Edward Artemyev. metamorphoses. (1980).

La música del compositor ruso, Edward Artemyev, no ha sido muy difundida, y a mas de uno, el nombre le debe sonar extraño, no obstante, Artemyev es uno de los compositores electrónicos mas prolíficos de su país, ha colaborado en un centenar de bandas sonoras, compuso la cantata de los juegos olimpicos de Moscú en 1980, y además, es muy recordada su colaboración con el cineasta ruso Andrey Tarkovsky (Solaris, The mirror, Stalker). comenzó a componer música electrónica a principios de los años sesenta, y apartir de la segunda mitad de los setenta introduce en sus obras formas clásicas, las cuales se acompañan de una buena dosis de sintetizadores análogos, Sampler y moog.

Metamorphoses (1980), es un trabajo, que sin duda, sonará a muchas cosas, puede ser parecido a la música electro comercial de jean michel jarre, pero no es tan artificiosa; podria sonar a Tomita, pero a diferencia del japonés, artemyev, no se limita a transcribir una partitura con instrumentos electrónicos, el se encarga de reformularla, creando una obra similar pero nunca despreciable o aburridora; sonaria a Tangerine Dream, pero sin el esquematismo conceptual y la improvisación propia del trío alemán.

Lo importante de esta serie de trabajos cósmicos-electrónicos, es la capacidad de rememorar sonidos, de transportarte a parajes desolados, o a semejar un viaje en el espacio, por eso, la obra de Artemyev es de real importancia, no se amaña con un sonido y no se entrega al minimalismo fácil (algo típico de este tipo de compositores), en un disco puedes experimentar diferentes ambientes y todos igual de plácidos.

Amplio recomendado, a los amantes de la música electrónica los encontraran fascinante, eso si, el disco es bien difícil de conseguir (me he tenido que contentar con solo 5 cortes del disco), de hecho no esta en el catálogo de Amazon, y los títulos de los temas estan en ruso, así que es difícil identificar un tema en particular. Aún con sus dificultades de acceso, la música de artemyev debería conocerse mas por estos lares.

Colours are brighter

Esto me pareció bonito, gracioso, interesante y apropiado para El Club de los Discos. Snow Patrol, Franz Ferdinand, Belle and Sebastian, Four Tet y más, tocando canciones para niños. Visiten el sitio, oigan las canciones online, jueguen y coloreen muñequitos.

Transatlanticism, Death Cab for Cutie

Hay discos tristes y luego está Transatlanticism de Death Cab for Cutie. Siempre podrá argumentarse que es una opinión personal, formada porque lo oí en un muy mal período de mi vida, pero volviéndolo a oír no puedo evitar pasarlo un poco mal. Y bueno, ¿para qué quiere uno ponerse mal? Pues no sé, pero el disco es tan emotivo, tan bonito, y tan desesperanzador, que uno no logra escapar de él. Así que cuidado. Claro, si uno se identifica con las letras, si no, pues será otro disco de tipos lamentándose, pero las letras de Ben Gibbard son terriblemente cercanas, incluso cuando no hayas vivido lo que ellas narran.

Hay un par de momentos de alegría, pero lo que caracteriza al disco son las dolorosas historias de amores fracasados. Title and Registration, Lightness y A Lack of Color son tres historias de despecho, cargadas de imágenes sugestivas, que te hacen pensar en instantes de lo que podría ser una película, no porque narren una historia per se, sino porque comunican muy bien esos sentimientos de impotencia y tragedia que acompañan a una ruptura que no se vió venir. La estrella del disco es Transatlanticism, casi ocho minutos de calma seguidos por un crescendo que no lleva a ninguna parte. Y Tiny Vessels, sobre lo que se siente cuando te das cuenta de que te mentiste y la chica con la que estás no te importa en realidad, también figura entre los temas fuertes.

Otros temas menos importantes, pero igualmente interesantes añaden al disco momentos de melancolía, aunque no ablen necesariamente de tristeza. Passenger Seat, por ejemplo es sobre una pareja que conduce de regreso a casa en una noche tranquila; We Looked Like Giants rebosa angustia adolescente vista desde lo lejos; Death of an Interior Decorator, más animada, pero igualmente suave, tampoco escapa a una cierta tristeza que transpira todo el disco.

En general, Transatlanticism es un disco bonito, doloroso a veces, con letras muy bien escritas, que retratan momentos y sentimientos casi como una fotografía que captara un poco del alma del sujeto. Con instrumentación sencilla (guitarras, bajo y batería, y nada más), la producción le da un sonido distinto, bastante espacioso en algunos temas, que lo hacen sonar, afortunadamente, diferente de cualquier grupito indie sin pretensiones. Buena escucha, pero a tener cuidado con lo que pueda despertar dentro de uno si no se es cauteloso.

PS. No es la mejor reseña, pero lo estaba oyendo y me pareció bien escribir algo sobre él, así que ahí disculparán.

Neon Bible, Arcade Fire, 2007

Ya se ha visto varias veces: un grupo saca un primer disco genial, es una sensación, y luego... se desinfla. Una de dos: o sigue por los mismos trillados caminos sin sorpresa que había planteado en su primer disco, o si no, cambia de dirección dejando a todo el mundo perplejo. ¿Qué pasaría con Arcade Fire?

Funeral, ese magnífico primer disco de la agrupación canadiense, rebosaba angustia adolescente, sin caer en las estúpidas trivialidades emo de sonidos más que trillados. Lleno de sinceridad, de una sensación de apremio, y por supuesto de una musicalidad a prueba de balas, con arreglos inusuales a composiciones que podríamos calificar de post punk barroco, el disco es uno de mis favoritos y aunque no me encantan todas las canciones, las que sí lo hacen me parecen sencillamente geniales. Ojo, me gustan todas, pero unas me encantan. No tiene tema malo.

Neon Bible, su nuevo disco, tiene un sonido típicamente Arcadefire-iano, aunque ha evolucionado hacia otros caminos. Primero, las sensación adolescente desaparece, y queda un desespero más maduro, aunque no plenamente adulto. Crisis de fe, dudas ante la existencia de Dios aunque pleno reconocimiento de una búsqueda espiritual que lo incluya, desconfiando de las religiones establecidas por su estado actual, así como ataques al consumismo, a la guerra, son algunos de los mensajes que pueden intuirse en las letras de las canciones de Neon Bible. Y digo intuirse porque son bastante crípticas, y en lugar de narrar historias, lo que hacen es crear sensaciones extrañas, no plenamente identificadas, que se quedan adentro aunque el intelecto no acabe de entenderlas. Hay tanto de pesimismo como de optimismo en el disco, que no es tan divertido, sino algo más denso. Y no es de extrañar el tema religioso si tenemos en cuenta que fue grabado en una iglesia, escenario también de algunos de sus primeros toques promocionales. Y sí, es que hay una sensación gótica en el ambiente. Gótica que no goth, eso sí. Musicalmente hay, como digo, una evolución, porque el grupo tiene un sonido algo más denso ahora, aunque sigue la misma estela barroca que lo ha caracterizado. Órganos de iglesia, cuerdas, alguna orquesta de Europa del este... todo lo que esperaríamos del grupo, y más, así que a los oídos hay sorpresas. Sorpresas eso sí, que esperábamos de ellos.

¿Y el disco es bueno, o qué? Tengo que decir que aún lo estoy digiriendo, porque no es ni fácil ni golpea de una como lo hizo el primero. Las expectativas tan altas le hacen daño, es verdad. Si fuera un disco de cualquier banda, sería genial, pero es que después de Funeral, el listón estaba altísimo y de primerazo uno se da cuenta de que Neon Bible no es Funeral. Pero poco a poco se va entendiendo como lo que es: un gran disco que hay que apreciar con calma, oír con atención, y en últimas aprender a descifrar. Es mejor un trabajo que se tarde en digerir, pero que al final quede como algo valioso, a uno que impacte y se queme prontamente sin trascendencia. Y Arcade Fire no es de los grupos que hace discos como los últimos.

Aunque haya necesitado darle varias oídas para cogerle del todo el gusto, Neon Bible es un disco excelente, intenso, emotivo, y en definitiva, de nuevo sin temas de relleno, y muy, muy por encima que casi cualquier cosa que haya oído últimamente. Ahora mismo lo estoy oyendo y me convenzo cada vez más de ello. No será Funeral, pero rayos, es muy, muy bueno.

Una deuda pendiente.

Returno to Cookie mountain. Tv on The Radio. (2006).

ya en dias pasados habia reseñado el primer trabajo de los tv on the radio, donde apreciaba el hecho de tomar importantes influencias musicales y fusionarlas en un sónido que pareciera nuevo, sin necesariamente serlo, esto genero una pequeña polémica con mi colega de blog m.a quien me decia que debería escuchar su trabajo del año pasado para darme cuenta de lo que esta banda podia realizar, pues bien dispuesto a comprobar si lo que se me habia prometido era cierto decidí escuchar el trabajo y escribir mi apreciación sobre el mismo:

para empezar tengo que reconocer que habia cierta prevención frente al trabajo y mi primera escucha no fue la mas objetiva, asi que le di una segunda y tercera oportunidad, e inmediatamnete comprendi que el trabajo en cuestión presentaba cierta dificultad para acceder a su sonido, es decir , los tv on the radio siguen en su linea de tomar influencias y sazonarlas con sus coros y su particular composición, pero y aquí el secreto del asunto, el disco plantea una madurez conceptual, una profundización sobre el estilo de la banda que hace que no me sea fácil entender como el grupo ha evolucionado de una forma tan sencilla pero a la vez compleja, en su anterior trabajo era relativamente sencillo decir esta canción se parece a tal cosa y tal otra, o este sónido se me hace familiar a..., pero aquí no, reconozco cosas pero la verdad no se me es tan fácil como antes, y ahora bien si han madurado, y han logrado crear un sonido mas propio es gracias precisamente ha que esta vez son mas ellos mismos y no retazos de otros, obviamente esto puede generar dificultad en acceder al gran público de hecho no creó que sea un grupo de grandes masas, ni mucho menos con este disco lo van a lograr, pero lo mas importante para mi como melómano que soy es escuchar como un grupo se reinventa a si mismo sin necesidad de venderse o colocarse una etiqueta de moda.

los temas estan muy bien, los hay accesequibles: i was a lover, walk like me, o experimentales como tonight, o la bateria incesante de let the devil in, y el tema que mas me conmovió la espectacular "dirty Whirlwind", me imagino este temazo tocado en un pub, con una cerveza en la mano y tarareandola de palmo a palmo.

si m.a tenias razón una de los mejores discos del 2006, tan bueno que creó y espero equivocarme que tal vez los tv on the radio no se puedan ya superar a ellos mismos.

PORTADAS FAVORITAS- CUARTA ENTREGA. BLUE NOTE RECORDS.

Blue Note Records es un sello discográfico fundado en nueva York en 1939 por alfred lion, el cual se especializó en música jazz y soul, su mejor época fueron las decadas de los años cincuentas y sesentas; fue el lugar de grabación de los primeros discos de gente como herbie Hancock, Chick corea, jimmy smith, joe Henderson, Lee Morgan. El diseño de sus portadas estaba a cargo de Reid Miles y el fotógrafo Francis wolff. un estilo diferente a lo ya mostrado por hipgnosis pero igualmente satisfactorio, he aqui algunas portadillas y no olviden sus comentarios y votar y votar una y otra vez por su preferida.


Down home style. Brother Jack Mcduff. (1969).

patrulla gastrónomica, round 4, no creó que dr calamar se apunte, ji, ji, ji.

Merry ole soul. Duke pearson. (1969).

A esos juguetes si me apunto, aunque conceptualmente hay algo que no funciona.

That healin' feelin'. Horace Silver. (1970).

no se porque no me dan ganas de irme a leer las cartas...

Black pearl. Jimmy Mcgriff. (1971).

demasie..., en serio, demasie...

PORTADAS FAVORITAS- TERCERA ENTREGA.HIPGNOSIS.

Hipgnosis fue un estudio de diseño especializado en crear portadas de discos de Rock, fundado a finales de los años sesentas su primera portada fue para Pink Floyd en el "A saucerful of secrets" y después de esta siguieron muchas mas hasta mediados del año 1983, donde finalmente el estudio se deshace, los diseños de tan emblemáticas portadas estaban a cargo de: Aubrey Powell, Peter Christopherson y su fundador y genio creativo Storm Thorgerson, los temas de las portadas describen arte conceptual, aridez estética, provocación sexual y mitos profanos.

A Saucerfull of secrets. Pink Floyd.(1968).

la primera, siempres es ley...

Tightly Knit. Climax Blues Band. (1971).
algún comentario....

Savage eye. Pretty Things. (1975).
de las múltiples portadas de ojos, creó esta es la que mas me impacta, sencilla pero atrayente.

Force it. UFO. (1975).

Que puedo decir ?

Jump on it. Montrose. (1976).

curvas y lineas que confluyen a un solo lugar donde muchos quieren llegar en noches solitarias y no tan solitarias.

Tormato. Yes. (1978).

el torso de un mago, un color azulado y un tomate estrellado, a mi me gusta, no es de las emblemáticas pero ahi esta. según se cuenta el tomate fue cortesia de Rick Wakeman como una forma de mostrar su inconformidad con el resultado final del disco.

Difficult to cure. Rainbow. (1980).

mi preferida entre todas, asepsia médica, aridez conceptual mas nunca pobreza.

Peter Gabriel 3. peter Gabriel. (1980).

alguna vez Gabriel explico como se degrado su imagen de manera accidental con el borrador de un lapiz, bueno este es el resultado, por otro lado el trabajo en solitario mas equilibrado y completo del ex-genesis.

PORTADAS FAVORITAS- TERCERA ENTREGA.HIPGNOSIS.

The Crane Wife, The Decemberists, 2006

Luego de Picaresque, ese disco lleno de teatro y literatura, The Decemberists firmaron con una compañía de las grandes. ¿Qué vieron en Capitol para fichar a este grupo de gente rara que compone canciones de diez minutos sobre marineros? Bueno, la pregunta sería: ¿Se vendieron los Decemberists? ¿Se volvieron asquerosamente comerciales e hicieron concesiones? Y algunos pueden decir que sí, pero yo diría que simplemente evolucionaron hacia donde naturalmente apuntaban. Pero no faltarán los que se sientan traicionados, igual que los que rechazaron The Life Pursuit de Belle and Sebastian porque no les sonaba a Tigermilk. Y la comparación no es gratuita, porque si los Decemberists tocaban antes un folk rock mezclado con pop de cámara, ahora se van decididamente hacias el pop, dejando un poco de lado el folk y experimentando con los sonidos setenteros entre ellos, ¿el rock progresivo?. Sí, así es. Y el resultado es estimulante. La esencia del grupo permanece intacta, con sus letras que cuentan historias bien literarias, con detalles de otras épocas, sin embargo el sonido se mueve un poco hacia otras tierras. Y la cosa funciona.

The Crane Wife comienza con un pegajosísimo tema llamado The Crane Wife 3, donde se cuenta una parte de una bella leyenda japonesa, que luego se desarrollará en el tema The Crane Wife 1 &2. Buen pop para comenzar. A continuación vienen más de doce minutos de rock progresivo, con buenos teclados setenteros (señor Berlin, usted sabe más de esto que yo, y sí, sé que le debo la reseña del disco de Genesis y el de King Crimson), en un tema compuesto por tres segmentos, de letras estilizadas y oscuras, casi salidas de algún libro de relatos de Ambrose Bierce. Hay más prog rock, más pop, y hasta un guiño a su estilo de antaño, con una balada sobre un grupo de asesinos de niños (The Shankill Murderers).

No, The Decemberists no se han vendido. ¿O es que alguien cree que temas de más de diez minutos, con influencias folk y de rock progresivo venden? No, el grupo sigue su propio camino sin hacer concesiones, variando su sonido y enriqueciéndolo con lo que les sirva. Atrás queda el puro folk, pero una cosa se mantiene: Colin Meloy sigue escribiendo unas letras maravillosamente indescifrables si no es a punta diccionario.

portadas favoritas- segunda entrega.

Esta vez es mi turno, elegí el rock progresivo como tema de las portadas, aqui mi selección

Thick as a brick. jetro tull. (1972).
es ingenioso, una portada que sea la primera página de un periodico, y eso que jetro tull a mi no me llega...

The lamb lies dies down on broadway. genesis. (1974).

un disco con una música que no ha envejecido bien, pero la portada es extraña, parece de libro de enseñanza primaria de los setenta, a mi me gusta.

In the court of King Crimson. King crimson. (1969).
disco fundamental de la historia del rock, una obra maestra indiscutible, y una portada que se extiende mas allá de si misma, me encanta.

in the wake of poseidon. king crimson. (1970).

un popurri de personajes, cada cual mas extraño, mitológico y mágico. bien puede ser la portada del próximo cinema zombie.

The hangman's beautiful daughter.The incredible string band. (1968).

no tengo idea de que va el disco, pero que bonito tener una foto familiar asi.

The sounds. “ dying to say this to you”. (2006).

La cosa es sencilla y entretenida, un grupo pop con algo de actitud punk, un sonido moderno, fácil, asimilable, no es una música que habla de grandes historias o que se desmelene por el virtuosismo técnico, es algo mas como un divertimiento pero eso si muy bien producido, no por nada hay nombres importantes detrás de esta empresa: jeff saltzman, James Iha (smashing pumpkins); el atractivo extra de esta banda lo pone su lider la cantante Maja Iversson, a la que le han acusado de copiar el estilo de ciertas cantantes del pop de los ochenta, lejos de esta polémica lo cierto es que el disco alcanza cierta diversidad en las melodías muy apreciable lo que hace de este trabajo un disco que en ningún momento aburre, temas como: don’t want to hurt, night after night, painted by numbers o ego son prueba de ello, recomendado para aquellos que crean mas en la frescura del pop adolescente que en el corrosivo rock adulto.

Picaresque, The Decemberists, 2005

A veces, cuando llega a mis manos un disco nuevo, me cuesta encontrar de qué trata exactamente, y sólo cuando leo sobre él, cuando pasa cierto tiempo y capto su onda, o cuando me formo una imagen mental de cómo puede ser su estética (no cómo visten sino a qué se parece lo que dicen), entonces me empieza a gustar. Ese pudiera haber sido el caso de The Decemberists. Normalmente me hubiera demorado más en aceptar su propuesta, pero cuando leí en una crítica cómo era el grupo, ahí sí que se despertó mi curiosidad. Y es que The Decemberists tiene tanto de banda de rock como de troupe teatral. Su música, una imposible combinación de folk-rock, con pop de cámara y muchas cosas más, tiene una definitiva influencia de los cuentos victorianos, de marineros, y temas muy literarios.

Picaresque, el disco que nos ocupa, puede calificarse de teatral en el mejor sentido de la palabra. Su carátula no es gratuita, y desde el primer tema, The Infanta, nos damos cuenta de que a este grupo le interesan cosas diferentes. Su música es muy buena, pero es en las letras donde se apartan de la normalidad. Es como si un grupo de nerds, aficionados a disfrazarse en las ferias medievales, a leer todo el día elegante literatura inglesa, y a inventar historias fantásticas en sus diarios, se hubiera reunido para armar un acto. Y esto pudiera haber sido peligroso, pero demuestran buen gusto, talento, elegancia y unas referencias impecables. Las letras son particularmente literarias, y si no me creen, traten de leer alguna sin tener que acercarse a un diccionario.

El disco está casi ausente de material de relleno (hay alguna canción no tan buena, pero nunca mala), y algunos temas son casi normales (para lo que este grupo logra hacer), como Sixteen Military Wives o The Sporting Life, pero es cuando se acercan a su faceta teatral que el grupo alcanza los mejores momentos. We Both Go Down Together, un bella y cruel historia de amantes suicidas en Dover, Eli, The Barrowboy, otra triste historia de amantes separados por la muerte, o The Engine Driver son los temas más afortunados del disco. Eso sí, la majestuosa The Mariner's Revenge merece comentario aparte. Casi nueve minutos de una larga historia de venganzas, madres tuberculosas y vida en el mar contada desde el vientre de una ballena, la canción es casi la banda sonora de una pequeña obra de teatro musical. Casi pueden verse los escenarios y las imágenes donde transcurre el cuento, y si además se incluyen ciertos efectos de sonido, pues ya no podemos sino reafirmar la tendencia escénica de la banda, la cual debe ser un placer ver en vivo. La coda frenética con ritmos marineros y acordeones bailables es infecciosa y pone fin al mejor tema del disco.

Un excelente disco, para todo aquél que guste de un poco de fantasía, psicodelia (en algún momento los compararon con Neutral Milk Hotel), teatralidad, literatura... y la vida en el mar.

De todo un poquito (clasic).

Led zeppelin. In through the out door (1979).

Led Zeppellin es indudablemente uno de los grupos punteros sino el mas de los años setenta, hijos del Beat británico, amantes del folk, la sicodelia y el rock duro no es de extrañar que sea una página fundamental de la Biblia del Rock de todos los tiempos, en este su último trabajo en estudio la despedida final era algo inminente la cual fue precipitada por la muerte de su baterista John Bonham. No creó que a muchos fans del grupo les agrade realmente este trabajo, ya que se aleja radicalmente del estilo que la banda impuso en sus primeras salidas y trabajos, pero a mi me gusta, hay temas como “Fool in the rain” y “All my love” que son mas temas melódicos pensadas en sonar en la radio que temas propiamente duros o himnos épicos a los que la banda estaba acostumbrada. Ya no hay excesos instrumentales, ni la voz de Robert Plant con sus acostumbrados chillidos, ni el virtuosismo instrumental de jimmy Page, no, realmente se notaba cierto cansancio, ciertas ganas de buscar nuevos aires, hacer otras cosas, incluso en el único tema épico del disco “carouselambra” llama la atención es el sintetizador como instrumento principal algo extraño para una banda propia de rock duro y eso que las mejores épocas del rock progresivo ya habían pasado, como todo trabajo tiene sus discos flojos la impensable “hot dog” y también los hay interesantes “i’m gonna crawl” (blues cortesía de Jimmy page), un disco en mi concepto muy bueno para oyentes ocasionales, pero prescindible para ultra-fans.

Can. Ege bamyasi. (1972).

Después de la decepción que significo al menos para mi Monster Movie, decidí escuchar otro disco de los incombustibles Can, la elección cayó en Ege Bamyasi, disco posterior a la publicación de esa joya que es Tago Mago, el disco empieza con dudas, titubeos, como que no alcanza a arrancar ni temas como “pinch” o “vitamin c” me acaban de convencer, pero en la mitad final del disco llegamos a la mejor parte del mismo, la sicodélica “soup”, que parece haber sido grabada en medio de una construcción abandonada, ruidos inconexos, teclados y órganos que aparecen y desaparecen, los sonidos comienzan y terminan una y otra vez, llamémoslo “ anarquía enérgica” la verdad es sensacional y las últimas dos canciones “i’m so green” y “spoon” me encantan como que después de esa locura llega algo mas relajado e igualmente estimulante, un disco bastante agradable con muy buenos momentos que aunque no este al mismo nivel de su Tago Mago si coloca a esta banda a la vanguardia del mejor sonido de su época.
Pd: la portada art me parece feísima, lo voy a proponer como concurso de las portadas sección “las más feas”.

Herbie Hancock. Headhunters. (1973).

Herbie hancock, pionero del jazz electrónico, budista, y discípulo del jefe de jefes el intocable Miles Davis, nos trae un disco indiscutible a la hora de hablar del jazz experimental. Hancock, había mostrado desde años atrás un amor cultivado por los sintetizadores, el moog y demás aparatos electrónicos para sazonar sus composiciones, no solo como una opción sino como una forma de conectar con una mayor audiencia sin olvidar el estilo clásico pero agregándole efectos que lo pudieran hacer mucho más atractivo y si que lo logró. Headhunters es una mezcla de funk electrónico, con una adecuada sección de cuerdas y viento y lo mas indispensable el toque de Hancock al lado de sofisticados sintetizadores y órganos electrónicos que le dan un aire fresco a las composiciones, si bien es cierto el disco se identifica con una época en particular (1970-1975), hoy en día suena muy bien, no ha envejecido mal y la verdad es una delicia para pasar una tarde amena; como no tararear en la mente los primeros instantes de “chameleon” con ese tan-tan-tan-tantantan-tan-tan-tan y la sección de vientos de “watermelon” , y el ambiente etéreo desplegado por ese temazo que es “vein melter” en fin, no soy el mas afiebrado al jazz y no creó que me aguantaría mas de una hora de una audición de esta música, pero si es algo medianamente parecido a lo que Hancock no has demostrado en este trabajo bien vale la pena escucharlo atentamente.

Richard hell & the voidoids. Blank generation. (1977).

1977, buen año para el punk, desde ambos lados del océano atlántico iban y venían sonidos feroces, torpes, efímeros, simples, y entre toda esta jungla habría que hablar de Richard Hell (Richard Myers), personaje nacido en Kentucky, pero hecho musicalmente donde no mas sino en Nueva York, el C.B.G.B (mítico antro punkero y de animales raros) le dio la bienvenida, antes había trabajado con su compañero de colegio Tom verlaine en Televisión pero su forma de ser lo hacia incompatible para congeniar con mucha gente. Es así como Hell decide juntarse con otros neuróticos igual que el y formar su banda los Voidoids los cuales creaban un estilo que rememora al mejor rock and roll cincuentero pero agregando la voz infernal de Hell, acompañado de unos sonidos ásperos, irritables, con unos riffs como en casi toda la producción punk inconexos, los instrumentos no se tocan, se golpean para torturar al mas desprevenido de los oyentes, y eso que hay temas muy agradables como: “New pleasure “y “down at the rock and roll club”. Ahora no todo era violencia, hay temas como “another world” y “all the way” donde se nota las ganas de poner una voz mas moldeada y una instrumentación mas organizada en beneficio de un sonido mas depurado, Hell era salvaje y complicado pero no tonto, y como se escucha hoy en día tal vez no impacte tanto como en su época pero es un disco infaltable en la colección particular de cualquier fan punk.

Join Hands- siouxsie & The Banshees. (1979).

En alguna ocasión le habia presentado a mi amigo m.a una critica española sobre este trabajo donde palabras mas palabras menos descalificaban este trabajo comparandolo con una serie de ruidos inconexos que levantarian de su sarcófago al mismísimo rey tut, no es para tanto, primero que todo porque es un trabajo digno y eficaz y segundo porque si bien es cierto que se nota cierta dexconexión no es por incompetencia sino por lo difícil que fue para la banda realizar este trabajo.

luego de su primer lanzamiento (scream), se presionó a la banda para lanzar su segundo trabajo, el tiempo corría rápido y habían dudas, el material no estaba aún preparado como se había planeado, en ese momento comenzaron los problemas internos, que generaron 2 bandos en la misma banda; por un lado siouxsie y steve severin y por el otro lado John MCcay y Kenny Morris, el punto álgico fue la elección del productor americano mike stavrou quien no tenia mucho en cuenta las ideas de MCcay y morris, al parecer se tomaban decisiones sin el consentimiento de ellos tanto en la parte de diseño gráfico como en la parte musical lo cual empeoró las cosas, incluso morris declaro en alguna ocasión "stavrou was a little shit".

la ruptura definitiva se presenta en el tour de promoción de la banda donde MCcay y morris abandonan y siouxie y Severin tienen que llamar a algunos amigos para poder finalizar el tour. con todo esto uno supone que el clima de creación del disco no era el mejor, no obstante ese aire pesimista, malsano, en algunos momentos gótico (realmente gótico, no la mentira que algunos grupos locales, se creen) ayudo a crear hits memorables, ayudados por una percusión potente aunque a ratos torpe, muy poco melódica si se quiere y unos riffs que castigan al amante mas purista de el estilo clásico del guitarreo convencional, pero hay esta el secreto, no se trata de virtuosismo técnico sino de eficacia conceptual, estilo donde el grupo podía rendir mejores dividendos, de aqui se destacan: la excelente Playgrund twist (único single lanzado), Prematurial burial (inspirada en E.A.Poe), o Mother/oh mein papa donde solo se escucha la voz de siouxsie y una caja musical mezcla entre niñez perdida y terror gótico. El disco esta plagado de cierta depresión como si las canciones fueran himnos al aislamiento a la desolación a la incompresión, bueno tal vez no sea para tanto, pero si hay cierta busqueda para encontrar las tineblas dentro de la luz, algo que en los primeros discos los Banshes lograron acercarse. recomendado para amantes del cool Wave, New Wave, post punk, onda siniestra y demas estilos de la época.

Portadas Favoritas, primera entrega.

Nueva sección en el club de los discos. Aquí van mis primeras favoritas, algo de glam, 70´s...

Roxy Music ¨Country Life¨ (1974)

¿Qué decir? Demasié...

David Bowie ¨Aladdin Sane¨ (1973)

Emblemática. Favorita entre favoritas, adolescencia morbo y sci-fi. Sugestiva y ambigua, como tenía que ser. Hermosa.

David Bowie ¨Hunky Dory¨ (1971)

Mis amiguetes del club se burlaron cuando propuse esta, ¿Qué puedo hacer? me gusta, así soy.

Brian Eno ¨Here come the warm jets¨ (1973)

Misteriosa e intrigante. La primera vez que la vi, todavía estaba en el colegio, escuchando punk-rock, H.C. y new wave, pensé, ¿qué carajos es esto? años después lo escuche y me dije, si. Cumple lo que promete.

A flock Of Seagulls. The Best of A flock Of Seagulls (1991, BMG- RCA).


mucho se dice sobre la decada de los ochenta, de su música, de su ropa, de su política, de sus series de televisión, para algunos fue lo peor, para otros (en mi caso particular) fue una época sumamente entrañable, y creó que muchos de los que visitan esta página se pueden sentir identificados con esta apreciación; los ochenta por lo menos su primera mitad fueron el caldo de cultivo de las bandas armadas con sintetizadores y teclados, formando lo que se conoce como synth pop, tecno pop, siendo sus años dorados 1980 y 1981, después el concepto evoluciónó comercialmente mas no musicalmente y se dió paso al movimiento pop de los nuevos romanticos (duran duran, adam ant, OMD, visage), se puede hablar de un amplio predominio británico y de una gran preocupación por la imagen, esto ayudado por el recién nacimiento de un canal de videos (MTV, que hoy en día es una caspa de armas tomar).

Entre los muchos grupos de la época destacaré sin lugar a dudas a los A Flock Of Seagulls, cuarteto originario de Liverpool, que tuvo una efímera pero intensa carrera musical. siempre me llamó la atención este grupo por varios razones, consideró que reuné lo peor y lo mejor de su época, lo mejor: synth pop entretenido, los únicos riffs de guitarra que me gustan de ese movimiento, liricas melancólicas (increible, pero es cierto ¡¡¡), y melodias de fácil identificación; lo peor: ellos mismos, nadie en sano juicio quisiera ser como ellos, y eso que Mike score su lider es peluquero, pero la verdad de pintas nada que ver, esos copetes, esa pintura, ufff, es para chiflarse de risa. Pero volviendo al tema musical los A flock... si tenian mucho que decir y es ahi donde esta la diferencia con otros grupos, mientras que Duran Duran son bonitos y Visage se pinta la cara de blano y rojo sus discos hoy en dia no transmiten mucho, salvo en su género, en cambio los A Flock.. hoy en dia suenan mucho mas interesante y si se quieren mas influenciantes que otras bandas de su cohorte. la voz de Mike Score esta dotada de una cierta nostalgia, que agregada con el buen hacer de los demas miembros logró temas imprescindibles del tecno pop: I ran so Far Away, Space Age love song, nightmares, wishing y la archiconocida The more you live, the more you love, y si no creen lo de las liricas lean la primera estrofa de the more you:

you never give your heart to a stranger

or tell you secret to a friend

you'll put your heart in mortal danger

they all desert you in the end...

Y asi por el estilo, hablando del CD, es un buen disco pero no es excepcional, faltan temas imprescindibles: tokyo, moderno love is automatic, y en el cd, como en todo cd recopilatorio quedan huesos en este caso la ramplona who's that girl, pero a cambio nos regalan un tema buenisimo: D.N.A. , el resto es lo mismo que suele pasar con estas bandas, su soporte va de la mano de una moda que si no logra evolucionar los engullece fácilmente, se acaban los hits en las listas, peleas entre los miembros y el siguiente paso es la desbandada.

De la mejor época del synth pop británico les recomiendo esta pieza y en general este grupo, ideal para escuchar una tarde de domingo, momento crucial para recordar viejas épocas con los mejores recuerdos que nuestra mente pueda retener.

tuxedoCANmoontuCANxedomoonCANtuxedo.

Tuxedo moon. "Solve Et Coagula", The best of (1997).

Es grato sin lugar a dudas tener la oportunidad de escuchar un disco que te produzca emociones amables con una música que en principio dificilmente podria ubicarla uno en un contexto de familiaridad , con esto me refiero a que la mayoria de los grupos de musica tecno industrial son respetados y venerados pero dificilmente uno puede admitir con sinceridad que son grupos con algo de corazón mas allá de las frias maquinas. No dire ahora que tuxedomoon son todo corazón y nada de metal, pero si hay un esfuerzo por tratar de conectar con un público más amplio sin necesidad de distorsionar de concepto y mucho menos torcerse a favor de las grandes masas.

originarios de San francisco y pertenciendo a la ultra vanguardia americana los tuxedomoon se afincaron rápido en Europa donde Bruselas fue su epicentro principal, la idea era clara, teclados, guitarras distorsionadas, cajas de ritmo (en los setentas ¡), voces sobre expuestas y un bajo intuitivo, repetitivo y potente. Como es de pensar la escena post punk los acoge con los brazos abiertos pero la lista de exitos con frialdad, importa ¡¡¡¡, no creo, su música nos llega de una manera soberbia y eficaz, sin despeinarnos mucho, pero tampoco dejandonos las cosas facilitas, en resumidas cuentas : equilibrio. pero de que va el disco, se preguntaran ?, es simplemente una recopilación , con catorce temas, y una evolución musical patente, recomiendo temas como: "some guys" y "dark compannion" con su bajo potente y omniprescente, la conocida " a manner of speaking" donde la voz principal y la textura sonora son impresionantes, este bien puede ser el tema central de una spaggetti western futurista, y hay otros temas muy buenos como "desire" y "59 to 1" y descaches como la tropical "atlantis", pero todo disco recopilatorio los tiene, en fin si despues de todo esto no te da curiosidad por escucharlos, mejor vete a dormir, ya que los Tuxedomoon estan aqui, amplio recomendado.

Can. "monster movie". 1969.

Siempre he respetado la música de Can y considero que son un grupo interesante y pionero en la vanguardia experimental alemana, "Tago Mago" una de las obras que mas me ha gustado de ellos y que la considero punto de referencia obligado para todos aquellos que quieran escuchar buen krautrock. Por este motivo me tome la molestia de escuchar su "Monster Movie", sinceramente tengo que reconocer que me siento decepcionado, esperaba mucho mas, si bien es cierto la agrupación repite con solvencia la formula instrumental el cambio de registro vocal altera para mi dramaticamente las cosas, no es que Damo suzuki sea un "pavaroti" al lado del micrófono pero su ausencia se hace notar, ya que su estilo pegaba con el de la banda y aunque malcolm money no lo hace mal no creó sea el indicado. temas buenos los hay: "mary, mary so contrary" y monótonos también "yoo do right" (que desafortunadamnete dura 20 minutos). en conclusión por que no hay mucho que agregar si eres fan de Can no importa lo que diga te va a gustar, si no lo eres, entonces te remito sinceramente a escuchar "tago Mago" para que asi las cosas se equlibren y todos felices.

EN EL 1991 PROMETIERON INVADIRNOS, PERO NUNCA LO CUMPLIERON.

Ya Stone Roses fue le primero en dar la voz de alerta en el 90 (aunque el lanzamiento original fue a mediados del 89), nadie se había tomado muy en serio a los Mondays dos años antes, básicamente porque sonaban demasiado extraño para el mercado local. The Charlatans UK (pese a la funesta tapa de la primera edición del Some Friendly) anunciaba que por lo menos desde Manchester había más material de calidad (pese a los esfuerzos de Soup Dragons para probar lo contrario). James, por otro lado, luchaba a contracorriente (a veces tenía ecos de Morrisey en el Strip Mine o dejaba correr alguito de psicodelia en el Gold Mother) para crear sonido propio… Si, eran los noventas y la década que empezaba prometía cosas.
Sonidos menores pero contundentes salían del primer trabajo de los Inspiral Carpets (Manchester continua), y ya, ya, ya, cuando todo indicaba que se venía de lleno una invasión británica… llegó el 91 y todo se quedó en una simple promesa.

Y es que a veces es difícil saber cuándo se han de sincronizar estas cosas, pero tanto preámbulo merecía algo mejor. No hacía mucho (casi dos años) que The Cure se había apoderado por segunda vez del top 10 norteamericano con una canción como Love Song (qué original!), y Depeche Mode, ya en el 90, a medida que se trasladaba al lado oscuro de la fuerza iba cobrando más fanáticos al tecnopop de pantalón blanco… el razonamiento era el siguiente: Si esa era la música que dominaba el panorama, entonces ¿qué no pasaría cuando las promesas se concretaran?

Pero el 91 empezó tibio, en febrero Jesus Jones lanza su álbum debut (Doubt) y bueno, no convence aunque tiene un par de temitas de recordación, las voces demasiado aflautadas solo sirven para acompañar una música armónica pero timorata.

Saltamos a mayo, EMF (Schubert Dip) se encarga de prometer todo con un disco que fue más criticado de lo debido. Realmente no eran una gran banda, pero el signo de “One Hit Wonders” los mató desde el momento que lanzaron su muy tocada Unbelievable, porque después de escuchar todo el trabajo uno se podía dar cuenta que tiraron todos los restos emitibles en ese primer single, e iba a ser muy difícil que los tomaran en cuenta después de semejante éxito.
En ese mismo mes, Inspiral Carpets decepciona con un disco plano y a veces aburrido, aunque bien ejecutado, como el The Beast Inside.

En junio y julio, Wonder Stuff (Never Loved Elvis) y Neds Atomic Dustbin (God Fodder) anuncian los problemas, hacen discos aceptables pero bastante prescindibles.

En agosto, Blur sorprende con su Leisure (que acá se dio a conocer en la versión norteamericana que, además de ser distinto en aspectos visuales, el running order es difiere del británico y, además, mite a Sing en el primer tiraje), se convierte en la respuesta más contundente del pop londinense. No todo está perdido, estas rivalidades entre ciudades a veces dan buenos resultados (se comentaba en la calle).

Y la respuesta septembrina de Manchester fue Northside, con Chicken Rhythms un disco de excelente factura y calidad pero que, debido a lo desastroso de su campaña publicitaria (una de las perlas para perder dinero de la Factoy) vio como sus ingresos se iban en saco roto hasta firmar tarde en ese año con Geffen. Y el año se estaba acabando y no hubo nada más relevante que ver… por lo menos de ese lado del atlántico, porque por las mismas épocas Nueva York y Seattle ya andaban armando todo, y fue así como la tan anunciada invasión no se produjo y, de hecho, cuando menos se esperaba, entre el otoño (hemisferio norte) del 94 y el verano del 95, se produjo una verdadera invasión, más nombres, más grupos y más calidad, pero esa es harina de otro costal… esto no fue más que puro revival miserable, debe ser por culpa de ver VH1.

Justus Köhncke "Homogen" (Kompakt, 2003)

Dentro del catalogo de artistas de la Kompakt (responsables no en poca medida de la invasión minimal que hemos sufrido desde hace ya mas de dos años), destaca este obseso musical, el señor llamado Justus Köhncke ¿Por qué? Una excelente habilidad melódica, un inusual sentido del ritmo y cero prejuicios a la hora de lograr una aproximación entre experimentación y genuino gusto pop, logrando respaldo y credibilidad por parte de publico y critica. Dentro de la producción del señor Köhncke, este 12 pulgadas es mi favorito y creo, la mejor carta de presentación de este artista (bueno, a lo mejor exagero, ahí están también "2 After 909" y "Elan"), por un lado esta "Weiche Zäune", una de esas canciones como para enamorarse en la pista de baile, que no pase nada, tomarse un gin y e irse a casa contento... De no ser por "Homogen" en el otro lado, un autentico rompe pistas de 6'13", que por el contrario con sus loops de bajo, samples de guitarra funky, sabrosa percusión y como no, sintes techno te jalaran pa' delante, don Köhncke sabe como reinventar la música disco y no le sale ningún revival nostálgico, ni nada de "música del mañana". Es música para disfrutar y bailar, ya.

Tres Discos: El País del Chocolate

Abwärts "Roboter In Der Nacht" 7" (Zickzack, 1981)

... O punk y new wave a la alemana: NDW (Neue Deutsche Welle). Sencillo de dos temas, el primero "Roboter In Der Nacht", una sabrosura punketo-robótica-epiléptica de esas que se traducen apenas escuchar los primeros riffs en una palabra: Pogo. No tengo ni idea de que va la letra pero que buena canción, no sé sí los alemanes sean tan fríos como siempre se les ha percibido, ¡Pero que ritmo se gastaban estos! El segundo tema, " Für Mutti" ya es otra cosa, mas en onda techno-industrial primigenia (no por nada aquí militaban FM Einheit y Marc Chung, futuros Einstürzende y Marcel Zürcher quien luego guitarrearía en Die Krupps), con un elemento funk mas entre el estilo de Der Plan y Fehlfarben, otra cosa. Eran versátiles los estos.












New Deustch (International Gigolo Deejays, 2003)



Disco recopilatorio con selección a cargo del propio Capo Gigoló, el propio DJ Hell, recogiendo lo mas representativo de esa cosa (o movida, da lo mismo) llamada NDW (de nuevo: Neue Deutsche Welle), algo así como "la nueva ola alemana", que no era otra cosa que la versión teutona del punk y la new wave británica. Mentira, aquí se batía otro cacao y se bailaba bien distinto. Para empezar (y nada mas este detallito): El idioma. Con sus propios sonidos y una rítmica bastante sincopada (o si no recuerden los raps de Falco), este era un elemento decisivo de una musicalidad particular y bastante original, no por nada casi siempre que escuchamos alguno de estos tecno-punks nos imaginamos una pandilla de tipos arty todos vestidos de negro y bailando como robots (¿Alguien dijo el Big Lebowski?)... El otro detalle quizás sea el afecto que esta gente siempre le ha tenido a los sintetizadores, lo demás era la manera en que los alemanes entendían o se inventaron su propia música moderna, que aunque fría, marciana y arty a ratos, no esta de mas decirlo, también les podía salir divertida a ratos

Y si, es un disco divertido a ratos. Los sonidos van del tecno-zumbido repetitivo de Weltklang, la "oscururidá" de Grauzone, No More, Echowest y DAF, algunas joyitas del techno-pop mas asequible de Der Plan, synth-pop bonito como el de Cristof Glowalla, piezas con mas elemento funky orientadas a la pista de baile como Eiskalte Engel y Fehlfarben y así. Un buen documento para iniciarse. Al menos a mi sirvió... Y me engomo bastante.


Ellen Allien "Berlinette" (B-Pitch Control, 2003)

Hay ocasiones en las que al intentar elaborar un juicio de valor sobre algo, uno ya va predispuesto a que no va a poder ser objetivo o parcializarse, así que ¿Para qué fingir? Adoro este disco, es quizás mi disco favorito de botones, de aquel periodo (ya saben, el electroclash haciendo sus últimos estragos, el revival post-punk empezando...) y la Ellen luciéndose con este discazo, (su segundo largo) y el primero que yo escuchaba de ella, electro, breaks, sampleos de guitarras, sintes y ¡Esa voz! en pequeños fragmentos sampleados y dispuestos de manera repetitiva pero melódica a la vez, (bueno, también en estrofas completas)... No me malentiendan, no es una voz espectacular, es un uso de voz efectivo. A estas alturas todavía escucho "Sehnsucht" y me emociono. Decía antes que los alemanes no tenían alma y eran unos robots, ¡Mentira podrida! Ellen Allien (como también Barbara Morgenstern) si que tienen alma y saben ponerla en sus músicas de botones. Luego la Ellen ha sacado mas discos unos bien otros mas irregulares y así pero nunca nada tan soso como para que no resulte interesante, ella es creadora de un sonido que no ha tenido demasiados discípulos aunque su sello B-Pitch Control si que tiene una identidad.

Disco bonito y marciano donde los hay. Alguien decía de los amores platónicos, "prefiero evitarlos por higiene física y mental". Pues eso.