y por el otro lado John MCcay y Kenny Morris, el punto álgico fue la elección del productor americano mike stavrou quien no tenia mucho en cuenta las ideas de MCcay y morris, al parecer se tomaban decisiones sin el consentimiento de ellos tanto en la parte de diseño gráfico como en la parte musical lo cual empeoró las cosas, incluso morris declaro en alguna ocasión "stavrou was a little shit".

la ruptura definitiva se presenta en el tour de promoción de la banda donde MCcay y morris abandonan y siouxie y Severin tienen que llamar a algunos amigos para poder finalizar el tour. con todo esto uno supone que el clima de creación del disco no era el mejor, no obstante ese aire pesimista, malsano, en algunos momentos gótico (realmente gótico, no la mentira que algunos grupos locales, se creen) ayudo a crear hits memorables, ayudados por una percusión potente aunque a ratos torpe, muy poco melódica si se quiere y unos riffs que castigan al amante mas purista de el estilo clásico del guitarreo convencional, pero hay esta el secreto, no se trata de virtuosismo técnico sino de eficacia conceptual, estilo donde el grupo podía rendir mejores dividendos, de aqui se destacan: la excelente Playgrund twist (único single lanzado), Prematurial burial (inspirada en E.A.Poe), o Mother/oh mein papa donde solo se escucha la voz de siouxsie y una caja musical mezcla entre niñez perdida y terror gótico. El disco esta plagado de cierta depresión como si las canciones fueran himnos al aislamiento a la desolación a la incompresión, bueno tal vez no sea para tanto, pero si hay cierta busqueda para encontrar las tineblas dentro de la luz, algo que en los primeros discos los Banshes lograron acercarse. recomendado para amantes del cool Wave, New Wave, post punk, onda siniestra y demas estilos de la época.

Portadas Favoritas, primera entrega.

2007-03-07T18:24:00.000-08:00

Nueva sección en el club de los discos. Aquí van mis primeras favoritas, algo de glam, 70´s...

Roxy Music ¨Country Life¨ (1974)

¿Qué decir? Demasié...

David Bowie ¨Aladdin Sane¨ (1973)

Emblemática. Favorita entre favoritas, adolescencia morbo y sci-fi. Sugestiva y ambigua, como tenía que ser. Hermosa.

David Bowie ¨Hunky Dory¨ (1971)

Mis amiguetes del club se burlaron cuando propuse esta, ¿Qué puedo hacer? me gusta, así soy.

Brian Eno ¨Here come the warm jets¨ (1973)

Misteriosa e intrigante. La primera vez que la vi, todavía estaba en el colegio, escuchando punk-rock, H.C. y new wave, pensé, ¿qué carajos es esto? años después lo escuche y me dije, si. Cumple lo que promete.

2007-02-25T14:38:00.000-08:00

A flock Of Seagulls. The Best of A flock Of Seagulls (1991, BMG- RCA).

mucho se dice sobre la decada de los ochenta, de su música, de su ropa, de su política, de sus series de televisión, para algunos fue lo peor, para otros (en mi caso particular) fue una época sumamente entrañable, y creó que muchos de los que visitan esta página se pueden sentir identificados con esta apreciación; los ochenta por lo menos su primera mitad fueron el caldo de cultivo de las bandas armadas con sintetizadores y teclados, formando lo que se conoce como synth pop, tecno pop, siendo sus años dorados 1980 y 1981, después el concepto evoluciónó comercialmente mas no musicalmente y se dió paso al movimiento pop de los nuevos romanticos (duran duran, adam ant, OMD, visage), se puede hablar de un amplio predominio británico y de una gran preocupación por la imagen, esto ayudado por el recién nacimiento de un canal de videos (MTV, que hoy en día es una caspa de armas tomar).

Entre los muchos grupos de la época destacaré sin lugar a dudas a los A Flock Of Seagulls, cuarteto originario de Liverpool, que tuvo una efímera pero intensa carrera musical. siempre me llamó la atención este grupo por varios razones, consideró que reuné lo peor y lo mejor de su época, lo mejor: synth pop entretenido, los únicos riffs de guitarra que me gustan de ese movimiento, liricas melancólicas (increible, pero es cierto ¡¡¡), y melodias de fácil identificación; lo peor: ellos mismos, nadie en sano juicio quisiera ser como ellos, y eso que Mike score su lider es peluquero, pero la verdad de pintas nada que ver, esos copetes, esa pintura, ufff, es para chiflarse de risa. Pero volviendo al tema musical los A flock... si tenian mucho que decir y es ahi donde esta la diferencia con otros grupos, mientras que Duran Duran son bonitos y Visage se pinta la cara de blano y rojo sus discos hoy en dia no transmiten mucho, salvo en su género, en cambio los A Flock.. hoy en dia suenan mucho mas interesante y si se quieren mas influenciantes que otras bandas de su cohorte. la voz de Mike Score esta dotada de una cierta nostalgia, que agregada con el buen hacer de los demas miembros logró temas imprescindibles del tecno pop: I ran so Far Away, Space Age love song, nightmares, wishing y la archiconocida The more you live, the more you love, y si no creen lo de las liricas lean la primera estrofa de the more you:

you never give your heart to a stranger

or tell you secret to a friend

you'll put your heart in mortal danger

they all desert you in the end...

Y asi por el estilo, hablando del CD, es un buen disco pero no es excepcional, faltan temas imprescindibles: tokyo, moderno love is automatic, y en el cd, como en todo cd recopilatorio quedan huesos en este caso la ramplona who's that girl, pero a cambio nos regalan un tema buenisimo: D.N.A. , el resto es lo mismo que suele pasar con estas bandas, su soporte va de la mano de una moda que si no logra evolucionar los engullece fácilmente, se acaban los hits en las listas, peleas entre los miembros y el siguiente paso es la desbandada.

De la mejor época del synth pop británico les recomiendo esta pieza y en general este grupo, ideal para escuchar una tarde de domingo, momento crucial para recordar viejas épocas con los mejores recuerdos que nuestra mente pueda retener.

tuxedoCANmoontuCANxedomoonCANtuxedo.

2007-02-21T18:25:00.000-08:00

Tuxedo moon. "Solve Et Coagula", The best of (1997).

Es grato sin lugar a dudas tener la oportunidad de escuchar un disco que te produzca emociones amables con una música que en principio dificilmente podria ubicarla uno en un contexto de familiaridad , con esto me refiero a que la mayoria de los grupos de musica tecno industrial son respetados y venerados pero dificilmente uno puede admitir con sinceridad que son grupos con algo de corazón mas allá de las frias maquinas. No dire ahora que tuxedomoon son todo corazón y nada de metal, pero si hay un esfuerzo por tratar de conectar con un público más amplio sin necesidad de distorsionar de concepto y mucho menos torcerse a favor de las grandes masas.

originarios de San francisco y pertenciendo a la ultra vanguardia americana los tuxedomoon se afincaron rápido en Europa donde Bruselas fue su epicentro principal, la idea era clara, teclados, guitarras distorsionadas, cajas de ritmo (en los setentas ¡), voces sobre expuestas y un bajo intuitivo, repetitivo y potente. Como es de pensar la escena post punk los acoge con los brazos abiertos pero la lista de exitos con frialdad, importa ¡¡¡¡, no creo, su música nos llega de una manera soberbia y eficaz, sin despeinarnos mucho, pero tampoco dejandonos las cosas facilitas, en resumidas cuentas : equilibrio. pero de que va el disco, se preguntaran ?, es simplemente una recopilación , con catorce temas, y una evolución musical patente, recomiendo temas como: "some guys" y "dark compannion" con su bajo potente y omniprescente, la conocida " a manner of speaking" donde la voz principal y la textura sonora son impresionantes, este bien puede ser el tema central de una spaggetti western futurista, y hay otros temas muy buenos como "desire" y "59 to 1" y descaches como la tropical "atlantis", pero todo disco recopilatorio los tiene, en fin si despues de todo esto no te da curiosidad por escucharlos, mejor vete a dormir, ya que los Tuxedomoon estan aqui, amplio recomendado.

Can. "monster movie". 1969.

Siempre he respetado la música de Can y considero que son un grupo interesante y pionero en la vanguardia experimental alemana, "Tago Mago" una de las obras que mas me ha gustado de ellos y que la considero punto de referencia obligado para todos aquellos que quieran escuchar buen krautrock. Por este motivo me tome la molestia de escuchar su "Monster Movie", sinceramente tengo que reconocer que me siento decepcionado, esperaba mucho mas, si bien es cierto la agrupación repite con solvencia la formula instrumental el cambio de registro vocal altera para mi dramaticamente las cosas, no es que Damo suzuki sea un "pavaroti" al lado del micrófono pero su ausencia se hace notar, ya que su estilo pegaba con el de la banda y aunque malcolm money no lo hace mal no creó sea el indicado. temas buenos los hay: "mary, mary so contrary" y monótonos también "yoo do right" (que desafortunadamnete dura 20 minutos). en conclusión por que no hay mucho que agregar si eres fan de Can no importa lo que diga te va a gustar, si no lo eres, entonces te remito sinceramente a escuchar "tago Mago" para que asi las cosas se equlibren y todos felices.

EN EL 1991 PROMETIERON INVADIRNOS, PERO NUNCA LO CUMPLIERON.

2007-02-12T20:32:00.000-08:00

Ya Stone Roses fue le primero en dar la voz de alerta en el 90 (aunque el lanzamiento original fue a mediados del 89), nadie se había tomado muy en serio a los Mondays dos años antes, básicamente porque sonaban demasiado extraño para el mercado local. The Charlatans UK (pese a la funesta tapa de la primera edición del Some Friendly) anunciaba que por lo menos desde Manchester había más material de calidad (pese a los esfuerzos de Soup Dragons para probar lo contrario). James, por otro lado, luchaba a contracorriente (a veces tenía ecos de Morrisey en el Strip Mine o dejaba correr alguito de psicodelia en el Gold Mother) para crear sonido propio… Si, eran los noventas y la década que empezaba prometía cosas.
Sonidos menores pero contundentes salían del primer trabajo de los Inspiral Carpets (Manchester continua), y ya, ya, ya, cuando todo indicaba que se venía de lleno una invasión británica… llegó el 91 y todo se quedó en una simple promesa.

Y es que a veces es difícil saber cuándo se han de sincronizar estas cosas, pero tanto preámbulo merecía algo mejor. No hacía mucho (casi dos años) que The Cure se había apoderado por segunda vez del top 10 norteamericano con una canción como Love Song (qué original!), y Depeche Mode, ya en el 90, a medida que se trasladaba al lado oscuro de la fuerza iba cobrando más fanáticos al tecnopop de pantalón blanco… el razonamiento era el siguiente: Si esa era la música que dominaba el panorama, entonces ¿qué no pasaría cuando las promesas se concretaran?

Pero el 91 empezó tibio, en febrero Jesus Jones lanza su álbum debut (Doubt) y bueno, no convence aunque tiene un par de temitas de recordación, las voces demasiado aflautadas solo sirven para acompañar una música armónica pero timorata.

Saltamos a mayo, EMF (Schubert Dip) se encarga de prometer todo con un disco que fue más criticado de lo debido. Realmente no eran una gran banda, pero el signo de “One Hit Wonders” los mató desde el momento que lanzaron su muy tocada Unbelievable, porque después de escuchar todo el trabajo uno se podía dar cuenta que tiraron todos los restos emitibles en ese primer single, e iba a ser muy difícil que los tomaran en cuenta después de semejante éxito.
En ese mismo mes, Inspiral Carpets decepciona con un disco plano y a veces aburrido, aunque bien ejecutado, como el The Beast Inside.

En junio y julio, Wonder Stuff (Never Loved Elvis) y Neds Atomic Dustbin (God Fodder) anuncian los problemas, hacen discos aceptables pero bastante prescindibles.

En agosto, Blur sorprende con su Leisure (que acá se dio a conocer en la versión norteamericana que, además de ser distinto en aspectos visuales, el running order es difiere del británico y, además, mite a Sing en el primer tiraje), se convierte en la respuesta más contundente del pop londinense. No todo está perdido, estas rivalidades entre ciudades a veces dan buenos resultados (se comentaba en la calle).

Y la respuesta septembrina de Manchester fue Northside, con Chicken Rhythms un disco de excelente factura y calidad pero que, debido a lo desastroso de su campaña publicitaria (una de las perlas para perder dinero de la Factoy) vio como sus ingresos se iban en saco roto hasta firmar tarde en ese año con Geffen. Y el año se estaba acabando y no hubo nada más relevante que ver… por lo menos de ese lado del atlántico, porque por las mismas épocas Nueva York y Seattle ya andaban armando todo, y fue así como la tan anunciada invasión no se produjo y, de hecho, cuando menos se esperaba, entre el otoño (hemisferio norte) del 94 y el verano del 95, se produjo una verdadera invasión, más nombres, más grupos y más calidad, pero esa es harina de otro costal… esto no fue más que puro revival miserable, debe ser por culpa de ver VH1.

Justus Köhncke "Homogen" (Kompakt, 2003)

2007-01-19T15:22:00.000-08:00

Dentro del catalogo de artistas de la Kompakt (responsables no en poca medida de la invasión minimal que hemos sufrido desde hace ya mas de dos años), destaca este obseso musical, el señor llamado Justus Köhncke ¿Por qué? Una excelente habilidad melódica, un inusual sentido del ritmo y cero prejuicios a la hora de lograr una aproximación entre experimentación y genuino gusto pop, logrando respaldo y credibilidad por parte de publico y critica. Dentro de la producción del señor Köhncke, este 12 pulgadas es mi favorito y creo, la mejor carta de presentación de este artista (bueno, a lo mejor exagero, ahí están también "2 After 909" y "Elan"), por un lado esta "Weiche Zäune", una de esas canciones como para enamorarse en la pista de baile, que no pase nada, tomarse un gin y e irse a casa contento... De no ser por "Homogen" en el otro lado, un autentico rompe pistas de 6'13", que por el contrario con sus loops de bajo, samples de guitarra funky, sabrosa percusión y como no, sintes techno te jalaran pa' delante, don Köhncke sabe como reinventar la música disco y no le sale ningún revival nostálgico, ni nada de "música del mañana". Es música para disfrutar y bailar, ya.

Tres Discos: El País del Chocolate

2007-01-16T21:53:00.000-08:00

Abwärts "Roboter In Der Nacht" 7" (Zickzack, 1981)

... O punk y new wave a la alemana: NDW (Neue Deutsche Welle). Sencillo de dos temas, el primero "Roboter In Der Nacht", una sabrosura punketo-robótica-epiléptica de esas que se traducen apenas escuchar los primeros riffs en una palabra: Pogo. No tengo ni idea de que va la letra pero que buena canción, no sé sí los alemanes sean tan fríos como siempre se les ha percibido, ¡Pero que ritmo se gastaban estos! El segundo tema, " Für Mutti" ya es otra cosa, mas en onda techno-industrial primigenia (no por nada aquí militaban FM Einheit y Marc Chung, futuros Einstürzende y Marcel Zürcher quien luego guitarrearía en Die Krupps), con un elemento funk mas entre el estilo de Der Plan y Fehlfarben, otra cosa. Eran versátiles los estos.

New Deustch (International Gigolo Deejays, 2003)

Disco recopilatorio con selección a cargo del propio Capo Gigoló, el propio DJ Hell, recogiendo lo mas representativo de esa cosa (o movida, da lo mismo) llamada NDW (de nuevo: Neue Deutsche Welle), algo así como "la nueva ola alemana", que no era otra cosa que la versión teutona del punk y la new wave británica. Mentira, aquí se batía otro cacao y se bailaba bien distinto. Para empezar (y nada mas este detallito): El idioma. Con sus propios sonidos y una rítmica bastante sincopada (o si no recuerden los raps de Falco), este era un elemento decisivo de una musicalidad particular y bastante original, no por nada casi siempre que escuchamos alguno de estos tecno-punks nos imaginamos una pandilla de tipos arty todos vestidos de negro y bailando como robots (¿Alguien dijo el Big Lebowski?)... El otro detalle quizás sea el afecto que esta gente siempre le ha tenido a los sintetizadores, lo demás era la manera en que los alemanes entendían o se inventaron su propia música moderna, que aunque fría, marciana y arty a ratos, no esta de mas decirlo, también les podía salir divertida a ratos

Y si, es un disco divertido a ratos. Los sonidos van del tecno-zumbido repetitivo de Weltklang, la "oscururidá" de Grauzone, No More, Echowest y DAF, algunas joyitas del techno-pop mas asequible de Der Plan, synth-pop bonito como el de Cristof Glowalla, piezas con mas elemento funky orientadas a la pista de baile como Eiskalte Engel y Fehlfarben y así. Un buen documento para iniciarse. Al menos a mi sirvió... Y me engomo bastante.

Ellen Allien "Berlinette" (B-Pitch Control, 2003)

Hay ocasiones en las que al intentar elaborar un juicio de valor sobre algo, uno ya va predispuesto a que no va a poder ser objetivo o parcializarse, así que ¿Para qué fingir? Adoro este disco, es quizás mi disco favorito de botones, de aquel periodo (ya saben, el electroclash haciendo sus últimos estragos, el revival post-punk empezando...) y la Ellen luciéndose con este discazo, (su segundo largo) y el primero que yo escuchaba de ella, electro, breaks, sampleos de guitarras, sintes y ¡Esa voz! en pequeños fragmentos sampleados y dispuestos de manera repetitiva pero melódica a la vez, (bueno, también en estrofas completas)... No me malentiendan, no es una voz espectacular, es un uso de voz efectivo. A estas alturas todavía escucho "Sehnsucht" y me emociono. Decía antes que los alemanes no tenían alma y eran unos robots, ¡Mentira podrida! Ellen Allien (como también Barbara Morgenstern) si que tienen alma y saben ponerla en sus músicas de botones. Luego la Ellen ha sacado mas discos unos bien otros mas irregulares y así pero nunca nada tan soso como para que no resulte interesante, ella es creadora de un sonido que no ha tenido demasiados discípulos aunque su sello B-Pitch Control si que tiene una identidad.

Disco bonito y marciano donde los hay. Alguien decía de los amores platónicos, "prefiero evitarlos por higiene física y mental". Pues eso.

2007-01-15T09:17:00.000-08:00

Do Make Say Think.

Do Make Say Think (1998).

cuando los escuche por pimera vez pense que era un disco de 1976, primer error; también pense que eran los Tortuoise, segundo error, aunque ni tanto; finalmente pense que sonaba igual a todo lo que habia escuchado antes, tercer error; realmente si suene muy parecido a todo pero a la vez es diferente. Do Make Say Think es una banda con un increible sónido que rememora odiseas espaciales, que llena espacios vacios, que te invita a levitar, musica profumeta, no, no me malinterpreten, lo que quiero decir que es un sonido que invita a descansar y a perturbarse a la vez. no es New Age, No creó que sea Nuevo Rock, es algo diferente, si ya se que de etiquetas hablamos algunos diran que suena muy parecido a Tortuoise (es cierto) y otros aseveraran que van por caminos similares a los Godsped you Black emperor (también es cierto), pero por un momento me detengo a pensar que tal vez tengo en mis manos y entra por mis oidos una música dificil de clasificar y mucho menos de imaginar. si con esto no te entra curiosidad, entonces sigue escuchando merengue, vallenato y reggaton. aunque creo que los visitan esta pagina, ya lo habran escuchado y saben que quiero decir.

pd 1: Dr Calamar, que buen pack ese que me trajiste (apenas lo pude escuchar), hay mucha para comentar pero ya de manera verbal, y de silver mt zion y godsped... música para el juicio final. very good.

2007-01-15T08:23:00.001-08:00

2007-01-15T08:23:00.000-08:00

TV ON THE RADIO.

"desperate youth, blood thirtsy babes." (2004).

La música es un constante devenir, los ritmos van y vienen con el paso del tiempo y no importan la moda imperante los grupos mas astutos y organizados utilizan el nuevo modelo con algunos elemento de antaño para crear piezas que contradictoriamnete suenan a nuevo pero que en el fondo ya las hemos escuchado mucho antes, este es el caso de la banda americana TV ON THE RADIO, una banda que transita por los caminos del indie, el bues, el sonido pop experimental y quien lo creyerá el gospel, en fin con tantas referencias la cosa debe ser especial, no obstante se encuentran en el camino puntos de inflexión, que lo mueven a uno a pensar que es un producto mas prefabricado y poco original de lo que creía.

A ver, para empezar por lo mas destacado temas como dreams y staring at the sun son discos en un linea pop muy bien realizados, melódicos, que refuerzan a la banda en un concepto de solidez rítmica bastante interesante, pero en algunos temas se nota cierto plagio, cierto afan no de eclecticismo sino de robo que aunque no esta mal, resta puntos por querer hacer pasar algo como novedoso sin serlo, por ejemplo en el tema "wear you out" el punteo de guitarra se parece mucho a lo realizado por Bauhaus; en "bomb Yourself" imposible no pensar en Sly & the family stone; en " the wrong Way " en la velvet underground, en fin hay una serie de referencias que no logran consolidar un estilo mas propio sino una buena recopilación de ritmos e influencias, a esto debemos agregar el mayor problema de la banda, la monotomia que aveces acompaña a sus temas, defecto que se hace patente en el tema "king eternal" y en la voz arrastrada y gélida que acompaña a la mayoria de los temas del disco.

no hay que ser tan severo, hay cierto aire sombrío y lugubre en sus temas y unas buenas melodias experimentales, pero en el fondo me gusatria escuchar otro trabajo de esta banda para ver si son capaces de consolidar un sonido mas propio sin necesidad de reciclar una y otra vez el pasado.

Festival Moog.

2007-01-15T06:40:00.000-08:00

Jean Jacques Perrey.

The Amazing New Electronic Pop sound Of Jean Jacques Perrey. (1969).

Moog Indigo (1970).

Moog Sensations.

Jean Jacques Perrey es un compositor francés que durante la decada de los sesenta y mediados de la decada de los setenta fue un precursor y abanderado de la música electrónica por toda Europa y luego América. Como es de suponer su elemento preferido es el sintetizador "moog", aquel artilugio que crea sonidos espaciales, cómicos, operisticos y sobrenaturales, que aun hoy en dia bien utilizado es una delicia que sazona algunas producciones del nuevo post rock.

Gracias a la colaboración de mi amigo el Doctor Calamar he tenido la oportunidad de escuchar con retraso pero con detenimiento 3 de sus obras; la estructura siempre es la misma, es decir, piezas cortas, mágicas, divertidas, que pueden servir para spots publicitarios, bandas sonoras o como para divertimiento en un parque de diversiones, este método de editar su música me recuerda a la forma similar que utilizaba por ejemplo la agrupación The Ventures, solo que esta utilizaba predominantemente guitarras, percusión, aunque los efectos electrónicos aparecieron después.

Moog indigo es tal vez el mas concreto de los tres, con piezas de fácil recordación que contine las clásicas "The elephant Never forgets" AKA " El Tema Del Chavo Del Ocho", y el rítmico "E.V.A" y en Moog Sensations hay un tema fantástico que puede ser el himno de cualquier pieza infantil que se respete "The minuet Of The Robots". En resumidas cuentas música extraña, recomendable, agradable y divertida.

Club 8 - Strangely Beautiful (2003)

2007-01-10T15:08:00.000-08:00

Más pop. Y otro grupo de Suecia, de donde salen cantidad de grupos de buen pop. Algo comerán por allá que les sale tan bien.

Club 8 produce unas melodías calmadas, muy sutiles, apoyadas por la voz eterea y susurrante de Karolina Komstedt. De sonido muy acústico, el dúo (la otra mitad es Johan Angergård) crea unas atmósferas cálidas e intimistas. Con influencias de bossa nova en algunos temas que no se comen la roducción y combinan muy bien con su sonido original, Strangely Beautiful es un disco cortísimo: diez temas en apenas 28 minutos. Pero la hermosura de su música nos hace pensar que es la dosis perfecta. No hay canciones que sobren y por su corta duración se disfruta de un tirón sin cansar. A pesar de moverse en una misma tónica no cansa, y las pequeñísimas variaciones de atmósfera, así como la variada instrumentación (a veces totalmente acústico, otras con algún beat electrónico) hacen de este un disco perfecto para un picnic tranquilo en un día soleado. Muy ligero, pero es como suelen decir: lo bueno, si corto, dos veces bueno. No estoy totalmente de acuerdo con generalizar tal afirmación, pero es preferible que sea corto a que se hubiera llenado con canciones superfluas.

Qué buena racha de buen pop. Y lo mejor, no hay exceso de almíbar que produzca comas diabéticos.

Ah, y no los confundan con S Club 8, una especie de secuela del grupillo de pop adolescente S Club 7. Nada, nada que ver.

las Aventuras epicas de una banda atlántica en el reino de los nibelungos.

2007-01-09T09:44:00.000-08:00

Nektar.

Journey to the centre of the eye. (1971).

A tab in the ocean. (1972).

Remember the future. (1973).

El rock progresivo fue unas de las tendecias musicales que mas difusión tuvo a finales de la decada de los sesenta y princios y mediados de la decada de lo setenta refiriendonos a la música rock contemporanea del siglo XX. muchos fueron las bandas que pasaron por lo oidos de múltiples oyentes en todo el mundo, algunas mejores que otras, algunas con mejor suerte que otras, algunas más prolificas que otras, pero lo caracteristico de todas estas bandas eran la solidez instrumental de todas ellas, no habia cabida en estas bandas para músicos mediocres, las portadas de sus discos que describian mundos fantasticos, paisajes desolados, o arte contemporaneo y la extensión de sus temas, discos de mas de 10 minutos, con solos instrumentales de sintetizador, bateria, guitarra , etc.

Nektar, es una de las bandas menos conocidas de la estela progresiva, oriundos de inglaterra pero afincados en Alemania, con un estilo mixto, es decir, recopilan lo mejor de la instrumentación clásica con letras fuertes y guitarras destorsionadas típicas del Heavy de otras bandas contemporaneas. Nektar, no es un cuadro sinfónico al estilo Yes, tampoco es una propuesta reflexiva y vanguardista como King Crimson, ni mucho menos un estilo teatral como Genesis. Nektar tiende a ser un grupo de una corriente mas parecida a grupos como: Gentle Giant, The Strawbs, o incluso Deep Purple, algo asi como una suerte de Rock duro, Folk y jazz, sazonados con organos Hammond y obviamente y aquí tal vez su máxima influencia : Pink Floyd. para nadie es secreto que muchas de las bandas alemanas de finales de los sesenta intentaron copiar el estilo Floyd, con esas guitarras atmosfericas, y con esos teclados etereos, en fin, el poblema no es copiar las cosas buenas, sino repetir una y otra vez la misma fórmula con lo cual el público y el mismo concepto musical se satura, lo cual tiende a aburrir y cansar.

Entonces Nektar, aburre ?, la verdad a ratos si, esa bateria una y otra vez, esa guitarra eterea, conocida hasta la saciedad, y el estilo vocal muy parecido a lo realizado por los Strawbs, no es que la voz se parezca a la de David cousin (strawbs), pero el enfasis en las melodias, y la instrumentación a ratos se acerca al desoden provocado por bandas como: Kansas. es decir, Nektar, a pesar de ser ingleses afincados en Alemania suenan a una banda progresiva americana que terminaria haciendo AOR (Adult Oriented Rock), si se lo permitiaran.

Pero no se preocupen no todo esta perdido, esta banda logra buenos momentos, sobre todo en el album " A Tab In The Ocean", a mi parecer su disco mas imaginativo, sobre todo en sus dos primeros cortes, " A tab in the ocean" y "desolation valley/waves", con unos buenos arreglso y una composición sobre todo la primera que define la forma de ser de la banda. En A journey to the centre of the eye (1971) encontramos piezas mas cortas, mas imaginativas y si se quiere algo mas entretenidas, no obstante falta la contundencia de las obras maestras. Remember the future, es un trabajo ya en una linea mas dura, mas parecido a un Deep Purple eléctrico que a una banda progresiva.

En conclusión si eres amante de esta tendencia musical, Nektar no te sera indiferente, eso si, no encontraras nada nuevo, pero aqui no se trata de eso, sino de desmelanarte (mentalmente) o de hipnotizarte, aunque para ser honestos en el amplio panorama sinfónico, tal vez Nektar no pase a la posteridad aunque siempre sera estimulante escuchar ese primer lado de "A Tab In The Ocean".

Sexy Tecno.

2007-01-09T09:23:00.000-08:00

Soft Cell. Non- Stop Erotic Cabaret. (1981).

No todo el Tecno británico proviene de Manchester, liverpool o Sheffield; Leeds es otra ciudad que da su aporte, gracias al duo conformado en 1979 por Dave Ball (máquinas) y Marc Almond (voz); el golpe definitivo lo dan en 1981 con el fantástico Non -stop erotic cabaret, un disco que recrea estetas dramas decadentes sexuales, que despliega sensualidad pop y erotismo por doquier, todo esto logrado por la sensual voz de Almond. títulos como la archiconocida "tainted love", la sensual " Seedy films ", la nostálgica "say hello, say goodbye", la atmosférica " bedsiter". con todos estos adjetivos se supone que estamos ante una pieza clave del tecno británico, no es para menos, sus parámetros luego fueron plagiados por otros grupos pop mas mas consumistas pero menos elegantes (Berlin, Boy's Don't Cry ). aun asi esta pieza fundamental del género debe redescubrirse no solo paar conocer mucho mas de este efímero duo sino para darse cuenta que Soft Cell son mucho mas que "Tainted Love".

Fountains of Wayne - Utopia Parkway (2002)

2007-01-08T07:53:00.000-08:00

Y seguimos con pop. Esta vez con power pop de la mano de Fountains of Wayne, un grupo con diez años de trayectoria, no tantos discos, pero sí muchísimas apariciones en cine y tv.

Utopia Parkway, su segundo trabajo, es una especie de disco conceptual que habla sobre la vida en los suburbios de Estados Unidos. Con letras que retratan la vida cotidiana de estos aparentemente idílicos parajes, a la vez se muestra cariño por estos sitios, a la par que se reconoce que no todo allí es felicidad, sino que también hay espacio para las decepciones... y la sátira. Las melodías apoyan esta paradoja, siendo a veces alegres como un día soleado, a veces amargas y cínicas, y en otras melancólica a la vez que plácida como el eterno atardecer de verano. Se puede reconocer una cierta influencia de los Beach Boys, pues el ambiente de jardines y supermercados de los noventa suena extrañamente similar al de los chicos de Brian Wilson en los sesenta con sus playas y tablas de surf: divertido, nostálgico y a veces triste, aunque el sol nunca acabe de ponerse.

No es un disco revolucionario, pues recicla clichés pop anteriormente vistos, pero lo hace inteligentemente y con un empaque casi perfecto. En lugar de complicar las cosas, las simplifica y con eso gana todavía más puntos. El disco es divertido, agradable y pegajoso, y no tiene temas de relleno. Y lo mejor es que uno puede hacerse un mapa mental de imágenes de esos pueblitos de los que hablan al oír estos temas. Go, Hippie; Prom Theme; The Valley of Malls... con sólo los títulos ya uno puede hacerse una idea de lo que hablan.

Un muy buen disco y ya.

Sonidos Zombies, Doctor Kosmos "Cocktail" (North Of No South/Minty Fresh, 1996)

2007-01-07T14:03:00.000-08:00

por piranha deux

Doctor Kosmos es el proyecto en solitario de Uje Brandelius otrora teclista de la banda sueca de pop marciano Komeda y te trae el disco de muzak mas chiflado producido en los peludos 90's. rock 'n' roll muzak, bossa nova de organeta, temas porno y algo de baile, hasta un tema en pro de la bareta. Si usted es de los que disfruta con la musiquita de los ascensores o los supermercados, el viejito que tocaba el órgano antes en la U de A, a la hora del almuerzo por "Juguitos", este su disco. Ideal para amenizar sus reuniones, momentos de intimidad (allá ud.), paseos en familia, o fiestas karaoke (las letras son de lo mas fácil aun para quien no sabe mucho inglés)... Ahora, si lo suyo no es el pop de casio, este disco le puede servir para echar de su casa después de una fiesta salvaje al mas pegajoso de sus invitados.

Publicado originalmente en el fanzine #13 de Cinema Zombie, Medellín.

una tarde con Tangerine Dream.

2007-01-07T13:45:00.000-08:00

Breve recorrido por algunas de las piezas mas destacadas de esta banda alemana, que ofrecieron en la experimentación, la electrónica y luego la new age sus mejores momentos.

Electronic Meditation. (1970).

Un trabajo que debe mucho mas al "Piper at the gates of dawn" de Pink Floyd que al posterior desarrollo electrónico de la banda. Aun entonces con la utilización de guitarras eléctricas, organos ceremoniales y percusiones intimistas la banda logra un aullido de ruido inconexo que logran por momentos dominar en temas como: "journey through A "o "Cold smoke". un disco interesante para fans, insoportable para oyentes casuales.

Zeit. (1972 ).

De ser una copia alemana de los sonidos experimentales del Pink Floyd mas underground, pasaron a la experimentación irracional y tenebrista. piezas como "nebuluos dawn " o "zeit" son ideales para ambientar mundos extraños, territorios fantásticos, planetas habitados por brujos o monstruos mitológicos. Un disco fantasmagórico y espacial en toda la expresión de la palabra que contiene una ambientación sonora digna de las películas de Mario Bava. muy recomendable.

ATEM. (1973).

Tal vez el primer trabajo que marcará los caminos por lo que el grupo transitará durante los próximos 5 años; un disco que describe desolación, aridez, atmósferas gélidas, no es fácil describirlo con palabras. no es particularmente de sus trabajos mas entretenidos e interesantes, aunque si establece una pauta en el camino a seguir. atem = breathless= sin aliento. desde el punto de vista pictorico : naturaleza muerta

Phaedra. (1974).

junto con Rubycon y stratosfear el trabajo que mejor define el estilo Tangerine Dream, sonidos liquidos, consistentes que penetran el subconciente, que lo alimentan, que viven en nosotros. ritmo vital, parsimonioso pero reflexivo, para dejarse llevar a través de un viaje al interior de nuestras propias mentes. si bien es un trabajo en el que la improvisación es evidente, es uno de sus trabajos mas destacados. Ampliamente recomendado.

sorcerer. (1977). (o.s.t).

william friedkin director de la película confirmó como ninguno de los miembros de T.D habia visto la película para realizar la banda sonora. el resultado fue obviamente para algunos unas imagenes acompañadas de una música al parecer inconexa, lejos de disgustar el ensayo tuvo relativo éxito. eso si el disco esta realizado con todas la parafernalia de los sintetizadores análogos de la época (mellotrons, moogs, ARP, etc). agradable, pero no importante.

cyclone. (1978).

Con la partida de Peter Baumann el grupo pierde inspiración, Froese ya no es la piedra angular sobre las cuales las ideas brotaban una tras otra; el grupo comienza una lenta pero inexorable caida en sus propias composiciones. El primer tema (el mejor sin duda) " bent cold sidewalk" combina el vocoder con fuertes liricas que logran momentos de dramatismo. no obstante las vocales a cargo de Steve Jollife crean escozor en los antiguos fans que ven con sospecha como la introducción de un voz solista en el grupo puede derivar en un aburrida banda pop electrónica que nada tiene que ver con el glorioso pasado. El resto del trabajo es prescindible.

Force Majeure. (1979).

Los tiempos cambian y la banda también. Tangerine Dream comienza alejarse paulatinamente del tecno experimental para adentrarse en los soporiferos terrenos de la new age. El disco comienza con la composición que da título al mismo disco "force majeure " la cual combina contrapunteos electrónicos, parajes desolados y hasta comercialidad eterea, las cosas iban bien pero ni "cloudburst flight" y "thru metamorphic rocks" llenan las expectativas. no es un mal disco, es solo que Tangerine Dream no volveran a ser lo mismo y ellos aun no lo saben.

Aqua. Edgar Froese. (1974).

El primer trabajo en solitario de Edagr Froese generó muchas expectativas, se encontraba en un importante periodo creativo y la verdad entre los fans de culto el trabajo gusta bastante, no obstante me saldre de esta tendencia para simplemente opinar que es un trabajo comun y bastante corriente, no ofrece nada nuevo respecto a lo realizado con Tangerine, es cierto las gotas de agua que una y otra vez golpean se oyen bonitas pero salvo eso no hay mucho que destacar. Eso si la portada esta de poster y solo por eso le daría una segunda oportunidad.

rock campestre.

2007-01-06T11:21:00.000-08:00

Traffic. Mr Fantasy - (Island, 1968.)

album debut de la agrupación britanica Traffic, que combinó elementos de Rhythm & blues, Beat , sicodelia, sazonado con la actitud de la época. El primer disco del grupo se decantó por un sónido bohemio rural plagado de excelente instrumentación e intuiciones hippies bastante ingeniosas, donde destacan temas como: "paper sun (la voz melodica de steve Windwood acompañada del sitar de Dave Mason", " no face, no more, no number (hermosa balada)"," Giving To you, imposible no sonar a los Beatles", " hope i never find me there ( interesante rimo de percusión y flauta plagiado seguramente por un futuro Jetro tull" y " house for everyone ( mi tema preferido)". El grupo estaba conformado por Steve Windwood, Chris Wood (la mejor flauta que se pueda escuchar), Jim Capaldi (baterista eficaz) y Dave Mason (sitar y bajo a la orden del día).

posterior a este album Mason abandona el grupo por discrepancias con Windwood, aunque volvería a grabar con ellos regularmente. si bien no es un disco innovador en su concepto, es una delica de trabajo, agradable, entretenido e indispensable en la historia del rock británico, en una sola palabra: Ecléctico.

Genesis. A Trick Of The Tail, 1976.

luego de la partida de Peter Gabriel en 1975 de la agrupación Genesis, no estaba claro como podría subsistir la nueva formación sin su carismático lider. "A trick of the tail" fue la respuesta. los genesis perdian teatralidad, experimentación e incluso comienzan a alejarse del devaneo progresivo de soliloquios de sintetizadores y de cuerdas o baterias de mas de 7 minutos para adentrarse en un estilo mas rock, con elementos folk, llamemoslo si se me permite Rock Costumbrista, algo que por fuera de las fronteras del Reino Unido y con el paso del tiempo comienza a oler feo. Phil collins se despacha como cantante solista, algo que ya habia realizado en algunos apartes de "selling england by the pound" (1974), y la banda mas que nunca comienza un cambio de estilo que mantendria fiel en su siguiente trabajo " and there were three" para luego desaparecer totalmente en el correcto pero traicionero DUKE, (1980). Y entonces A Trick of The Tail, qué ?, bueno, no esta a la altura de sus anteriores composiciones pero es mejor que todo el Genesis ochentero. Tony Banks logra los mejores momentos gracias a su inconfundible teclado y la voz de Collins diferente en actitud a la de Gabriel no esta mal para darle sentido a unas liricas satiricas y desafiantes. Buen trabajo, pero no llega a la posteridad.

2007-01-05T09:37:00.000-08:00

Ivy - Long Distance (2001)

Tengo debilidad por la música que induce a no hacer nada, a mirar al techo e imaginar mientras los minutos pasan. Ivy me produce esa sensación. Su disco In The Clear está con mucha frecuencia en mi equipo; un disco excelente, redondo y donde perfeccionaron su sonido, ya intuido desde los inicios, incluyendo este Long Distance, su tercer trabajo.

De entrada, Ivy posee unas características peculiares: sus melodías son básicas y podría decirse que hasta repetitivas; su melancolía podría llegar a cansar, como en tantos grupos que no hacen sino lamentarse... Sin embargo no ocurre así, las canciones aguantan los cuatro minutos sin llegar a hacerse monótonas, y los discos tampoco se hacen uniformes amasijos de tristeza. El estilo viene a ser una especie de amalgama de ritmos cuasi electrónicos, rozando el trip-hop o el lounge de grupos como Air o Zero 7, pero sólo en el fondo, porque en realidad suenan más a pop de guitarra que a electrónica de salón. Su música puede ser perfecta música de fondo para alegrar el día (irónico, pero la melancolía de este grupo no se convierte en tristeza sino en esperanza de que las cosas pueden mejorar) sin convertirse en papel de colgadura que pasa desapercibido, como lo suele hacer el lounge. Y sus letras, que hablan de amores fracasados, jamás llegan a la condescendencia y al patetismo, sino que por el contrario hacen que te veas reflejado sin quedar atrapado en ellas.

En Long Distance el grupo se acerca más a las texturas electrónicas, creando ese sonido típico brumoso, de fría y nebulosa playa al amanecer, de autopista vacía en medio de un paisaje natural, evolucionando más allá de sus inicios indie donde habían más guitarras. El sonido de Ivy, y de este Long Distance, puede resumirse en hipnóticas y somnolientas tonadas envolventes, más eléctricas que eléctrónicas (no hay tanto teclado como pudiera pensarse). Empezando con Undertow, un tema con visos de alegría, pero trasfondo de cámara lenta, los primeros temas (Disappointed, Edge of the Ocean) son pegajosos sin convertirse en el temido chicle que acaba por quemarse rápidamente. While we're in love nos da la dosis de bella decepción (While we're in love/we'll bleed each other dry/we'll hold each other close/we'll make each other cry... We know it won't last forever/cause we're not meant to be together) que nos hace sacudir el cuerpo suavemente a pesar de la triste historia que cuenta, antes del tema más alegre del disco, Lucy doesn't love you, que añade algunas inesperadas secciones de vientos que suenan casi tropicales. Más adelante nos reencontrarenmos con las trompetas, pero en un tema que suena a chic riviera francesa en los años sesenta (Let's stay inside). El disco acaba con una preciosa canción para quedarse dormido, con una sonrisa y sin pensar en nada (One More Last Kiss), un suave tema pop (Digging Your Scene) y la instrumental It's All In Your Mind. Pero por el camino quedan varios temas memorables y ni uno realmente de relleno.

Con una aparentemente sencilla instrumentación, y la voz de la bella Dominique Durand, Long Distance es un disco que debería oírse de principio a fin, para dejar que nos bañe en su sonido para experimentar adecuadamente las sensaciones que propone. No es un disco atmosférico, y no es un disco pop normal, sino una experiencia sonora si dejamos que nos lleve donde quiere llevarnos. Ivy consigue fácilmente lo que otros no: sonar sofisticados, suavemente y sin alardes.

Se añade a la colección de Música Bonita.

Komeda - What makes it go? (1998)

2007-01-03T12:18:00.000-08:00

Cuando uno oye la palabra POP, a veces le vienen malas imágenes de divas mainstream a la cabeza. En estos días incluso en un canal de televisión local hicieron un especial sobre el pop, tratando de reivindicarlo, pero no se atrevieron a ir más allá de lo más obvio sin siquiera proponer algo diferente: Pet Shop Boys, Kylie Minogue, Michael Jackson, Christina Aguilera... No, cuando yo hablo de pop hablo de otras cosas. Komeda es una de esas bandas que tocan pop, pero que si se lo ponen a una adolescente que busca la nueva coreografía para bailar en su habitación, la dejará despistada y hasta molesta.

Komeda procede de Suecia, el mismo país de donde vienen The Cardigans, agrupación con quienes poseen más de un punto en común. Su sonido pop kitsch sesentero, con aires lounge y de película de espías, que inducen a imaginar franjas de colores, lámparas de lava y demás artilugios pseudoespaciales, es a la vez mezclado con la experimentación de un Stereolab, para obtener una amalgama de sonidos entre bizarros y azucarados. Por un lado la repetición de loops espaciales y las texturas electrónicas llevan el sonido un paso más allá del pop más normalito. Pero por otro la experimentación nunca se torna demasiado extraña e indigerible (respeto a Stereolab, pero no soy capaz de oír entero uno de sus discos. Bueno, tal vez el Margerine Eclipse). Los temas alcanzan un equilibrio adecuado entre esos dos polos, a veces sonando más sesenteros (Our Hospitality, con sus letras daba-daba) a veces haciéndolo más hacia un pop más pesado, casi rock indie (como en Happyment). Un disco felizmente diferente, y no sólo eso, sino pegajoso, experimental y hasta bailable. Como dije, simplificando en exceso, esto podría ser el resultado de mezclar The Cardigans con Stereolab, aunque haya otros exponentes del revival pop francés de los sesenta, por llamarlo de alguna manera, como April March, cuyo sonido también lograría emparentar un poco con el de Komeda, si bien no totalmente en lo sonoro, al menos espiritualmente. Muy recomendado, e intuyo que ganará más con cada audición sucesiva.

Sonidos Zombies, 45 grave "Autopsy" (Restless Records, 1987)

2006-12-17T15:20:00.000-08:00

por piranha deux

"Pregunta: ¿Qué es 45 Grave?
Respuesta: Nuestra banda favorita de heavy-Metal-psychedelic-post-punk-what-the-fuck-ghoul-rockers."

De 1979 a 1990, la banda de Los Angeles que al lado de Christian Death definió el sonido Death-Rock (la versión gringa y puesta al dia del goth, ya cansado en su contraparte britanica de mediados de los 80's), Bauhaus ya agotados, The Cure y Siouxsie & The Banshees tomando otros rumbos y matices musicales y los demás vampiros britanicos regresando al underground o en medio de un callejon sin salida... ¿Y quien dijo que en la soleada California no habían vampiros? Hard-core punk, heavy-metal, Alice Cooper, surf-rock, una vocalista lider sexy y de armas tomar, un line-up de músicos de primera línea de la primera hornada de grupos punk de LA (The Germs, Alice Bag Band, The Consumers), un single para una película serie b ("Party Time", Return of the living dead), la "oscururidá" nunca fue tan punk y divertida (bueno, algunos dirán que les gusta mas Misfits, pero allá ellos).

Para salir a delinquir la noche de halloween en el carro de papá, mientras suena "Surfbat"... "Riboflavin Flavoured, Non-Carbonated Polyunsaturated Blood" Quizás lo mas cercano a un cruce entre "Screaming" Jay Hawkins y las Ronnettes. Disfruten.

Publicado originalmente en el fanzine #13 de Cinema Zombie, Medellín.

mixtape, domingo en la tarde (3:15 pm), almorzando tarde

2006-12-17T14:11:00.000-08:00

- Kings of Convenience "I don't know what i can save you from (Röyksopp Remix)" (Nordic Power)
- Domingo "Bandido" (¿Tindersticks lo-fi en spanish?)
- Las Malas Amistades "Mico Titi" (Para ti-ti-ti-ti-ti-ti-ti-ti-ti...)
- Stereolab "Canned Candies" (Sonido bucólico si)
- Call and Response "Rollerskate" (Patinando el domingo, bucolic)
- Dear Nora "Since you went away" (No solo es el nombre del grupo, es un sentimiento...)
- The Beta Band "The House Song/She's the one" (Sin nada encima y se siente uno ido)
- Plastilina Mosh "Shampoo" (Como se nota que es domingo)
- Stereolab "Outer Bongolia" (Fiesta beatnik a go-go en loop continuo)
- TV on the Radio "I was a lover" (¿Qué puedo decir? Si)

¡TROPICALIA!

2006-12-10T18:20:00.000-08:00

Como dice una de las emisoras de la ciudad, "brazilian beat... los sonidos más avanzados del momento". Sí, claro... Bueno, el caso es que el lounge de los sesenta está regresando, y es mucho mejor que ese lounge electrónico actual. Y el bossa nova hace parte de esa corriente, al punto que se han editado varios discos con versiones de éxitos de otros géneros reinterpretados en este sonido. Repasemos algunos.

Bossa n' Beatles es el disco de Rita Lee, que, según, leo es una de las más importantes intérpretes de tropicalia. Pero el disco no hace justicia a ello, pues más que una recreación en versión tropical, es casi un unplugged de los éxitos de los Beatles. Algunos temas sobresalen, pero es más que todo porque los originales son ya de por sí buenos. El problema es que no es lo suficientemente novedoso como para llamar la atención. No es un mal disco pero no llega a convertirse en esa clase de curiosidad que aporta nuevas luces a un clásico y se queda como algo para el oyente menos aventurado.

Cosa que no pasa con Bossa n' Stones, que como su nombre indica, se dedica a versionar temas de los Rolling Stones. Estos sí aciertan a tener la vena brasilera, sin por ello torcer la interpretación hacia un terreno absurdo. Este bossa nova tiende más a la electrónica, pero establece un equilibrio adecuado, convirtiéndose en un disco tranquilo y agradable sin llegar a languidecer. Dos volúmenes existen de estas compilaciones, ambos bastante buenos, placenteros y de fondo sin llegar a la estupidez insulsa.

Nouvelle Vague se apunta un tanto con sus dos discos de versiones de éxitos new wave y post punk. De nuevo, las versiones son muy acertadas, auténticas versiones con personalidad propia, pero sin cambiar del todo el espíritu de los originales. Bellísimos covers como los de Killing Moon, de Echo and The Bunnymen, o Guns of Brixton de The Clash, son sólo perlas de un par de discos muy bueno, con la ocasional canción no tan afinada, pero en todo caso adecuados para una velada romántica con la chica punki-new wave que cree haberlo visto todo. Eso sí, no le pongan la versión de Too drunk to fuck, de los Dead Kennedys. Si lo hacen, preferiblemente que no entienda inglés.

Bossa Disney Nova es en cambio una recopilación de versiones de canciones de las películas de Disney. Sin embargo no sorprende para nada, quedándose en versiones medio acústicas y en portugués de los originales. Es como imaginarse las películas dobladas al idioma carioca, y ya. No aportan nada demasiado emocionante y es bastante prescindible, a no ser que se sea fan de Disney, en cuyo caso se puede encontrar algo de curiosidad.

Finalmente, y aunque no es bossa nova, pero cae dentro del subgénero, Here comes... el son. Versiones de los Beatles pero en son cubano. Mala combinación, realmente. Las voces no pegan y desde mi punto de vista no cuaja tan extraña mezcla de géneros. El tema final, Golden slumbers-Carry that weight-The end, es el único que logra unir las dos tendencias de manera exitosa, pero las demás son muy bizarras para poderlas disfrutar (para mí, por supuesto), pero no por excesiva psicodelia, sino porque sencillamente no logré conciliar ambos estilos. Poco memorable, y sólo interesante como curiosidad.

No puedo decirles que dejen de oír uno u otro, porque estas fusiones son tan atípicas que pueden encontrar su nicho en cualquier esquina retorcida del subconsciente de cada uno, pero mis elecciones están claras. Las buenas combinaciones son realmente agradables. Las demás... no tanto. Pero en todo caso tienen su cabida entre los discos del coleccionista de oscuridades. Aunque estas sean cosas que hoy casi cualquiera tiene.

PS. ¿Por qué no estuve atento y dejé que mis tíos botaran los discos de Nat King Cole y Henry Mancini?

electronic games.

2006-12-08T11:58:00.000-08:00

Ricochet. Tangerine Dream. 1975 (live).

recordemos la época dorada de los sintetizadores análogos mastodónticos con un disco que ha hecho escuela. durante 1974-1976 se gesto el periodo creativo mas sensacional de este grupo alemán donde Edgar Froese, Peter Baumann, y Chris Franke dieron tal vez lo mejor de si al servicio de Tangerine Dream. El disco es una grabación en vivo dividida en 2 partes; la primera grabada en francia durante el mes de septiembre de 1975, que se caracteriza por ser una parte intensamente rítmica al mejor estilo de ellos, con la utilizazción profética de voces humanas procesadas en computador, elemento retomado por Jean Michel Jarre en su Zoolook (1985); la segunda parte grabada en Fairfield hall en Croydon, Inglaterra, que comienza con un piano suave y amable para desembocar luego en lo que todos ya sabemos, los sintetizadores descontrolados marca de la casa, con un interesante contrapunteo electrónico como si se tratará de un juego de maquinitas, que rememora luces y colores como si de un caleidoscopio se tratará, el público solo se escucha al final o al comienzo de los temas y lo demás es solo el trabajo de este trío alemán en el escenario. ideal para escuchar una noche de diciembre con muchos focos de luz a tu alrededor.

gran disco.

2006-12-07T14:56:00.000-08:00

un gran disco.

AIR. 10000 hz legend. (2001).

ya parece tarde reseñar este disco del duo francés Air, solamnete lo he podido disfrutar hace hace 24 horas, despues del éxito de "moon safari " y la colaboración en la película "virgenes suicidas" de sofia coppolla, los Air llegan con este trabajo, recordando que ya han publicado otros trabajos; centremonos en el 2001, para decir que este disco es un paso adelante en su música, la razón es que el grupo en sus 60 minutos de duración del trabajo nos sorprenden explorando en sonidos melodicos y a la vez duros, ya no es el revival pop setentero que se dejaba escuchar en moon safari, ni tampoco el sintetizador entretenido y bailable de las archiconocidas: sexy boy y kelly...; los sonidos aqui son mas duros, mas intimistas, hay un mayor sección ritmica desde arpas, armonicas y solos de soprano, que acompañan a las melodias de una manera hipnótica pero no aburridora. para aquellos personas que se quieran adentrar a este sonido recomiendo inicialmente "moon safari" y para los mas curtidos este trabajo. me parece su trabajo mas personal pero con menos concesiones al gran público, indiscutiblemente un gran disco.

ELECTRO PUNK.

2006-11-15T21:15:00.000-08:00

ultravox. 1976.

trabajo debut del grupo ultravox donde Dennis Light (alias John Foxx) pone a prueba su estratagema de elegancia, actitud y sensibilidad plástica en un grupo adelantado a su momento. es interesante escuchar como este trabajo sale a la luz en 1976, meses antes de la irrupción punk, y los ultravox para entonces usaban sintetizadores y habian evolucionado hacia un sonido donde se depuró y purifico todo atisbo de ingenuidad, de verdad estimados lectores que da alegria escuchar este disco, ya que es un trabajo imprescindible dentro de la estética de la conformación del sonido post-punk y de la futura new wave. si bien el trabajo se decanta hacia una sonoridad mas rock que electronica, se empiezan a ver los atisbos de evolución en temas como: my sex, o la fabulosa i wan't to be a machine y por otro lado no dejar de reseñar el encanto punk ecléctico en joyas como: satday night in the city of the dead o slip away, o la introducción de instrumentos poco comunes en este tipo de producciones como los violines en " the wild, the beautiful and the damned. como diría mi amigo m.a : demasie.

Ultravox : Systems of romance. (1978. - island- universal )

si con ultravox (1976 ) estoy feliz, con systems... estoy recontra feliz, un trabajo espléndido, maduro, conciso, lleno de pequeñas sorpresas, que se anticiparian sabiamente al mejor sonido cool wave de la decadeda ochentera. john foxx estaba de salida, el grupo quedaba pequeño para sus pretensiones y deseaba un nuevo aire, pero antes se despidiria con un suspiro de genialidad, el systems of romance tiene en sus primeros 6 temas el compilado perfecto del pasado , presente y futuro del sónido Ultravox, sintetizadores festivos, y luego profundos, oscuros, amalgamados con melodias punk de fácil asimilación, ritmos freneticos pero a la vez melodiosos, y eso si, separandose cada vez mas de sus ideas iniciales (proto-punk) para adentrase en la era del synth pop. temas como: slow motion, someone else's clothes, blue light ( excelente ), quiet men ( discazo , donde lo pongan ) y dislocation, donde los teclados rememoran lo mejor del synth-pop comercial o no producido de los grupos de sheffield ( cabaret voltaire- human league ). ahora si el disco desde sus resultados es un gran acierto es por el material humano que estaba alrededor de él; contando al consabido john foxx, estaba la produccción de Conny plank quien previamente habia trabajado con : kraftwerk, Neu, y Can ; la colaboración de un Billy currie afinadasimo como de costumbre y el ingreso en las guitarras de robin simon, un guitarrista que en palabras de foxx era el,guitarrista mas inventivo , poderoso y aventurero con el cual haya trabajado. Simon reemplazo a steve shears, un guitarrista eficiente pero demasiado apegado al punk,lo cual para la banda en ese momento no era lo mas ideal. el disco no decae en ningún momento, pero mantener el nivel de sus primeros cortes era una tarea bastante difícil. sin lugar a dudas un trabajo con nombre propio que queda en los amantes del pop sintetizado como una de las obras indiscutibles. de nuevo: demasié.

Isobel Campbell, Milkwhite sheets, 2006

2006-11-15T12:36:00.000-08:00

Cualquiera que espere en este segundo disco en solitario de Isobel Campbell algún rastro de su paso por Belle and Sebastian se llevará una sorpresa. Después de su colaboración con Mark Lanegan parece que la bella escocesa le cogió el gusto al folk, pues estas son puras canciones tradicionales británicas pasadas por el tamiz indie de su cantante y cellista. El problema es que la normalmente angelical voz de Campbell aparece aquí sencillamente desangelada. La música es demasiado uniforme: guitarras, arpas y cellos, junto a la ocasional y muy escasa percusión. Y la voz no aporta ninguna clase de contraste, no tiene garra. Queda muy bien junto a la orquestación de sus anteriores trabajos, pero en este sencillamente parece que se fuera a romper con una brisita. Si añadimos que las canciones van todas por el mismo lado, concluimos con un disco adecuado para días terriblemente pasivos en que no se quiere hacer absolutamente nada. Puede servir como música de fondo para dar un paseo sin rumbo, pero en esos casos prefiero el twee pop que la melancolía desarreglada que provee este álbum. Es bonito, es delicado, pero un poco más de visceralidad le hubiera venido muy bien. Por eso funcionaba el disco de Lanegan y Campbell, porque se complementaban. En este no tenemos más que un calmado riachuelo en una montaña llena de brumas: bonito pero siempre el mismo.

mixtapedeuan: pa' angelita

2006-11-11T01:34:00.000-08:00

"LOS SABANALES" Corralerisimos da majagual. Y ya.
(ahi disculpan, pero asi son las cosas a veces con la musica... que pena seniores...)

2006-11-10T13:27:00.000-08:00

Morningwood, "Morningwood", 2006

Lo dijo Daniel Clowes, y lo dijeron en Strange Days: el día que todas las combinaciones posibles se hagan, ese día será el fin del mundo. Y después de oír a Morningwood el panorama no es alentador. El disco no es necesariamente malo, pero la ola del revival new wave ya ha dado lo poco que podía dar. Parece que muy pocos están tratando de inventar algo nuevo o al menos diferente. El mayor problema es que esto ya lo hemos oído demasiadas veces en otros sitios. Los dos primeros temas son bastante buenos y sin duda lo mejor del disco: Nü Rock y Televisor. Los restantes son tan parecidos y normales que no se pegan al cerebro, excepto si piensas machacarlo una y otra vez, ¿pero para qué? A veces suenan como Hillary Duff (Avril Lavigne perdió el supuesto trono de la chica pop rebelde... ahora todas son "rockeras") y a veces como a unos Yeah Yeah Yeahs sin pretensiones y muy normalitos. El disco es divertido, pero a pesar del brillo, el glam, el bajo y el hi-hat, y la remembranza de los setenta, hay cosas más divertidas. No hay una voz propia y sólo queda para pasar el rato, siempre y cuando sea cortito, por favor.

Tres de synthpop en castellano:

2006-11-09T21:18:00.000-08:00

El Aviador Dro y sus Obreros Especializados "Ópera Científica" (Rompeolas, 1999)

Sí a alguien hay que otorgarle el merito de haberse inventado eso del tecno-pop (y en español que no es lo mismo), ese es el Aviador Dro. Dos discos, uno con el repertorio clásico, (el manifiesto toxico “Nuclear sí”, la bonita “Programa en espiral”, la mas bonita aun, sublime “Selector de frecuencias”, la divertida declaración de “Amor industrial”, la peleona “Himno Aéreo”) indispensable, el otro con temas de su etapa mas reciente (haciendo algo mas cercano al EBM), algunos remixes (mas afortunados unos que otros,
excelente el Pez remix de “Amor Industrial”), y nuevas versiones de algunas canciones, ¿Indispensable? No tanto, aunque igual viene en el paquete entonces se deja escuchar. Para bailotear con letras divertidas e ingeniosas, para escuchar leyendo cómics de ciencia ficción, si, no hay que creerse tanto.

Family "Un soplo en el Corazón" (Elefant, 1993)

Música que llega a tu corazón desde los primeros acordes de un sinte calido, luego la dulzura de unos textos hermosos e inteligentes, suena como a ese amor ideal ¿Verdad? Eso es este disco. New Order, Pet Shop Boys, Carlos Berlanga…

Yo te perdí una tarde de abril y desde entonces soy un lagarto / quiero vivir en otra ciudad porque tu risa ya no está con mi risa.

Solo un disco, ellos dos no mas, pero tanto, tanto a la vez, como duele la belleza.

Tengo ganas de fiesta / de que acabe el invierno / de volver a nadar en el mar / de soñar el verano en el que fuimos novios / y poderle cambiar el final.

Si, de cuando en cuando se hace el ritual de desempolvar los discos y hay algunos que invariablemente pasan la audición. Un pensamiento y un suspiro…

Para poder olvidar / alguna pena muy grande / te besaré en espiral / cuando no mire nadie…

Astrud "Mi fracaso personal" (Austrohungaro, 2000)

Aquí hay algo, siempre ha habido algo, Astrud me trae buenos recuerdos de mis últimos días como el ejemplar indie-boy que alguna vez fui… Y anécdotas mas recientes aun, de momentos inocentes del lejano año pasado, como la tarde donde mi amigo Choni, armando un numero de nuestro legendario fanzine, escuchando ese “Todo nos parece una mierda” (Austrohungaro, 2004), la canción, “Hay un hombre en España”. Yo me reía por lo bajini, Choni replico: “¡Estos manes son unos necios!”. Toda la razón tenés, hombre Choni, eso de hacer tecno-pop inteligente es labor de tercos insensatos, hacerlo de la manera fácil es lo normal y queda muy bien, pero lo otro, lo otro es algo.

Mi grupo favorito de pop con organetas en español.

Jean Michel Jarre

2006-11-09T20:25:00.000-08:00

Habiendo crecido entre la ecléctica colección musical de mi padre, que abarca desde Los Melódicos pasando por Antonio Carlos Jobim y llegando hasta Rick Wakeman, siempre di por sentado a Jean Michel Jarre, sin haberlo detallado atentamente. Hurgando entre su colección de discos saqué los dos que paso a comentar hoy.

Primero el CD doble The Concerts in China, (1981), que, según las notas del librito interior, fueron los primeros conciertos de un grupo de rock o música contemporánea en la China comunista. Como la carrera de Jarre, aún siendo espectacular, apenas comenzaba, nos encontramos con fragmentos de dos de sus discos, Magnetic Fields y Equinox (por algún motivo Oxygen no sale por ningún lado), así como ciertos temas compuestos especialmente para la ocasión. Los temas conocidos, pues... ya se conocen, pero la sorpresa viene con los inéditos. Algunos de los mejores temas son esos compuestos para estos conciertos: Arpegiator, Band in the rain, Souvenir of China... Uno que otro tema flirtea con el New Age, pero es que si se mezclan sintetizadores con música oriental es casi imposible no llegar allá.

The Concerts in China es un compendio de lo mejor de sus discos hasta el momento. Si bien sus obras deberían ser escuchadas de principio a fin para obtener el máximo efecto, al compilarlo se va al grano. No hace falta mencionar lo buenos que son los temas ya conocidos, piezas electrónicas que no carecen de humanidad, no son robóticas, y mucho menos, aunque algunos lo crean, New Age. En los temas inéditos se hace una curiosa experimentación de géneros, como The Last Rumba o Band in the Rain, donde la tecnología se mimetiza tanto con lo orgánico que se hace difícil decir que esto sea simplemente electrónica.

En definitiva, un buen CD que sirve como introducción, o para completistas, porque son los trabajos enteros donde se encuentra la verdadera esencia Jarre (así como en el escenario, porque vaya conciertos espectaculares).

Zoolook, (1984), no está a la altura de la majestuosidad sinfónica de Equinox, pero eso no significa que no sea bueno. Grabado en plena era ochentera, los sonidos pop-fashion se cuelan por ciertos costados, mientras que la música del mundo lo hace por otros. Este afán de mezclar géneros da como resultado una amalgama que funciona bastante bien. Tenemos esa estructura que mezcla por un lado los sonidos más ambient, experimentales temas que dan como resultado unos paisajes sonoros a los que hay que poner atención en lugar de dejar como música de fondo y que sin duda son la parte más fuerte del disco; por otro lado están los pegadizos temas con tendencia más pop, donde aparecen hasta funkeras líneas de bajo y en los que es muy fácil detectar el sonido de la década en que fue grabado el disco. Menos espacial y más urbano, el resultado es un trabajo que no cansa con tonadas pegajosas ni con monotonía aburrida, que es capaz de aunar la música del mundo con la electrónica formando algo nuevo, aunque haya envejecido un poco mal. Sin embargo la parte ambient, que podría recordar a la banda sonora que Vangelis creó para Blade Runner, con sonidos brillantes, calmados y a la vez de gran envergadura, es la que de verdad capta la atención y aún perdura intacta.

Conclusión: este hombre es muy bueno. A veces uno pasa por alto lo que ya cree conocer, pero al mirarlo con ojos nuevos se da cuenta de que, más allá de lo que ya estaba guardado en el cerebro, hay cosas que antes no se habían detallado. Una verdadera muestra de música experimental, artística y a la vez asequible a quien quiera conocer cosas nuevas sin tener que reorganizar todas sus neuronas para entender de qué le hablan. Tendré que buscar sus otros discos en digital. Los LPs hace rato que no puedo oírlos en casa y es una pena.

Tres Discos:

2006-11-06T17:39:00.000-08:00

La Música es mi novia...

Cansei de Ser Sexy (Subpop, 2005)

OK, me rindo me sumo al hype, por una en mucho rato la gente tiene la razón. Cinco chicas, un tio bigotes y ya estamos. La banda fetiche del mundo indie, como ya le denominaran por ahí… Si, ya se que entre mis amiguetes y conocidos debo parecer un fan adolescente que no ha hecho sino darles la matraca con este grupo, pero que se le va a hacer o se unen o se aguantan.
Desde Sao Paulo para el mundo, desparpajo total, rock-pop y electro (con algunos tintecillos de baile funk carioca), el grupo es decididamente divertido y retomando lo mejor de la música de los 80’s y 90’s producen algo (nunca mejor dicho), fresco y novedoso sin, (y esto es verdad), sonar a revival o a cualquier referente inmediato… (quizás por actitud y aproximación pop los únicos serian Tom Tom Club) aun así, esta originalidad es una de sus fortalezas. Para el dancefloor, para rockear, cantar a coro en fiesta privada o cualquier guateque amiguero, las letras no son para nada pretenciosas, au contraire: “Let’s make love and listen to Death From Above” canción seductora y funky con referencia al los indie-metaleros canadiense, con un festivo video, “Meeting Paris Hilton” (ya se pueden imaginar de que va) con el mejor y mas obvio juego de palabras en inglés que se le haya podido haber ocurrido a alguien no anglo-parlante, “Art Bitch” o las minucias de una artista moderna (letra guarrindonga), “Music is my hot sex” su manifiesto y el que debería ser para todo aficionado a la música, bonita de verdad, con rap en portugués al final, “This month, day 10/ Superafim” ruptura malalechosa, con secuela, como no, en portugués de vocoder… y así me podría ir , lo mejor es que se hagan un favor y lo descarguen, de seguro no se arrepienten, eso si, pueden resultar extremadamente adictivas…

Calificación: Potencia y diversión que es demasié.

P.D. 1: La canción del final “Poney Honey Money”, una nana country, hermosa.
P.D.2: Adoro a Iracema , su bajista.

La princesa pop del underground

Annie “Anniemal” (679 Recordings/Big Beat/Ada 2005)

Otra joya pop del año pasado, este colorido disco de la rubia consentida de los Dj’s mas desacomplejados, con producción de gente de la talla de Richard X, Röyksopp, Timo Kaukolampi de Op:L Bastards y Torbjørn Brundtland. Pop sin mas, muchos sintetizadores de colores, bien podría pasar por producto ochentero, con un sonido cercano al italo-disco, el euro-pop bailón (Bananarama, Fun Fun, Magazine 60) y a cualquier diva pop, de Madonna a Kylie Minogue (de hecho el tema “The Greatest Hit” contiene un sample del “Everybody” del primer disco de la Ciccone). Curioso el hecho de que teniendo todo el potencial comercial para hacerse mainstream, exista música que permanezca en el under, (los ejemplos abundan en el mundillo indie), quizás eso sea lo que haga que se mantenga pura su esencia de buen pop y mejor así.

Calificación: Adorable y bailón.

Enamorándose de nuevo con Ladytron

Ladytron “Witching Hour” (Rykodisc/Island Records (UK), 2005)

Después de “604” y “Light & Magic”, cuando mi gusto inicial por el grupo se había agotado, los Ladytron dan una vuelta de tuerca sobre si mismos y sorprenden con un disco rockero, oscuro e intenso… Guitarras shoegazers, letras escalofriantes y claustrofóbicas (“Woke up in the evening to the sound of a screaming, through the walls there was bleeding... all over me” de “International Dateline”… Pienso en “The Shining”), sus infaltables sintetizadores vintage, batería análoga , un sonido mas contundente, no me tomen a mal, siendo excelentes sus dos primeros discos, su anterior synthpop (con marca de fabrica), les había empezado a quedar corto y algo se podía haber adivinado de lo que estaba por llegar, con aquellos dos temas incluidos en su compilado “Softcore Jukebox”: el re-work shoegaze de su tema “Blue-Jeans” y el divertido y punketizado cover del tema r’n’b “Oops, oh my”. Pero no, no fue así y nos confiamos creyendo que su tercer disco seria otra entrega mas de pop sintético OK y ya. No, llegan y sacan un disco excelente que no le debe a nadie (mentira podrida, ¡“Sugar” es My Bloody Valentine!) y si lo hace, lo hace de frente y lo mejora, como los buenos grupos, capaces de mantener esa capacidad de sorprender y de reinventarse, esperemos que lo hagan por mas tiempo. Como bien reza en el informe de prensa del disco: "Prepare to fall in love with them all over again."

Calificación: Oscururo e intenso.

P.D. 3: ¡Me voy a verlos el 1º de diciembre a Bogotá!

living in the 80's

2006-11-06T05:10:00.000-08:00

PRINCE - music from the motion picture "purple rain" (1984).

sin lugar a dudas uno de los grandes discos de la magullada década de los ochenta. un album imprescindible donde los haya; si bien el cuarto de hora de la mega estrella prince ya pasó, su legado aun deja muy buenas cotas de creatividad, si tuviera que elegir un disco de grandes exitos de prince, prefiero quedarme con este disco, temas como mucha energia como:let's go crazy, i would die 4 you, baby i'm a star, mas relajados como darling nikki, o 2 perlas maestras del pop la estupenda when doves cry , o el himno por excelencia del soundtrack ochentero: purple rain, uno de los temas emblemáticos de una generación, con su contenido solo de guitarra, su intensidad, la voz calmada y emotiva de prince y su grito profano que se extiende a lo largo de los 7 minutos de duración. la película no esta mal e incluso deja buenos recuerdos, como la confrontación con el vocalista de the time morris day y la deliciosa Apollonioa cottero. en definitiva pop y funk en sorbete color frambuesa para grandes y no tan chicos.

Sonidos Zombies: Zombina and The Skeletons/Taste the Blood Of... (Ectoplastic, 2002)

2006-10-29T11:06:00.000-08:00

por piranha deux

Cuando me los recomendaron, no estuve muy seguro de que me fueran a gustar, eso si el nombre me gusto mucho... y el grupo termino gustando también. Pero no se me apresuren, aqui no hay sonido psychobilly pantanoso (The Cramps), ni garaje cochambroso (The Mummies), pero si mucha actitud, algo que llamaría "horror glam" (a la vieja usanza de los Misfits, los mismos Cramps y si me permiten el mismísimo padre del invento, "Screaming" Jay Hawkins)... Eso y genuino amor por la serie B y los sonidos new wave mas retro (al fin y al cabo eso era: punks reconvertidos por la nostalgia de los sesentas)... ¿Alguien dijo Blondie, B-52's de casualidad?

Con una media de edad entre sus integrantes que no pasa de los veinte, sonidos punkie/new wave para divertir al personal sin pretensiones arty o de etiquetas (ej. emo) de moda, (los monstruos nunca pasan de moda), desde Liverpool, desde la tumba, la chica no-muerta que "transforma en zombies a todos quienes la oyen/ven".

Publicado originalmente en el fanzine #7 de Cinema Zombie, Medellín.

Mu, Afro Finger and Gel, (2003)

2006-10-23T16:32:00.000-07:00

¿Qué música le pondrían ustedes a un performance futurista que tuviera como protagonistas a unos androides de primera generación, aún de movimientos chuecos e imperfectos, con las articulaciones malas y los cables colgando? Probablemente Mu. Esto es como si una de las cantantes de j-pop (para que vean, luego al investigar descubrí que la vocalista es japonesa) se pusiera hasta el gorro de drogas y cantara un pseudo industrial a veces mezclado por momentos con otras cosas entre ellas hip-hop, ambient y ¿ritmos tropicales? Mejor dicho, un paseo por el infierno, de verdad. Oír el tema I Hate U donde se repite una y otra vez el título, se corta, se fragmenta y se acompaña de un ruido como de una ametralladora es demasiado. Nada de black metal, esto es la banda sonora del infierno, aunque de uno biomecánico. No es música muy adecuada para bailar, a no ser que usted sea uno de esos fetichistas que se excita simulando ser un androide (no es una invención, eso existe y se llama ASFR), y si quiere oírla simplemente por pasar un buen rato seguro acabará perdiendo su humanidad y convirtiéndose en esa mutación rara que salía en Tetsuo, mezcla de carne y tornillos.

Una marcianada muy marciana que no sería capaz de digerir ni aunque me echaran sal de frutas por los oídos, pero seguramente en algunos círculos sea considerado una obra maestra. Tal vez es que yo no soy el adecuado para evaluarlo, pero tenía que manifestar mi opinión porque quedé con las neuronas fritas luego de escucharlo. Punto extra por ser tan bizarro, pero creo que no llegaré a oírlo muchas veces. Es bueno al menos conocerlo, para saber que en este mundo hay gente muy rara que hace cosas muy raras.

mixtape, Girls, Girls, Girls (& mala leche freak)

2006-10-22T18:27:00.000-07:00

- Ladytron "Destroy everything you touch" (Dejame, dejame, destruyeme y nos vamos)
- Cansei de Ser Sexy "Music is my hot sex" (Hoy aprendí un nuevo mantra: ¿Y qué?)
- Who Made Who "Space for Rent" (Feeling sexy on the dancefloor, darling?)
- Ladytron "International Dateline" (Rompiendo contactos, aislandome. ¿Y qué?)
- Cansei de Ser Sexy "This month, day 10/Superafim" (Te echo, te corto, contigo no quiero mas nada. ¿Y qué?)
- Scout Niblett "Hot to Death" (Debilidad: Chica a la bateria cantando. Sorprende la intensidad)
- Animal Collective "Leaf House/Grass" (He visto la luz y quema... "Soy un dios dorado y estoy en las drogas!")
- Las Malas Amistades "" ("... Hueles como rico, Muñequita mía...")
- Poney Up! "Dance for Me" (Porfa... Casi nadie me da ese gusto)
- Mötley Crue "Girls, Girls, Girls" (Para todas las chicas que conozco)

2006-10-21T20:37:00.000-07:00

Regina Spektor, Soviet Kitsch

Al panorama de cantautoras conformado entre otras por Tori Amos, Suzanne Vega y Fiona Apple, se suma esta descendiente de rusos criada en Nueva York. Soviet Kitsch, su primer trabajo, es lo suficientemente básico y experimental como para alejarse de las superproducidas masas, pero a la vez es agradable al paladar sin llegar a ser disonante, punto común donde caen a veces quienes pretenden innovar. El disco comienza demostrando cuál es el arma de elección de Spektor: el piano y su voz. Ode to divorce es un primer corte, que sin ser espectacular, abre el disco con la suficiente esperanza de que adelante habrá sorpresas. Unas cuerdas ayudan a crear la atmósfera que se irá desarrollando en los temas subsiguientes, enriqueciendo con suavidad la gama de sonidos. Sus raíces soviéticas aparecen en The Flowers, del que me hubiera gustado oír más. Luego aparece Us, de belleza frenética, divertido a su manera, en donde se mezcla el clasicismo con la modernidad en una combinación excelente. Ciertos temas contienen influencias de música de cabaret, de puertos marineros llenos de humo y una cierta lujuria, todo ello actualizado a los oídos de hoy. Inesperadamente en Your Honor, hace aparición... ¿el punk? Sí, guitarra distorsionada y gritos decadentes. El piano puntea un instante para ceder de nuevo ante el ruido. Pero eso fue solo un momento, porque para finalizar volvemos al instrumento predominante.

El disco se mueve en una misma tónica la mayor parte del tiempo, pero las canciones contiene suficientes variaciones como para que no quede la impresión de haber oído un largo tema de 38 minutos que no evoluciona. A veces la voz de Spektor puede sonar como la de Fiona Apple, pero en ningún momento se siente que esté copiando a nadie, y por el contrario es muy de agradecer que tenga un estilo propio. Un muy buen trabajo, agradable al oído, con suficiente filo como para no ser un mero dulcecito. Buen debut que, sin ser radicalmente diferente, da lo que promete.

Camera Obscura, Underachievers please try harder

Twee-pop melancólico, guitarras delicadas, alguna sección de cuerdas y la ocasional trompeta reminiscente de los sesenta. Además estética mod y procedencia escocesa. ¿Son Belle and Sebastian? No, son Camera Obscura, pero casi igual. Letras literarias y lamentos que incitan a quedarse en casa con un libro y una taza de café. Pero... a pesar de las buenas referencias, el disco no alcanza a ser un Tigermilk porque, a pesar de algunas excelentes canciones como Suspended from class, o Number one son, y de flirteos con el country y otros géneros, los demás temas no se mueven del mismo sendero, y en este, al final, sí parece que todos los temas fueron uno solo. Muy bonitos, pero demasiado parecidos. Supongo que el mayor problema es que las mejores canciones, las que sí son sobresalientes, aparecen al principio, dejando un final algo lánguido. Si no tienen un disco de Belle and Sebastian y quiere oír twee-pop, este puede ser un buen sucedaneo. De lo contrario, bastará con oír las primeras canciones para pasar un buen rato. Todo entero apenas trasciende. Bonito pero inofensivo. Pero me gustó, debo aclarar.

Sonidos Zombies: The Schulmädchen Report/Schoolgirl Report [Schoolgirl Report & other music from sexy german films (1968-1975)] Gert Wilden & Orchest

2006-10-12T22:01:00.000-07:00

por Piranha Deux

Mas desmadre para nuestros guateques sicotrónicos, esta vez gracias a esta deliciosa recopilación de melodías que evocan poliéster, hippismo mala leche, sensualidad cutre, en fin todo lo que la actual pornografía no tiene: Coolness... (eso y pelos).
tomando material de una serie de películas hechas en Alemania hacia finales de los sesentas y ya entrados los setentas, que se hacían con la supuesta intención científica y educativa pero en las que todo el mundo sabia cual era la unica intecion: Pelar. A lo bien. Y así a ritmos a go-go de órganos Hammond y Farfisa, las colegialas se "gradúan" antes de la graduación", "sacan 10... y no el aula de clases", haciendo lo que sus padres "jamás se imaginaron"... delicia, delicia. Una joyita para invitar a las amiguitas a desmelenarse en nuestra sala un sábado en la tarde. (yerba no incluida).

Publicado originalmente en el fanzine #7 de Cinema Zombie, Medellín.

yo tengo la fiebre

2006-10-09T23:27:00.000-07:00

Dengue Fever. Dengue Fever, (2003).

Trabajo debut de una curiosa banda-orquesta que tiene en su vocalista, la camboyana Chhom Nimol a su más reconocida estrella, ídolo en su país y que al parecer goza del aprecio de la familia real.
Su música se mueve en los confines de un pop orquestal, con ricos arreglos de teclados y saxos y el inconfundible sonido del órgano farfisa que le da un toque retro sesentero a temas como: thanks a lot. No obstante te puedes encontrar con ritmos atmosféricos: nights o ethanaphium, o temas que rememoran series televisas de espionaje como la simpática Pow-pow. En fin, banda exótica y elegante que goza de cierta popularidad gracias a su introducción en la banda sonora de la película Broken flowers de jim Jarmush. En pocas palabras: interesante.

masterpiece

2006-10-09T23:23:00.000-07:00

White album. The Beatles, (1968. EMI.)

Es hora de elogiar obras maestras y para empezar esta obra indiscutible. Es disco se erige como uno de los momentos más importantes de la música pop contemporánea; en plena época de ruptura, los cuatro de Liverpool, muestran cada uno cosas diferentes. Están lejos de ser una banda unida pero cerca a la hora de crear buenos temas y armonías, en ese sentido los Beatles siempre se caracterizaron por tener ese instinto natural de juntar sonidos y sacarles el mayor provecho, aunque no inventarían nada, siempre estarían a la vanguardia.
Elogiemos algunos temas: para empezar el Dear Prudence, con esa cadencia melódica y ese coro siniestro; años después Siouxie & The Banshees harían un cover correcto y decente. El místico George Harrison se despacharía con While my guitar Gently Weeps y la subversiva “Piggies”; hay tiempo para las baladas: Julia, la diversión: ob-la.di,ob-la-da, con plagio de por medio y el Folk En “the continuing store of bungalow bill”. Un primer lado que contiene otras sorpresas pero que es el abrebocas de un segundo lado mucho mas estimulante donde se destacan: el sonido moderno de “Helter Skelter”, que inspiraría a un peligroso charles Mason; las melódicas “Sexy Sadie y Cry baby cry” y el colmo de los colmos, Revolution 9, donde se nos sumerge en un collage sonoro que contenía sonidos de mellotron en reversa, diálogos aleatorios y un loop final al parecer de la séptima sinfonía de Sibelius, obviamente, después de terminar esta pesadilla es hora de algo relajado y arrullador: Good night, con la cual se cierra el disco.
No hay nada más que agregar, es un disco imprescindible, necesario y maravilloso o sino porque piensan que lo compre.

10 razones por las que me gusta NEU.

2006-10-08T22:24:00.000-07:00

Neu. Neu. (1972).

Primero: música electrónica, pura experimentación.
Segundo: anarquía sonora, las melodías empiezan donde comienzan otras.
Tercero: sin concesiones a nadie, o te gusta o no te gusta, así.
Cuarto: grupo puntero del krautrock o de la kosmiche musik.
Quinto: música anticipada a su época.
Sexto: es un sonido intenso y espontáneo, manipulador.
Séptimo: el post-rock y el punk les deben mucho. si no preguntenle a Sonic youth y Stereolab.
Octavo: mi tema preferido: negativland, intenso y calmado a la vez.
Noveno: me encantada la portada.
Décimo: tengo otras diez razones para decirte porque me gusta.

2006-10-08T22:21:00.000-07:00

Dot allison. We are science. (2002).

Toda una sorpresa ha sido para mí escuchar este trabajo discográfico. Dot Allison es un nombre que hay que tener en cuenta a la hora de escuchar buena música. En primer lugar hay que definir bien los límites de este trabajo. No es propiamente música electrónica con pelos y señales, si bien es cierto que temas como we are only science, substance, performance, son sonidos sintetizados y mecánicos acompañadas de la voz distante y fría de Allison, no se sorprendan si escuchan en temas como: wishing stone, con su guitarra acústica y strung out (mi tema preferido), atisbos de pop electrónico, estilizado y moderno. Eso es precisamente lo que hace de este trabajo algo interesante, sin ser un disco enmarcado en un estilo puro, es un trabajo entretenido y cálido, agradable de escuchar, que me recuerda el mejor pop británico de mediados de los años ochenta y la mejor música electrónica, hecha con la cabeza más que con las máquinas.

PD: amigos melómanos, atención al corte 1 “we are only science” y al conocido tema instrumental de Alan Parsons Project “Mammagamma” (1981), encuentras algún parecido, para mí si.

Sonidos Zombies: The Mummies/Death by Unga Bunga!!

2006-10-08T09:40:00.000-07:00

por piranha deux

Pues si señores que el rock de serie B si existe y al declararme presidente del punk rock cada que se me viene en gana, no puedo mas que delegar el trono del ''budget rock'' en The Mummies. ya habíamos pasado repaso a otros monstruos de pelicula B rockera que tambien son reyes allende sus dominios pantanosos como los Cramps, pero The Mummies... ¡ayayay The Mummies! Cuatro momias sinvergüenzas tocando rock garajudo con los equipos mas penosos que se puedan imaginar, produciendo una onda monofónica de alto octanaje de lo mas divertido y salvaje que haya pasado (y magullado) por mis oídos recientemente. Se trata de la colección de todos los 45s publicados por la banda a finales de los ochenta (¿qué, creyeron que era una banda de los sesenta?), con apenas un mínimo, sino nulo tratamiento digital, en su paso a cd. Ahora, no se sabe como se haya logrado convencerles de editar su material en cd dada su renuencia y absoluto desprecio por el formato digital, quizás el culto que se genero por la banda luego de su separación en 1992 (particularmente en Europa). ¿Que mas podría agregar? Si todavía no me creen échenle una ojeada (y oída) a títulos tan descacharrantes como "I'm gonna kill my baby tonight", "(I should better be lookin' for) Dangerman" (!), "Die!" (pura sicodelia y desmadre), "Stronger than Dirt", "Food, Sickles & Girls" (himno beodo), "Just One More Dance" (¡ese Farfisa!), "House on the Hill" (musica de miedo y mas Farfisa)...
¿Como no va a ser buena una banda que hacia sus giras en una ambulancia? Demasié.

Publicado originalmente en el fanzine #6 de Cinema Zombie, Medellín.

2006-10-05T12:52:00.000-07:00

Neu! 75 (1975)

Cuando mis compañeros de blog hablaban en sus múltiples charlas de algunos temas que para mí suenan a chino, uno de los términos que mencionaron y se quedó en mi memoria fue el de Krautrock. Investigando, llegué a oír este trabajo que hoy les traigo, así que, desde luego, no esperen un comentario basado en mi conocimiento del género, ni contextualizado en su época y trabajos anteriores, sino más bien la reacción de un novato que se enfrenta a un sonido nuevo, y como tal , creo que también es válido.

Neu! 75 es, según he leído, el último trabajo de Neu, antes de su disolución, aunque también existe uno publicado casi veinte años después, pero que no parece despertar mucho entusiasmo. En este se notan dos claras partes, que son la expresión de cada uno de los integrantes de este dúo. Uno de sus integrantes, Michael Rother, más apegado a la calma y la tranquilidad, tiene a cargo el lado A del disco, tres temas que rayan con el ambient, no en el sentido de que no pase mucho, sino en que los temas están hechos para ser disfrutados casi como el fondo de alguna actividad, y no para ser protagónicos y excluyentes de la atención del oyente. Son tres temas con un espíritu claramente alemán de los 70, que podría yo emparentar con Kraftwerk, ojo, no en instrumentación, sino en espíritu: música de interminables autopistas en un amanecer, casi vacías, con parajes industriales no en decadencia, sino en pleno despertar ordenado. No por nada el tema Autobahn de Kraftwerk, ¿no? Suave, estilizado, este es mi segmento favorito, con efectos de sonido que delatan precisamente esas intenciones de experimentación con sonidos y ambientes de su autor. Leb Wohl, el tercer tema de este lado, es quizá el más ambient, con sonidos de olas, un piano delicado y unas voces pausadas durante casi nueve minutos.

El lado B del disco pertenece a Klaus Dinger, y la diferencia es clara. Guitarras distorsionadas, algunos gritos guturales... una especie de proto-punk sin llegar a escandalizar ni romper del todo el sendero que el disco llevaba. Hero, el primer tema, inmediatamente cambia el sendero con guitarras y baterías más aceleradas. Aún así no es este un punk chatarrudo y podrido, sino bastante estilizado, y su sonido es bastante pulido, pero con el toque de salvajismo característico. Otros temas juegan con la electrónica y las texturas no tan abstractas, como E-Musik, donde el mismo esquema se varía y se extiende indefinidamente. De nuevo aparecen las baterías que suenan a motores (motorik, se llama el estilo) y a pesar de la distorsión (After eight), no se deja del todo la melodía.

No es un disco que se quede inmediatamente en la memoria, pues no tiene una sensibilidad claramente pop, pero desde luego es un trabajo que gana con cada oída, y que desde luego fue tremendamente influyente. No es sino que oigan el post-rock hoy para aún trazar algunas líneas que nos llevan a Neu! Un buen disco, para oír muchas veces, con calma, y digerir bien.

new wave- new wave.

2006-10-02T07:37:00.001-07:00

The very best of Elvis Costello. (universal, 1999).

Pasada la moda de la marea punk mas radical y con algo de Resaca se comienza a hablar a finales de los años setenta de un Nuevo género musical donde las haya, la New wave, movimiento que generó dispares bandas y solistas con menor rudeza y odio que sus antecesores punks, pero con mayor énfasis en las melodías, los ritmos y obviamente las letras.
Elvis Costello y su grupo The Attractions son uno de los pilares fundamentales de este movimiento, tengo que reconocer que me acerque a esta recopilación con algo de dudas y con la sospecha de que no encontraría algo novedoso o digno de destacar, la verdad después de escuchar este disco unas 3 (ahora son 7) veces no puedo comprender del porque de mis iniciales prejuicios.
Recopilación como todas incompleta pero no despreciable, su valor radica en el hecho de que se convierte en un disco que contiene momentos espléndidos del género New Wave, si realmente quieres saber de que se trata musicalmente este género tienes que escuchar esta recopilación; contiene un poco de todo: jovialidad, sonidos que rememoran los mejores años sesenta, bellas melodías, algo de Soul, algo de Reggae, un poco de todo y de una manera muy entretenida; hay temas que son superiores a otros pero ninguno débil o flojo, a destacar los temas de sus albúmenes: (My Aim Is True- armed Forces- This Year’s model- Blood & Chocolate), tales como: “Accidents Will Happen”, “Peace, Love & Understanding”, “Alison”, “Radio Radio”, “Tokio storm warning”,”Man Out of Time”, etc. Canciones de tres minutos, o más si es necesario, eficacia técnica, bellas melodías, en fin, un muy buen disco, recomendable para aquellos que piensen que el nuevo rock es cosa de los noventa, no hijos míos, esta música se hacía desde hace mucho tiempo y para la muestra aquí esta este botón.

2006-09-27T12:45:00.000-07:00

KLAUS SCHULZE. “BODY LOVE” (1977).

Klaus schulze es una de las principales figuras alemanas de la música electrónica. Inscrito dentro de la corriente de música cósmica, planeadora y desde hace varios años artífice de los sonidos New Age mas soporíferos (desafortunadamente).
No obstante sus primeros años primero con Tangerine Dream, luego con Ash Ra Tempel y por último en solitario, estuvieron marcados por la experimentación, y la creación de un sonido propio e instrumental, no carente de ideas y por el contrario estimulante e imaginativo. Sus ritmos evolucionaron desde caóticos y estáticos a ritmos con mayor musicalidad.
Secuenciadores y mastodónicos sintetizadores análogos son sus herramientas preferidas, obviamente con semejantes instrumentos se supone que la música cósmica queda relegada a ambientar mundos extraños, ciencia ficción, y cosas parecidas; no obstante con Body Love demuestra que este tipo de música tiene derecho a participar en otras corrientes.
Body love es la banda sonora para un film erótico titulado de igual manera, si bien, no he visto la película y no puedo asegurar que el sueño braguetero y las poluciones nocturnas sean correctamente ensalzados. Lo que si puedo asegurar es que es un disco bien hecho con momentos reflexivos, ritmos vitales y un sintetizador que una y otra vez emite el mismo sonido cálido sin aburrir; ojo amigos no es nada parecido a los productos disco de Giorgio Moroder, ni otras parafernalias de la época.

En tres palabras: cósmico, erótico y falocéntrico.

manchester sound.

2006-09-27T12:37:00.000-07:00

ZERO A MARTIN HANNETT STORY 1977- 1991.

Compendio del legado musical de una de la s figures claves del sonido post-punk británico, y a la vez creador de una producción y un ambiente sonoro particular. Martin Hannett, hábil pulidor de diamantes en bruto, muchos le deben a él lo que hoy son o fueron: joy Division, New Order, Happy Mondays, entre muchos otros.

Esta recopilación de 21 temas se queda corta, pero a la vez esta dotada de momentos espléndidos de la escena británica, desde ritmos punk juveniles (Buzzcocks), atmósferas etéreas (Joy Division), melodías pop (Pauline murray), y perturbaciones mentales (Magazine); Mis temas preferidos son: I don´t want to be nice (John Cooper Clarke), decadente y pegajoso; She’s A Rainbows (Kitchens of distinction), hermosa melodía, y una voz gélida salida de la misma tumba; Oh Lucinda (The Only Ones), oscura, ritual, buena percusión.

Joya de joyas, ampliamente recomendada no solo por la variedad de su sonido, sino, por ser un testamento musical de la música de finales y principio de la década de los ochenta en el Reino Unido.

mix-tape "Electrocidad Guapachosa"

2006-09-23T16:37:00.000-07:00

- Modeselektor "Modeselektor's rave anthem (ups edit)" (..."Yeah")
- Modeselektor "New Berlin Loft" (Reggaeton Robot)
- Ben Klock "Tag Der Arbeit" (Cuando las drogas hacen efecto suenan cosas como esta)
- Ellen Allien "Magma" (Modeselektor Mix) (Modeselektor mezcla con martillo y cinta aislante para que tu lo muevas)
- Mr Oizo "Last night a dj killed my dog" (Funk suggestion... )
- The Candybars Banda! "Perra Hijueputa" (Rock Nacional)
- Smash TV "Intruder" (Todos en la pista es, ¡Estropea tu Televisión!)
- M.I.A. "10 Dollar" (¡Todos al piso, Breakdance!)
- Ada "Our love never dies" (Mientras haya fé)
- Brundtland and Therson "Geared Up" (Esto no ha hecho mas que empezar...)

Sonidos Zombies: Música Mala para Gente Mala

2006-09-23T12:48:00.000-07:00

The Cramps "Bad Music for Bad People" (LP-CD, IRS 1984/A&M Records 1990)
por Piranha Deux

¿Cómo resistirse a esta joya? Con tan suculento nombre y más cuando desde su portada
nos mira, socarrón, esa especie de tío Creepy con tupé, (si a esto además le añadimos lo atractivo que siempre ha resultado el logo de los Cramps, el paquete esta más que servido): ¡Un banquete auditivo-macarra serie B! Compilado y publicado por vez primera en los 80 (y reeditado en los 90, ya en CD), contiene varios de los primeros singles de la banda con la factura mas larga por haber mandado mas almas directamente al infierno, (ya quisieran para sí este mérito los amigos del metal). Sonido crudo, pantanoso y supremamente sexual (de cuando aún estaba con ellos el malogrado Brian Gregory "el tipo más guapo del rock 'n' roll"), a dos
guitarras, sin bajo, así no mas, para qué mas...
Scream, Dracula, scream!!!

Publicado originalmente en el fanzine #4 de Cinema Zombie, Medellín.

Into The Blue Again, The Album Leaf

2006-09-20T11:25:00.000-07:00

El post-rock es un cajón de sastre, de esos en los que se clasifican grupos que de otra manera serían inclasificables. Algunos guardan pocas semajanzas con los otros, lo que muestra que ahí se mete de todo. Por ejemplo, The Album Leaf no se parece a Godspeed You Black Emperor. Eso sí, lo que parecen tener todos en común es el gusto por los largos títulos. Para muestra un botón, con títulos de discos de diferentes agrupaciones: Those who tell the truth shall die, those who tell the truth shall live forever; Lift your skinny fists like antennas to the heaven; Millions now living will never die; He has left us alone but shafts of light sometimes grace the corners of our rooms...

Pues ahí dentro cae The Album Leaf, pero alejado de las guitarras pesadas y melódicas (aunque suene a contradicción, lo que es otra característica del post rock: ¿slow-core? ¿ambient rock?) de Explosions In The Sky, del apocalipsis insondable de Godspeed You Black Emperor, o las aproximaciones jazzísticas de Tortoise. El único miembro del grupo, Jimmy LaValle, ya pertenecía a otra agrupación post-rock, Tristeza, que experimentaba con melodías y se alejaba de los moldes del rock actual, aunque sin ser tan revolucionaria como otras ya citadas. Para su proyecto en solitario, LaValle cambió y siguió otros caminos. Su primer disco One Day I´ll Be On Time, ya confirmaba ese cambio de rumbo, de un esquema sencillo de guitarra bajo y batería, a uno en que se incorporaba más la electrónica. Su siguiente trabajo, In a safe place, hecho en colaboración con otros inclasificables como Mum y Sigur Ros, dejó percolar la influencia islandesa, y además de texturas, se añadieron sonidos de clics y clacs, tan característicos de los primeros. Este segundo disco ya era bastante más diferente a los días de Tristeza, ampliando el espectro más allá de las diferencias entre acústico y electrónico. En realidad esto iba más allá de cualquier clasificación.

Into The Blue Again es el tercer trabajo, sin contar el EP Seal Beach, ya sólo, sin colaboraciones, alejado del minimalismo épico (?!) de su anterior trabajo, para volverse más intimista. Música calmada, para pasar tardes a solas viendo llover, para recorrer caminos olvidados en bicicleta, para un picnic tranquilo, para flotar entre el sueño y la vigilia, para compartir con tu significant other entre las sábanas sin hacer nada un domingo en la tarde... Algo así como ambient rock, canciones que no se pueden oír por encima, pues se construyen a medida que avanzan, envolventes, menos inclinadas a llegar a un sitio en articular sino más interesadas en crear atmósferas. Al finalizar el disco no se puede decir que algún tema se haya quedado en la cabeza para ser tarareado, pero ese no es el objetivo del disco.

LaValle ha conseguido un digno sucesor a In A Safe Place, quizá no tan variado, pero sí lo suficientemente exitoso. Música con un equilibrio perfecto entre lo electrónico y lo orgánico, con suficiente alma para tocar el corazón y a veces hasta el toque para darse unos pasitos de baile o simplemente seguirle el ritmo con el cuerpo en una silla. Personalmente prefiero In A Safe Place, pero este vale la pena oírlo.

Un disco muy bonito, que no golpea, que no llama la atención con espectacularidad, sino que necesita de una sintonía especial con él mismo para dar la recompensa que de verdad puede dar, tal vez menos pegajoso que el anterior, pero igualmente estimulante... o más bien relajante.

My life with The Knife

2006-09-11T09:46:00.000-07:00

Synth-pop, electro o goth como lo han llamado algunos, hasta ahí todo muy normal y nada diciente, pero The Knife, aparte de ser todo lo anterior hablando técnicamente (lo de goths no se si a ellos les cuadre, eso si, oscuros y bastante si son), son de lo mas interesante e inusual en producir la música pop de botones, tanto a nivel sonoro como de concepto estético.

"The Knife" (Rabid Records, 2001)

The Knife son los hermanos suecos Karin y Olof Dreijer, practicantes de un nada común estilo de synth-pop, oscuro mas no denso, eso si claustrofóbico a ratos, fantasmagórico si se quiere, juguetón cuales pixies (hablando de los duendecillos, Karin, la voz y el estilo que a veces utiliza puede recordar a Björk, cosa de escandinavos, supongo), letras crípticas... y cuando quieren, bailables. De hecho la mayoría de la gente que les conoce y les ha bailado por estos lados, ha sido gracias a los remixes que gente como Rex the Dog o M.A.N.D.Y han hecho de ellos, The Knife es pues también, excelente material para remezclas. Lo que se escucha es un mundo pequeñito, que con los siguientes discos se empezara a agrandar, curiosidades armónicas y rítmicas, un tour por un país de plástico y nieve.

"Deep Cuts" (Rabid Records, 2004)

Segunda entrega que abre con la conocida ""Heartbeats", lamento sintetizado donde los haya (aun la escucho y me da algo)... De ahí en adelante, noche de chicas, dedicaciones para ti, amenazas policiales, paranoia y miedo, derechos femeninos y obligaciones civiles, exhibicionismo, todo a través de la particular óptica y estética de The Knife, quienes no se conforman con ser un grupo de synthpop, ni en sonido ni en concepto. los matices rítmicos se amplían y si los demás practicantes del pop de botoncitos se contentan con emular y recordarnos alegremente la década ochentera, The Knife esta aquí para darte una nueva medicina ("Is it medicine?"), por eso es que te quebrás la cabeza al no saber exactamente a que suenan ya a estas alturas, la voz de Karin ya suena a su propia voz, o sea no hay de que agarrarse y menos con números como "You take my breath away" con sus sintes y beats antillanos, (esta será ya una constante en el sonido The Knife, perfectos antropófagos), y además la nieve ya te llega al cuello, pero mira, todavía puedes bailar y tienes un daiquiri en la mano. Tropical on ice.

"Silent Shout" (Rabid Records/Mute, 2006)

The Knife son raros. A la gente no le gusta o le aburre lo raro. Me gusta lo raro. Y este disco lo es, el viaje por Neverland continua. Se atreven con sintetizadores típicos del progresive y no les sale nada mal ("Silent Shout", "Forest Families"), se sacan de la manga el que quizás sea el primer reggaeton del espacio exterior (la absurda y excelente "We share our mother's health"), canciones de cuna de cuento de hadas ("Na Na Na") y la canción mas bonita de todo el disco, "Marble House" (co-escrita e interpretada al lado de ese genial electro-crooner nórdico que es Jay Jay Johansen)... Raro, bonito, arriesgado. Demasié.

mix-tape "Random (A.K.A. No puedo hablar, estoy empelota)"

2006-09-10T22:02:00.000-07:00

- TV On The Radio "Playhouses" (Avalancha de sonido, zumbido, beat-box, voces negras, post-punk -o lo que sea-, ¡Súbete a mi moto!)
- Gnarls Barkley "Crazy" (Tu y yo, orates rematados)
- Be Your Own Pet "Bicycle bicycle you are my bicycle" (¿Se acuerdan de la diversión? pues regreso en forma de cuarteto teenager, todos de converse a saltar y gritar, VIVA EL PUNK HxC!)
- Regina Spektor "Fidelity" (¿De qué me suena esa palabra?)
- Kaiser Chiefs "Everyday I love you less and less" (¡Es verdad!)
- Editors "Munich" ("I'm so glad I found this"), "All Sparks" (Te quemaste)
- Sonic Youth "Incinerate" (SY vs. La combustión espontánea)
- Tad "Sex God Missie" (Una maldición con 22 años, ¡Atrás!)
- Goblin "Tenebrae" (La "oscururidá" en la discoteca...)
- Infadels "Murder that sound" (... Y al final todos nos fuimos a bailar)

PD... Gracias a mi amiguete Jaime Buitrago.

Sonidos Zombies: Vampyros Lesbos, The Sexadelic Dance Party (Cripple Dick Hot Wax!/Motel Records, 1996)

2006-09-10T21:43:00.000-07:00

¡Albricias, delicias! The Vampire Sound Inc. (los compositores Manfred Hubler y Siegfried Schwab) Esta aquí amiguis, para ponernos en sintonía con el guateque
cósmico-sicodélico-caspa mas salido que se haya visto, (o vuelto a ver) en mucho tiempo. El invento es un comprimido de las bandas sonoras de tres de los filmes setenteros del inefable abuelete Jess Franco, en los cuales "perfecciono" su concepto de "horrotica" (horror serie B + erótica bizarra), a saber: Vampyros Lesbos , Sie Totete In Ekstase (She Kills in Ecstasy), Der Teufel Kam Aus Akasawa (The Devil Came from Akasava), en los cuales también, como no, estelariza la mamaza Soledad Miranda, quien nos regala también desde la portada (y en los insertos del librillo del CD), con su presencia. Una aclaración, no se trata de un disco lounge-chillout, downtempo o acid jazz (que ninguno de estos es genero siquiera), como algunas reseñas del mismo señalan. Es el sonido de the cool vampyria.

PD: Muerte al goth y al chillout.

Publicado originalmente en el fanzine #3 de Cinema Zombie, Medellín.

2006-08-27T22:04:00.000-07:00

Cabaret Voltaire. The Original Sound of Sheffield. ‘78/’82. Best Of;

Maquinas, sonidos fríos, densos, distantes, primitivos; música industrial, que rememora estructuras, días oscuros, miradas perdidas, caos, contaminación. No es pop sintetizado, no son melodías robóticas, es mas simple, es el palpitar industrial, que este grupo originario de Sheffield lanza contra el espacio sonoro. Es música actual, que representa los momentos de tensión de una época; temas como, Do the Mussolini, Baaden Meinhof, The Set Up, te golpean, te hipnotizan, te confunden; incluso hay espacio para el baile, “Nag-Nag-Nag”, “No Escape”.
No es música para escuchar al lado del fuego, es música para intoxicarse, para poner los pies en la tierra y darnos cuenta en el purgatorio en que vivimos.

PD 1: El Cabaret Voltaire era un antro de Zurich en el que los dadaístas lanzaron sus primeros manifiestos.

PD 2: Seudo trascendental, no, es simplemente la sensación que me produce el mismo disco, y eso que es música de la más asequible.

Sonidos Zombies: Ginmaku Rock & Zoku Ginmaku Rock

2006-08-27T15:30:00.000-07:00

¿Cómo comentar estos discos? La música contenida en ellos pertenece a las bandas sonoras del cine japonés de los setenta. Películas de yakuzas sobre todo y alguna de samuráis, y lo mejor, los temas están cantados por los mismos protagonistas: Meiko Kaji, Bunta Sagawara, Koji Tsuruta, Sonny Chiba y Tomisaburo Wakayama entre otros. Sí, ya sé que se quedaron casi en las mismas, pero les aseguro que conociendo un poco esos actores, el factor cool se ve potenciado. Musicalmente es bastante uniforme, siendo casi una música para aplanchar en japonés. Si vieron Kill Bill, saben de qué les hablo, pero también si vieron de pequeños Mazinger, Centella o José Miel, pues a pesar de ser temáticamente diferentes, guardan similitudes musicales: una especie de rock con trompetas, como Raphael o Nino Bravo en los sesenta. Casi se puede ver a las nenas con minifaldas y largas pelucas bailando ante decorados psicodélicos, mientras el cantante usa un micrófono con un larguísimo cable enredado entre sus manos. Es un disco para fardar ante los amigos que entienden de esto. Pura memorabilia retro, apta sólo para desequilibrados sociales como nosotros. Los demás no entenderán mucho por qué nos gusta tanto. A mí por lo menos me gusta porque me remite a imagenes y tiempos muy buenos.

bowie multicolor.

2006-08-26T05:42:00.000-07:00

Scary mosters. David Bowie. 1980.

Luego de su trilogía berlinesa que contenía discos tan experimentales como entretenidos, Bowie, se aventura a crear tal vez su último gran disco, o por lo menos el mas influyente de su ya dilatada carrera discográfica.
Contando con la colaboración de invitados de gran envergadura Robert Fripp, Carlos Alomar, Pete Townshend, el disco es una bomba de tiempo que una vez puesto en le reproductor estalla música de alta calidad.
El disco se divide en 2 partes, la primera intensa, desaforada, pasional, ecléctica, donde sobresale la guitarra cortante y trepidante de Fripp en temas como It’s no Game, Scary monsters y la funky-chic “Fashion”, sin olvidar temas mas pacíficos como Up The Hill Backwards que contó con el ritmo calmado de la bateria de Dennis Davis. Pero el tema estelar y el más emotivo es “Ashes To Ashes”, donde Bowie retoma la historia del Mayor Tom, el cual había inicialmente tratado en su Space Oddity, ahora el mayor abandonado en el espacio y convertido en junkie, se convierte en el tema más impactante del disco, que en su momento contó con uno de los videos mas revolucionarios de la década, el cual estuvo dirigido por David Mallet, el mismo que dirige los videos del circo del sol.
La segunda parte, mas contenida, con buenos y aceptables temas, donde sobresale “Because you are young” y la inconfundible guitarra de Pete Townshed, la parte 2 de “It’s No Game”, donde un bowie mas apaciguado despliega su lírica vocal mas clara, pero menos intensa, recordar que en la primera parte el acompañamiento estuvo a cargo de la japonesa Michi Hirota. En resumidas cuentas un disco con una excelente labor melódica, con un interesante staff de estrellas y un bowie que después de esto no sería ya el mismo.

Calificación: Irrepetible.

mix-tape "Recorrí lo suficiente solo por verte cruzar"

2006-08-24T12:29:00.000-07:00

- Stardu "Todo es lounge (mi vida es Lynch)" ("Muertes en la familia... en el club con los amigos, un martini, coca-cola da igual, ponme lo que este de moda" Carlos Ballesteros me hizo una canción)
- Suavestar "New Mi" (Somos los dos, no soy yo, sos vos... "Pero no tenemos otra vida mejor"...)
- Leo Garcia "Morrissey" (Declaración-amenaza solapada... Me eriza)
- L. Camorra "Simpáticas" (Cuando se termina con, cuando no se sigue, estas en el ojo del huracán, en medio de la opinión publica de tus amigos y conocidos... Sos una amenaza)

- Los Látigos "Me inhibes" (Mas declaraciones, electricidad, tensión sexual, bonito... Demasiado corta carajo)
- Los Látigos "Espere este día" (Ni siquiera fue como en esta canción, fue peor)

- El Otro Yo "Dibujito" (Plegaria naif)
- El Otro Yo "Agua Bendita" (El agua que todo lo limpia y purifica)
- El Otro Yo "Filadelfia" (Una fuerza potente en la distancia, unidos)

- Entre Ríos "Si Fuimos" (Las cosas inevitables)
- Entre Ríos "Tuve" (Las cosas que no están y se encuentran)
- Entre Ríos "Lima" (Las cosas que hice solo para verte)

- Suárez "Un rayo de sol" (Versioneando a Le Mans, se salieron con la suya)

Editors "The Back Room" (Fader Label/Kitchenware, 2005)

2006-08-24T12:22:00.000-07:00

Domingo 21 de agosto de 2006, 6:26 p.m.

Querido Club de los Discos:
Domingo en la tarde, quehaceres de la casa antes de sentarme a dibujar, escribir, leer, navegar en internet, cualquiera de las cosas que normalmente hago. De fondo, The Editors. No, no, no, no son Bloc Party, no son Franz Ferdinand, no son Babyshambles y no, definitivamente no son Arctic Monkeys. Son The Editors Y que buen disco. La comparación obvia en la prensa musical ha sido -como no señores-, Joy Division, intentando ser mas objetivo yo propondría a los neoyorquinos Interpol (quienes tambien en comienzo fueron comparados a los de Manchester). ¿Por qué? Donde los dos grupos -Editors e Interpol-, tienen un claro sonido reminiscente del after-punk británico de comienzos de la década ochentera, este sonido, su producción, es muy de ahora y bueno, lo otro son las comparaciones con la voz de Ian Curtis... Si hay un aire, pero la emotividad es distinta y la voz de Ian Curtis pues es la voz de Ian Curtis y punto.

Ahora, el primer disco de Interpol "Turn on the Bightlights" me gusto bastante cuando salio, su segundo "Antics" no tanto. "The Back Room" es el disco que debieron haber hecho a continuacion, el dignisimo segundo disco de Interpol, pero no. Es el excelente debut de esta joven banda britanica llamada The Editors y hay que darse la oportunidad de escucharlo. Recomiendo "Munich", "Fall", "All Sparks", "Camera", "Fingers in the factory", "Bullets" "Distance" ... En fin todo el disco de un tirón.

Calificación: Demasié.

mix-tape "Mi fracaso personal"

2006-08-14T07:36:00.000-07:00

- The Cure "Push" (Que bueno era The Cure -y que adolescente bobo era yo-)
- Arab Strap "I would've liked me a lot last night" (No acordarse de las perlas de la noche anterior, ¿Que me porte como nunca? ¿Que estaba hecho una delicia? ¿Te pusieron la mano?)
- Isabelle Adjani "Pull Marine" (Gainsbourg en voz de la Adjani, hermoso sonido sofisticado, perversa banda sonora, como el video clip dirigido, como no, por el propio Gainsbourg)
- Foreigner "I want to know what love is" (Acaso la mejor balada rock de siempre... no se, hay mas, pero esta es como un himno)
- Les Biscuits Salés "Me parece muy bien" (Comentario y dadaísmo pop, chicas guay)
- Astrud "Cambio de idea" (Donde mi nueva idea es "el negativo fotográfico de la primera")
- Mogwai "May nothing but happiness come through your door" (Este siempre va a ser un deseo sincero... )
- The Fiery Furnaces "Waiting to know you" (Son raros y hacen música bien, esta es bonita)
- Club 8 "Close to Me" (Esta es para una niña que conozco)
- Elbow "Fallen Angel" (Y esta es para mi, lo único bueno que hizo por mi "9 Songs")

Buzzcocks "Operators Manual" (Emi, 1991)

2006-08-11T13:22:00.000-07:00

Compilado con lo mejor de los originales punk rockers mancunianos, disfrutable de principio a fin, (si ustedes, como yo, descubrieron este grupo, al igual que otra ingente cantidad de bandas de punk rock, post-punk y new wave, durante sus años de secundaria, sabrán entender la sensación que esto evoca). Donde los Ramones serian los artífices del estilo y del original sonido punk rocker, a la vez que piedra angular de la reinvención del pop dentro de este (al igual que la Velvet lo hiciera en los 60's) para las futuras -actuales- generaciones de indie rockers (de Sonic Youth, Beat Happenning hasta Papas Fritas)... Buzzcocks serian sus mas aplicados y concienzudos sucesores inmediatos, tomando los planteamientos pop de los melenudos, subvirtiéndolo (¡mas!), para lograr su discurso power-pop (alguien se acuerda de otros grupos con esta etiqueta? Cheap Trick no vale), obviamente con más técnica pericia y audacia musical. Sin ellos nanay de diversión, no fun, no punk-pop... si piensas amiguito que grupos de la calaña "neo-punk" como MXPX, Blink 183, NOFX, son originales y divertidos, piénsalo de nuevo.

"Orgasm Addict", "What do I get?", "I don't mind","Fast cars","Fiction Romance" (mi favorita), "Ever fallen in love?" "Everybody's happy nowadays" (life's an illusion love is a dream), (la única canción que echo en falta es "Why can't I touch it?", mi otra favorita)... canciones de obsesiones, himnos onanistas frustración existencial juvenil, romances impotables, alienación. Imperecederos.

Ellen Allien/Apparat "Orchestra of Bubbles" (B-Pitch Control 2006)

2006-08-09T14:30:00.000-07:00

Ellen Allien o en palabras de la propia Miss Kittin, la autentica diva del underground berlines. Apparat niño prodigio de los botones, protegido de Ellen A. Y bueno, un disco que parece fue concebido como ejercicio de estilo y se les fue más allá. Ella, sensibilidad pop, sus breaks y glitchs (su mejor marca), su voz (su segunda mejor marca), dancefloor. El, la facilidad con que se le dan las melodías apacibles aun cuando este estas llenas de glitch y otros ruidos, mesura sobre el ruidismo de otros hacedores de IDM, pero eso, parece, se les da bien a los alemanes. Un trabajo de fácil digestión para quien no aborrece de los sonidos sintéticos, bonito, muy agradable, melódico y con breves instantes para el baile, algo de ese hibrido entre techno y electro (algo que Ellen ya había aproximado en Berlinette, salvo claro, que con breaks) ¿Qué es? Pues los dos..."Retina" (me hizo pensar en Barbara Morgenstern), "Jet"... Eso es.

Una perfecta fusión. La simbiosis sonora se produce a tal nivel, que a ratos es difícil distinguir el aporte de cada quien, pero también quedan momentos donde sobresale uno sobre el otro "Edison" es Apparat tal cual se le conoce, "Do not break" es sencillamente Ellen, que al contrario de lo que reza el titulo del tema, es eso, recordando sus tiempos de b-girl. Quedan entonces las pequeñas joyitas que sobresalen por encima del resto y que se dejan para el final del disco; "Leave me alone" la bonita balada indietronica con voz de Apparat, "Metric" y "Bubbles" esta con voz de Ellen, un excelente cierre.

mix-tape

2006-08-09T14:21:00.000-07:00

Remedo de otra sección que solía elaborar para una prestigiosa publicación underground de la ciudad de Medellín. Nicolas Hornsby puede seguir orgulloso.

"Algo fugaz y un tanto artificial"

- La Prohibida "Flash" (Manifiesto de emancipación, gay si, pero ¿que no todos lo somos?)
- The Beloved "Sweet Harmony" (O como una de las canciones pop con una de las melodías mas seductoras puede tener la letra mas desapasionante... Aun así...)
- Umberto Tozzi "Tu" ("¿Qué te importa mi edad? Soy un tipo extraño...")
- Split Enz "I got you" (la paranoia, ver "L'enfer")
- Vive La Fête "Noir Desir" ("Electrocidad guapachosa")
- Tino Casal "Embrujada" (Toda ex-novia termina igual. Una joyita)
- Kim Carnes "Betty Davis Eyes" (Un amigo mío hasta hace poco juraba que esta era una canción de Rod Stewart)
- Debbie Gibson "Only in my dreams" (... Tal cual. Solo de saxo infame.)
- Alizée "Gourmandises" (No se trata de un producto prefabricado para adolescentes. Es, un producto prefabricado para hombrecitos "hechos y derechos". Para ti y para mí)
- DMX Krew "Come to me" (¿Así o más?)

Pocas palabras- Gran Disco.

2006-07-30T22:19:00.000-07:00

The Legendary Pink Dots. “Under triple Moons”

Recopilación superpirata, superdañina, supergenial, música primitiva adelantada a su época, sin concesiones a nadie, el hágalo tú mismo tiene plena validez en este súper disco, pequeños efectos electrónicos, ambientes lúgubres en pocas palabras: genial- genial- genial.

More Than This.

2006-07-30T22:13:00.000-07:00

The Best OF: Brian Ferry + Roxy Music:

Había escuchado poco de Roxy Music y su líder. Solo tenía como referencia algunos temas y uno que otro videoclip, así que fue toda una sorpresa encontrarme con esta recopilación para tener una idea global de la música del grupo y la posterior carrera solitaria de Brian Ferry.

En los primeros temas encontramos una banda con un estilo primitivo y extraño pero a la vez sofisticado y elegante, algo que se convertiría en marca de la casa, tal vez ayudado por la voz clara y distanciada de Ferry o de la experimentación de los músicos que lo acompañaron en Roxy Music (Brian Eno, Phyl Manzanera, Andy Mackay) todos de formación vanguardista y reconocida trayectoria. El disco avanza, y entre tema y tema se afianza la voz solista de un Ferry sensual y elegante que en Roxy music desplegó similares estrategias que la convirtieron en la banda mas glamorosa de su época, hits como: Dance away, Oh yeah y Avalon son un experiencia de misterio y elegancia dignos de admirar, en resumidas cuentas música muy buena que recomiendo conseguir a todo dar.

PD: sus portadas son de las mejores que conozco.

2006-07-30T08:51:00.000-07:00

Good stuff

Después de una serie de discos con filo new wave, los B-52's fueron, poco a poco, domándose hacia los caminos más pop de los ochenta. Love Shack fue un gran single, pero muy alejado de la medio siniestrez de Rock Lobster, aunque seamos sinceros, los B-52's nunca fueron los Cramps. Y después de una deserción y una partida prematura de esta dimensión, el grupo se encontró incompleto, preparando este álbum, el último que grabaron en estudio. Good Stuff es un disco que me trae muchos recuerdos de adolescencia, así que no puedo ser realmente imparcial con él. Lo único que puedo decir es que es un disco tremendamente divertido, pero no en la vena, como dije, de la diversión macarra de los Cramps, sino en una vena cósmica medio hippie. Mejor dicho, al ver a Kate Pierson con su inmensa peluca y los coloridos trajes de los demás miembros sabemos que es música de una fiesta medio beatniks, medio go-go. Good Stuff contiene algunos números que nunca se grabaron en mi memoria, pero contiene otros tan divertidos que años después de haberlos oído por última vez, me sorprendí recordándolos a la perfección. El disco abre con tres temas excelentes, alegres y pegadizos: Tell it like the T-I is, la delirante Hot Pants Explosion y Good Stuff. El disco decae un poco, pero hacia el final se vuelve a levantar con tres temas como Is that you Mo dean, sobre un tipo que sale a comprar perros calientes y vino, y se encuentra raptado por un ovni que lo devuelve a la tierra 897 años después; Vision of a kiss, no tan divertida pero muy bonita y con la poderosa voz de Kate Pierson; y termina con Bad Influence, igualmente divertida a los temas iniciales. Lejos queda la new wave, pero no el encanto sin sentido, pues además de ser digerible, este disco es bastante bueno. Quizá la única pega sea que las canciones se extienden más de lo necesario, y de los concisos tres minutos pasamos a temas de hasta seis, que acaban, en algunas ocasiones, diluyéndose al llegar a la mitad. Es una pega menor, pero que le resta a la redondez del trabajo.

joyas del pop británico 2.

2006-07-20T01:44:00.000-07:00

Days Of Future Passed. The Moody Blues. (1967).

Uno de los discos culpable del despunte del rock progresivo en todo el mundo.
Dividido de manera conceptual en los momentos del día (dawn, morning, afternoon, night). Es en mi concepto un disco excelente, alejado de los devaneos de estrambóticos sintetizadores o de guitarreos exhibicionistas, es un disco plácido acompañado de una correcta banda sinfónica. Acusado en su momento de pretencioso, lo considero natural y creativo, temas como “dawn-dawn is a felling” o “afternoon” y la archiconocida “nights in white satin” son un ejemplo de la elegancia formal de una propuesta que a posteriori terminaría encerrada en un callejón sin salida (rock progresivo). Un disco elegante y hermoso que sería en mis sueños la banda sonora perfecta para todas las noches solitarias.

Joyas del pop británico.

2006-07-20T01:34:00.000-07:00

mis colegas el doctor calamar y m.a me han reprochado que reseño discos que no me emocionan, la verdad sea dicha, tienen en parte razón, no obstante lo malo, lo bueno y lo feo depende de los ojos con que se mire, aqui van dos ejemplos de música que si me me emociona y que espero compren o quemen donde sus amiguetes.

The Very Best OF 10 CC. 10 CC (1997).

Originarios de Manchester, fue uno de los grupos británicos más interesantes de los años setenta, que junto a la electric Light Orchestra, Supertramp y Alan Parsons entre otros, llevaron su sonido mas allá de las fronteras del Reino unido.

Esta recopilación contiene sus éxitos entre 1971 a 1978, incluidos algunos temas interpretados por el duo que posteriormente formarían Kevin godley & lol creme (godley & creme). En total son 18 excelentes canciones donde encontramos desde baladas, hábil pop y estigmas de art rock. Sus armonías revelan un excelente gusto por los temas melódicos, y una hermosa técnica al componer baladas (i’m mandy fly me, i’m not in love) y no olvidar el especial trabajo de acompañamiento de las voces y la batería eléctrica, que mas que un adorno es una cualidad indiscutible de su música.

Recomiendo hits como: One night in paris (Art Rock de excelente factura), The Wall street shuffle (rock melódico, con excelente acompañamiento vocal), Art for art’s sake (estilo depurado y hábiles guitarras), The things we do for love (excelente balada y nuevamente gran acompañamiento vocal), cry (pop sofisticado, que incluye uno de los videos mas adelantados de la época).

Un disco que debe estar en todas las estanterías de los que aman la buena música.

obituario

2006-07-17T15:10:00.000-07:00

Syd Barret (enero 6, 1946 – julio 7, 2006).

mas Discos, cortesia de Marco.

2006-07-10T22:40:00.000-07:00

Syd Barret “opel “(1994) y “wouldn’t you miss me “(2001).

Syd Barret, héroe maldito o el gran perdedor de la historia del Rock, cualquiera de los dos adjetivos es válido, si se tiene en cuenta su trayectoria. Es difícil que alguno de estos dos discos sea calificado como obras redondas.
Opel es una suerte de recopilatorio con nuevas versiones y algunas otras sin andamiaje y pafernalia sonora, muy acústico y natural (¿?), sin artificios o efectos. Tiene algunos temas interesantes, por ejemplo clowns & jaggers, let’s split y late night, no obstante el disco peca por monótono y aquel que no sea fan de este tipo de música que podríamos definir como un proto-pink floyd descafeinado la verdad se va aburrir bastante.
Wouldn’t you miss me, es una recopilación, se repiten los mismos mecanismos de otros trabajos y al igual que en Opel promediando el disco, la verdad la cosa se pone fofa. Si bien estos trabajos y el estilo musical de Syd Barret aburren y suele ser monotemático tanto en sus temas como en sus armonías, por lo menos se puede decir que es más honesto y correcto que un Bob dylan, aunque eso en estos tiempos tal vez no signifique nada.

Manta Ray “Store” (en concierto), 1998.

Versiones correctas en concierto de temas de compositores modernos, como Nino Rota y Henri Mancini, y una deliciosa versión del “everybodys talkin” de Nilson, hacen de este trabajo una música hipnótica, efectiva que evoca momentos de soledad y serie B, aquel que sea fan del moog y bandas sonoras, encontrará una propuesta refrescante.

Stereolab “margarina Eclipse”, 2004 y “Dots & Loops”, 1997.

Ambos discos son copia la carbón, del mismo concepto, en uno puede haber mas artefactos y menos presencia vocal, pero al final es el mismo resultado, si bien en sus inicios Stereolab utilizó la senda de las guitarras y el Rock sintetizado para llegar a sus fans, desde hace diez años su propuesta se decanto a la música atmosférica con composiciones rítmicas de corte minimalista, y un gran apoyo electrónico. Son discos agradables, pero no imprescindibles. Aunque si tienes la oportunidad de escuchar sus trabajos de manera cronológica, descubrirás una evolución musical coherente e interesante.

2006-06-27T00:32:00.000-07:00

JAPAN. Tin drum. (1981).

Al parecer todo lo que realiza David sylvian es arte, un disco, una instalación, una declaración, su estilo aséptico, ligeramente minimalista, percusiones eléctricas y sintetizadores atmosféricos componen este disco, inspirado en la imaginaría oriental, temas como la siniestra ghosts, o mas divertidos como art of parties o melódicos como vision of china y cantonese boy, hacen de este disco algo interesante, pero sin un hit memorable o imprescindible, lo que da un resultado muy inferior a lo que se espera. Se escucha, y se archiva.

2006-06-24T09:55:00.000-07:00

Ballad of The Broken Seas, Isobel Campbell + Mark Lanegan, 2006

Por un lado está Mark Lanegan, de voz rasposa y proveniente del grupo de épocas grunge Screaming Trees. Por otro lado está Isobel Campbell, ex-integrante de Belle and Sebastian, y poseedora de una voz angelical, suave y aterciopelada. Ambos, después de un casual encuentro, decidieron colaborar en un disco, y el resultado es éste: una bella combinación de dos aparentes polos opuestos que no se une a ninguna moda, que va a lo clásico y que no pretende revolucionar a nadie sino más bien hacerle pasar un rato tranquilo y agradable.

Ballad of The Broken Seas es un disco de guitarras acústicas, sonidos americanos muy folk, mas no country. Es inevitable además, al oír algunas de las letras, pensar en la palabra trovador, y en imagenes de campesinos de otras épocas, villas amigables y muchachas de faldas repolludas y pañuelos en la cabeza. Pero el disco es más que eso y hay desde reminiscencias semi-spaghetti western hasta flirteos con la música de bares llenos de humo y aromas de whisky. Si las primeras canciones dan una sensación sombría, con aires apesadumbrados y dolorosos, poco a poco el disco va evolucionando. A pesar de mantener una misma tónica, no se hace aburrido y logra transitar hacia terrenos más alegres y luminosos sin dejar de lado el espíritu que recorre todo el trabajo. Si bien hay varios temas que se convierten en claros ganadores, como el vals Do you wanna, el precioso Saturday's gone con un exquisito solo de violín, o el tema que adecuadamente pone fin al disco, The circus is leaving town, no hay ningún tema de relleno, y si lo hay, pasa desapercibido como tal.

Un disco que no es para rockear, sino para relajarse una tarde de lluvia y disfrutar de la soledad y el silencio.

2006-06-23T19:35:00.000-07:00

Furious Angels, Rob Dougan, 2002

Si vieron Matrix es muy probable que les hubiera quedado sonando una canción que mezclaba beats al estilo trip-hop con arreglos orquestales. La canción se llamaba Clubbed to death y era compuesta por Rob Dougan, un tipo al que le molesta ser encasillado como autor de música electrónica. Lo cierto es que uno de los artistas favoritos de Dougan es Frank Sinatra, del que le encargaron unos remixes para darles un toque moderno, tarea que le molestó a pesar de haberse hecho cargo de ella, lo que dice mucho de sus verdaderos gustos.

Rob Dougan dice haber aprendido los tejemanejes de la música electrónica como un medio para un fin, y el fin era componer el disco Furious Angels, en donde une sus dotes electrónicas con una orquesta de 84 músicos y un coro de 40 voces. Un proyecto sin duda épico y hasta megalomaníaco, del que sale bien librado, a pesar de que casi se quiebra al pagar él mismo la orquesta a base de remezclas para otros artistas.

El disco Furious Angels es, como dije antes, una mezcla entre su pasión por la música clásica y los adelantos electrónicos. Si bien el disco es bastante uniforme y no se aleja de una temática propuesta desde el principio, la música es muy cinematográfica, con crescendos que emocionan e hipnóticos beats bailables. No estoy tan seguro de que esta música se pueda bailar, pero desde luego oírla sí es una buena experiencia.

Por momentos uno se pregunta si la orquesta, bastante limitada a la hora de crear las melodías y dedicada más a la repetición de segemntos atmosféricos, hubiera podido ser reemplazada por un sintetizador, así como lo hace con bastante éxito Hans Zimmer en sus partituras para el cine, pero la verdad es que el disco gana en grandiosidad al oír una verdadera sección de cuerdas en lugar de una imitación electrónica. Las letras, que hablan de traiciones casi salidas de un film-noir, y la voz rocosa de Dougan, que recuerda a la de Tom Waits por momentos, dan el toque de redondez a un disco que es diferente, aunque no del todo exitoso, por la repetición a la que uno se ve enfrentado después de oír todos sus temas. Aún así, vale la pena, y así parezca este un comentario medio desfavorable, el disco es muy interesante por su capacidad de crear imágenes y sensaciones de cine en el oyente. Se incluye un segundo disco con las versiones instrumentales por si le disgustó la voz de Dougan o para que monte su versión karaoke en casa.