Brett Anderson, Brett Anderson

De entrada al oír el nuevo trabajo en solitario del ex-vocalista de Suede, lo primero que pensamos es en el famoso grupo de britpop. Y cómo no, si su voz tan característica era uno de los sellos indelebles de la banda, el cual se mantiene hasta cierto punto en este trabajo. Sin embargo, musicalmente, las cosas están mucho más alejadas y cualquiera que espere una nueva encarnación de Suede se verá decepcionado y debería buscar más bien en el disco que reunió a Anderson con el guitarrista Bernard Butler, quien abandonó el grupo en plena grabación del Dog Man Star. La banda, llamada The Tears, la comentaré más adelante. Por ahora centrémonos en el trabajo en solitario de Anderson.

Lo primero que se nota nada más abrir el disco, con el tema Love is Dead, es que la época de glam y decadencia de Suede está atrás. Anderson ha pasado por mucho y se refleja en el ambiente de este disco, un trabajo más personal. Arreglos para cuerdas, pocas guitarras, aunque concisas cuando aparecen, muy lejos de la pared de sonido del Dog Man Star, la distorsión del Coming Up, incluso de la sencillez del A New Morning, al que podría acercarse más. Y por supuesto las letras también son diferentes, que ya no hablan de las calles de asfalto o los asientos traseros de los taxis (¿cúantas veces oímos esas palabras en las letras de Suede?). Anderson, rondando los cuarenta, pareciera exorcizar sus penas en este disco, donde no hay mucha fiesta, sino melancólicas reflexiones en forma de baladas. Obviamente no hablamos de baladas cualesquiera, pues aunque el sentimiento pop permea todo el disco, están alejadas de las simples baladas de amor.

Las canciones no son obras maestras, sin embargo se dejan oír muy bien. Lo malo es que oír todo el disco puede ser difícil, pues todas van en la misma dirección. En dosis pequeñas es muy bueno si no se le pide que reinvente el rock o refunde el britpop más de diez años después. Las secciones de cuerda están muy bien puestas y son quizá la mayor sorpresa del disco, aparte de la madurez de las letras. Y por cierto, la voz de Anderson sigue siendo bastante buena. Los días de teatralidad decadente han dado paso a una mayor madurez, pero no por ello ha abandonado las inflexiones agudas que lo caracterizan. Para recomendar, los temas que más me gustaron fueron Love is Dead, con sus cuerdas de fondo; One Lazy Morning, por su tenue línea entre la nostalgia amarga y la calma apacible; Dust and Rain, por la única guitarra fuerte del disco; Scorpio Rising, por su guitarra tristona; The More We Possess, por su sencillo ritmo de vals... Bueno, ahora que lo pienso, sin que me haya puesto los pelos de punta, hay bastantes canciones que valen la pena, y ninguna que quiera saltar.

En últimas, un buen disco, agradable sin ser piedra angular de un nuevo movimiento, el cual intuyo ganará con nuevas escuchas, a medida que el tiempo asocie la música a determinados momentos. Sin canciones realmente malas (algunas gustarán más que otras), cualquiera que haya sido fan de Suede podría darse un paseo por este disco a ver qué tal lo encuentra. Podría llevarse una sorpresa.

Biggest Bluest Hi-Fi, Camera Obscura

Lo normal hubiera sido oír primero Biggest Bluest Hi-Fi, pero el orden en que lo hice, a pesar de tener todos los discos de Camera Obscura en mis manos todos juntos, fue salteado. Y Underachievers Please Try Harder, su segundo disco, causó en mi grata impresión por un lado, pero por otro fue insatisfactorio. Si cada tema se sostenía por separado, al oír el disco completo se echaba en falta más variedad. Irónicamente este defecto se encuentra ausente por completo de este primer disco, Biggest Bluest Hi-Fi.

Producido por Stuart Murdoch y alabado por John Peel, Biggest... es un excelente disco de chamber pop con todas sus virtudes, y por supuesto, defectos. Para algunos será predecible la manera como se desarrollan los temas, sin mucho desafío al oyente, pero es precisamente ese el componente que buscan quienes aman el twee pop y demás vertientes que transitan el mismo camino. Climas agradables, días cómodos y simples, caminatas largas o paseos en bicicleta... A eso es a lo que nos remite este disco. Por supuesto puede sonar a Belle and Sebastian (no sólo musicalmente: las letras también hablan de esa incapacidad de adaptarse a un mundo mucho más extrovertido y cool que uno), pero Camera Obscura se resisten a sonar como meros clones. Ahí están las instrumentaciones clásicas, los arreglos de cuerda, los solos de violines y otros instrumentos... En fin, el disco es tan bueno canción por canción (y aún mejor) que su segundo álbum Underachievers..., añadiendo que se puede oír de principio a fin sin caer en la monotonía.

Aún no cambio a Belle and Sebastian por otro grupo similar, pero si tuviera que hacerlo sería por Camera Obscura en este disco.

En La Corte Del Rey Fripp.- King Crimson.

Una de las bandas mas importantes e influyentes de los últimos 40 años, sin lugar a dudas es King crimson, una banda mítica, duradera, férrea como ella sola, que se ha mantenido en activo gracias a su genio creativo : Robert fripp, un personaje extraño, peculiar, egocéntrico, pero una de las personalidades fundamentales en el devenir de la música de los últimos 40 años. mucho se ha dicho sobre king crimson, inclasificables, progresivos, experimentales, es difícil, realmente ubicarlos o etiquetarlos en un movimiento o género particular, no por algo la banda ha tenido múltiples integrantes y diferentes étapas, cada una con un estilo y actitud musical diferente, pero guiadas siempre de la mano ferrea de Fripp.

En este espacio, comentaré sobre 3 discos fundamentales en la discografia del rey Carmesí, que de una u otra manera marcaron las bases de algunos de sus periodos claramente definidos.

In The court Of Crimson King, (1969).

luego de la terminación del trío Giles, Giles & Fripp, que es algo así como la cuota inicial de lo que sería King Crimson, se confomaría a comienzos de 1969, la que sería la primera formación estable del grupo con: Robert fripp (guitarras), Mike giles (batería), Ian Mcdonald (saxo, mellotron), greg Lake (bajo y voz), peter sinfield (textos y luces). ese mismo año saldría In the court of King crimson, album debut del grupo, y una obra cumbre en toda la expresión de la palabra, unos textos densos, cortantes, dramáticos, acompañados de una música violenta, a ratos triste, a ratos alegre, depresiva a momentos, un disco que representa un universo armonioso pero a la vez distanciado. El disco comienza con la inigualable "21 st Century Schizoid man", un disco que comienza con el indiscutible y poderoso sónido del Mellotron, la voz distorsionada de greg lake, la afilada y cortante guitarra de Fripp y los potentes y violentos saxos de Mcdonald, un tema que parece una montaña rusa, que sube y baja una y otra vez, donde la anarquía parece gobernar todo de manera irremediable; el segundo tema , es mas relajado, "i talk to the wind", donde la voz apaciguada y suave de Lake, se pregunta por la insensibilidad del mundo, acompañada de una buena sesión de flautas e instrumentos de vientos; el tercer tema para muchos es la cumbre del estilo crimson, "epitaph", donde aparece como nunca el estilo mas dramático, y desgarrador de la banda, sazonada como ya es habitual de un épico pasaje de mellotron, el cual sera marca de la casa y que años después tendría su consagración definitiva en el album RED; "moonchild", es un tema donde de nuevo la voz calmada y épica de lake hace eco, acompañada de una armonia fabulosa, que la convierte en un tema maravilloso, los otros 8 mínutos restantes del tema, son cortesía de fripp, quien se despacha con una sesión de guitarreo experimental y de sónidos que culminan la faena de manera muy eficiente, aunque para algunos algo exagerada e innecesaria; el disco finaliza con " The court of crimson king", un tema muy armonioso que podría incluirse como una copia al carbón de epitaph, aunque menos dramática y potente, eso si, el mellotron esta a la orden del día.

Después de semejante obra maestra, continuaron una serie de discos muy interesantes, unos mejores que otros, pero, ninguno despreciable, In the wake of poseidon, lizards y Islands (1970), la que es considerada por algunos como su obra mas cuidada de su primer período. también los cambios de personal fueron constantes, pero siempre los reemplazos, eran músicos de impresionante curriculum y capacidad técnica envidiable: MelCollins, Keith Tippet, Gordon Haskell, andy Mccullogh, Boz williams. luego de Islands, la ruptura entre senfield y fripp, parecia inminente, el egocentrismo de fripp, era demasiado y las relaciones se habían tensionado de una manera que la separación fue la mejor decisión en su momento.

Red, (1974).

A partir de 1972, comenzaría la que sería la segunda étapa de king crimson, una étapa que entre los fans del grupo tal vez sea la más recordada y venerada, a esto puede ayudar el hecho de que fue la formación mas estable tanto por el tiempo de compañia entre sus mismos integrantes como por la aficciones y afinidades de los mismos. Robert Fripp, John Wetton (bajo y voz), Bill Brufford(bateria), acompañados en ocasiones por músicos como David Cross, Mel collins, etc. serían los integrantes fijos de esta nueva formación. luego de un disco con una música, caústica, poderosa y difícil de digerir como fue "lark's tongues in aspic", y un disco en una linea esotérica y dura como fue "starless in bible black", surge el disco que de una manera correcta y magistral cierra el segundo período, el cual fue, Red (1974). Este disco esta poseído por un sónido denso, armonioso, conmovedor, pero sobre todo puro Rock, no quiere decir esto, que el album abandone las estilizaciones que eran comunes en otras épocas, sino, que el grupo se decantó de una manera directa y sin concesiones a una equilibrada y madura línea de rock experimental, llevando hasta sus últimas consecuencias lo que habían plasmado e insinuado en anteriores composiciones, de aqui la diferencia con las bandas progresivas del momento, quienes se entretenían con soliloquios de sintetizador de 20 mínutos e interminables suites, que aunque no carentes de belleza, si podían terminar aburriendo.

El disco se inicia con "red", tema en tono duro y efectivo, con las acostumbradas distorsiones de Fripp y un ampuloso ambiente sónoro; "Fallen angel", es un tema más relajado, donde la voz de Wetton, áspera y dura a la vez, pone unas notas de tranquilidad al torbellino de mellotron y guitarras que se suceden; "one more red nightmare", riffs de guitarra y solidez coceptual; "providence", un tema hermoso, espectral, sacado de un cuento de brujas, con un paraje sonoro, donde la meditación y la instrumentación recrean lo mejor de las pesadillas crimsonianas;" starless", sin lugar a dudas el mejor tema del disco, que se inicia con una textura suave, sencilla y magistral, llena de toda la sutileza, de los grandes temas del rock, hermoso solo de saxos, y la guitarra de Fripp, contenida, reprimida, no por no querer estallar en violencia, sino por contener una amplitud sonora de difícil control, el mellotron, obvio, se hace presente, y por definición, el último tema del grupo cierra una étapa gloriosa y también tal vez su composición más homogénea y perfecta.

6 años, sucedieron, para que la mente del rey carmesí decidiera volver a revivir a los King Crimson, la espera no fue en vano, en 1981, saldría discipline, de la serie de tres albumenes que se grabarían con la nueva formación, que aun hoy con algunos cambios de personal todavía se mantiene.

Discipline, (1981).

la nueva formación serían: Adrain belew (guitarras y voz), Tony Levin (bajo), bill Brufford (batería) y obviamnete Fripp en las guitarras. a partir de esta nueva formación sería interesante observar como el grupo en sus próximos discos intenta desarrollar apartir de unas armonias sonoras, todo el discurso de sus albumnes en si, es asi, como en este disco, los estilos y armonias se repiten de manera casi imperceptible pero consistente en todos los temas, uno podría suponer que esto restaría sorpresa y lo haría un album repetitivo, pero por el contario, lo que crea es un sónido mas conciso, eféctivo y directo, no tan espectacular y arriesgado como en las otras formaciones y discos, pero sin lugar a dudas un sónido interesante y para nada despreciable.

"elephant talk" y "frame by frame", son temas con una constante sonora muy perceptiva, con un formato de canción, con un sónido que intenta no ser complicado para poder llegar a mas oyentes, no obstante, son dos muy buenos temas de rock;"Matte Kudasai", el mejor tema de todo el disco, con un sónido cadencioso que rememora pasajes lejanos y la voz sútil y estirada de Belew, lo convierten en un tema digno de recordar; "indiscipline", anarquía sonora, las frases se repiten, cortantes, y la guitarra explosiva de fripp se despacha con todo su furor, no hay conseción a nadie, como contracorriente el último track del disco es "discipline", un tema mas calmado, con una progresión y estructura que ha estado presente en todo el disco, a diferencia de "indiscipline", la calma conceptual es mas evidente, hay una estructura organizada y todo parece estar controlado hasta el más mínimo detalle; los otros 2 temas, " Thela hun Ginjeet" y "The Sheltering sky", refuerzan la capacidad vocal de Belew y la estructura organizativa, que tan pacientemente Fripp ha tejido en este disco. Discipline, fue le primero de los tres discos de esta nueva foramción y tal vez el mejor, eso no quiere decir que Beat (1982), y Three of a perfect pair(1984), sean discos prescindibles, mas bien, el primer disco reune lo mejor de esta étapa y eso ya de por si es un valor agregado muy alto.

hasta aquí llega la historia de hoy, no todo ha terminado en la historia del Rey fripp y su banda, aun continua sacando discos, como por ejemplo el Power to believe (2003), y múltiples colaboraciones y projectos, en fin, pero esa será otra historia para otro momento.

Procol Harum.

Procol Harum. " A whiter Shade of Pale". (1967).

A partir del año 1967, en el Reino Unido, muchas de las bandas comenzaban a realizar despuntes importantes, influenciados por el beat, el sinfonismo, el rhythm & blues y porque no con la mixtura del sónido "Beatles", obviamente sin el carisma de los 4 de liverpool, pero, con mucha mas técnica, muchas de las bandas amalgamaron varios de estos conceptos y conformarian lo que mas adelante sería la base del rock progresivo o sinfónico.

The Paramounts, una banda sin suerte se acaba en 1966, y es en 1967, cuando su vocalista y ex-lider Gary Brooker forma en dicho año el núcleo de Procol Harum. la banda combinaba en sus discos toques de Rhytm & blues, beat británico y una liricas con una línea melancólica bastante apreciable, la cual es secundada indiscutiblemente por la voz rasposa y oscura de Brooker.

Ojo, los Procol Harum, no son, Rock Progresivo, son un banda que experimentaron con la música que en esa época se tocaba en el Reino unido; cabe destacar que esta mezcla de sonidos estuvo reforzada por la utilización de dos instrumentos fundamentales, y que consagrarían al grupo y a la mayoría de las bandas de la época, el piano y el órgano Hammond, el cual era interpretado con solvencia por Mathew Fisher. Es la utilización de dicho instrumento el que les dió la fama y el éxito más importante de la banda y a la par unos de los discos mas vendidos de todos los tiempos, " A whiter shade of Pale", el tema surgió luego de readaptar una cantata de Bach, y acompañada del órgano ceremonial de Fisher, y la voz triste y melancólica de Brooker, que acompaña de manera magistral al tema; como dato curioso el tema fue lanzado como single y no fue incluído inicialmente en el disco original, pero, al observar el inminente éxito de ventas, se incluyó como primer corte del album.

El resto del disco, es un compedio de buen rock británico, "conquistador", es una pieza alegre, rítmica, intuitiva, considerada por algunos como un clásico del género Beat; las piezas como "something follow me" y "cerdes", dan paso a un estilo melancólico, apoyadas por el piano y un punteo de guitarra sobre todo en "cerdes", que refuerza lo mejor del blues británico; hay temas más alegres como "she wandered through the garden fence", y sin lugar a dudas unos de los temas instrumentales mas importantes de la banda y que finaliza el disco, "repent Walpurgis", un prodigio instrumental del órgano Hammond, donde uno se puede llegar a sentir impresionado por la dosis de romanticismo y belleza que el tema en si despliega. Un disco bastante curioso, por la cantidad de influencias musicales que confluyen en 11 temas y recomendao a aquellos amantes de un instrumento fundamental de aquella época: el órgano Hammond.

Edward Artemyev. metamorphoses. (1980).

La música del compositor ruso, Edward Artemyev, no ha sido muy difundida, y a mas de uno, el nombre le debe sonar extraño, no obstante, Artemyev es uno de los compositores electrónicos mas prolíficos de su país, ha colaborado en un centenar de bandas sonoras, compuso la cantata de los juegos olimpicos de Moscú en 1980, y además, es muy recordada su colaboración con el cineasta ruso Andrey Tarkovsky (Solaris, The mirror, Stalker). comenzó a componer música electrónica a principios de los años sesenta, y apartir de la segunda mitad de los setenta introduce en sus obras formas clásicas, las cuales se acompañan de una buena dosis de sintetizadores análogos, Sampler y moog.

Metamorphoses (1980), es un trabajo, que sin duda, sonará a muchas cosas, puede ser parecido a la música electro comercial de jean michel jarre, pero no es tan artificiosa; podria sonar a Tomita, pero a diferencia del japonés, artemyev, no se limita a transcribir una partitura con instrumentos electrónicos, el se encarga de reformularla, creando una obra similar pero nunca despreciable o aburridora; sonaria a Tangerine Dream, pero sin el esquematismo conceptual y la improvisación propia del trío alemán.

Lo importante de esta serie de trabajos cósmicos-electrónicos, es la capacidad de rememorar sonidos, de transportarte a parajes desolados, o a semejar un viaje en el espacio, por eso, la obra de Artemyev es de real importancia, no se amaña con un sonido y no se entrega al minimalismo fácil (algo típico de este tipo de compositores), en un disco puedes experimentar diferentes ambientes y todos igual de plácidos.

Amplio recomendado, a los amantes de la música electrónica los encontraran fascinante, eso si, el disco es bien difícil de conseguir (me he tenido que contentar con solo 5 cortes del disco), de hecho no esta en el catálogo de Amazon, y los títulos de los temas estan en ruso, así que es difícil identificar un tema en particular. Aún con sus dificultades de acceso, la música de artemyev debería conocerse mas por estos lares.

Colours are brighter

Esto me pareció bonito, gracioso, interesante y apropiado para El Club de los Discos. Snow Patrol, Franz Ferdinand, Belle and Sebastian, Four Tet y más, tocando canciones para niños. Visiten el sitio, oigan las canciones online, jueguen y coloreen muñequitos.

Transatlanticism, Death Cab for Cutie

Hay discos tristes y luego está Transatlanticism de Death Cab for Cutie. Siempre podrá argumentarse que es una opinión personal, formada porque lo oí en un muy mal período de mi vida, pero volviéndolo a oír no puedo evitar pasarlo un poco mal. Y bueno, ¿para qué quiere uno ponerse mal? Pues no sé, pero el disco es tan emotivo, tan bonito, y tan desesperanzador, que uno no logra escapar de él. Así que cuidado. Claro, si uno se identifica con las letras, si no, pues será otro disco de tipos lamentándose, pero las letras de Ben Gibbard son terriblemente cercanas, incluso cuando no hayas vivido lo que ellas narran.

Hay un par de momentos de alegría, pero lo que caracteriza al disco son las dolorosas historias de amores fracasados. Title and Registration, Lightness y A Lack of Color son tres historias de despecho, cargadas de imágenes sugestivas, que te hacen pensar en instantes de lo que podría ser una película, no porque narren una historia per se, sino porque comunican muy bien esos sentimientos de impotencia y tragedia que acompañan a una ruptura que no se vió venir. La estrella del disco es Transatlanticism, casi ocho minutos de calma seguidos por un crescendo que no lleva a ninguna parte. Y Tiny Vessels, sobre lo que se siente cuando te das cuenta de que te mentiste y la chica con la que estás no te importa en realidad, también figura entre los temas fuertes.

Otros temas menos importantes, pero igualmente interesantes añaden al disco momentos de melancolía, aunque no ablen necesariamente de tristeza. Passenger Seat, por ejemplo es sobre una pareja que conduce de regreso a casa en una noche tranquila; We Looked Like Giants rebosa angustia adolescente vista desde lo lejos; Death of an Interior Decorator, más animada, pero igualmente suave, tampoco escapa a una cierta tristeza que transpira todo el disco.

En general, Transatlanticism es un disco bonito, doloroso a veces, con letras muy bien escritas, que retratan momentos y sentimientos casi como una fotografía que captara un poco del alma del sujeto. Con instrumentación sencilla (guitarras, bajo y batería, y nada más), la producción le da un sonido distinto, bastante espacioso en algunos temas, que lo hacen sonar, afortunadamente, diferente de cualquier grupito indie sin pretensiones. Buena escucha, pero a tener cuidado con lo que pueda despertar dentro de uno si no se es cauteloso.

PS. No es la mejor reseña, pero lo estaba oyendo y me pareció bien escribir algo sobre él, así que ahí disculparán.

Neon Bible, Arcade Fire, 2007

Ya se ha visto varias veces: un grupo saca un primer disco genial, es una sensación, y luego... se desinfla. Una de dos: o sigue por los mismos trillados caminos sin sorpresa que había planteado en su primer disco, o si no, cambia de dirección dejando a todo el mundo perplejo. ¿Qué pasaría con Arcade Fire?

Funeral, ese magnífico primer disco de la agrupación canadiense, rebosaba angustia adolescente, sin caer en las estúpidas trivialidades emo de sonidos más que trillados. Lleno de sinceridad, de una sensación de apremio, y por supuesto de una musicalidad a prueba de balas, con arreglos inusuales a composiciones que podríamos calificar de post punk barroco, el disco es uno de mis favoritos y aunque no me encantan todas las canciones, las que sí lo hacen me parecen sencillamente geniales. Ojo, me gustan todas, pero unas me encantan. No tiene tema malo.

Neon Bible, su nuevo disco, tiene un sonido típicamente Arcadefire-iano, aunque ha evolucionado hacia otros caminos. Primero, las sensación adolescente desaparece, y queda un desespero más maduro, aunque no plenamente adulto. Crisis de fe, dudas ante la existencia de Dios aunque pleno reconocimiento de una búsqueda espiritual que lo incluya, desconfiando de las religiones establecidas por su estado actual, así como ataques al consumismo, a la guerra, son algunos de los mensajes que pueden intuirse en las letras de las canciones de Neon Bible. Y digo intuirse porque son bastante crípticas, y en lugar de narrar historias, lo que hacen es crear sensaciones extrañas, no plenamente identificadas, que se quedan adentro aunque el intelecto no acabe de entenderlas. Hay tanto de pesimismo como de optimismo en el disco, que no es tan divertido, sino algo más denso. Y no es de extrañar el tema religioso si tenemos en cuenta que fue grabado en una iglesia, escenario también de algunos de sus primeros toques promocionales. Y sí, es que hay una sensación gótica en el ambiente. Gótica que no goth, eso sí. Musicalmente hay, como digo, una evolución, porque el grupo tiene un sonido algo más denso ahora, aunque sigue la misma estela barroca que lo ha caracterizado. Órganos de iglesia, cuerdas, alguna orquesta de Europa del este... todo lo que esperaríamos del grupo, y más, así que a los oídos hay sorpresas. Sorpresas eso sí, que esperábamos de ellos.

¿Y el disco es bueno, o qué? Tengo que decir que aún lo estoy digiriendo, porque no es ni fácil ni golpea de una como lo hizo el primero. Las expectativas tan altas le hacen daño, es verdad. Si fuera un disco de cualquier banda, sería genial, pero es que después de Funeral, el listón estaba altísimo y de primerazo uno se da cuenta de que Neon Bible no es Funeral. Pero poco a poco se va entendiendo como lo que es: un gran disco que hay que apreciar con calma, oír con atención, y en últimas aprender a descifrar. Es mejor un trabajo que se tarde en digerir, pero que al final quede como algo valioso, a uno que impacte y se queme prontamente sin trascendencia. Y Arcade Fire no es de los grupos que hace discos como los últimos.

Aunque haya necesitado darle varias oídas para cogerle del todo el gusto, Neon Bible es un disco excelente, intenso, emotivo, y en definitiva, de nuevo sin temas de relleno, y muy, muy por encima que casi cualquier cosa que haya oído últimamente. Ahora mismo lo estoy oyendo y me convenzo cada vez más de ello. No será Funeral, pero rayos, es muy, muy bueno.