Brett Anderson, Brett Anderson

De entrada al oír el nuevo trabajo en solitario del ex-vocalista de Suede, lo primero que pensamos es en el famoso grupo de britpop. Y cómo no, si su voz tan característica era uno de los sellos indelebles de la banda, el cual se mantiene hasta cierto punto en este trabajo. Sin embargo, musicalmente, las cosas están mucho más alejadas y cualquiera que espere una nueva encarnación de Suede se verá decepcionado y debería buscar más bien en el disco que reunió a Anderson con el guitarrista Bernard Butler, quien abandonó el grupo en plena grabación del Dog Man Star. La banda, llamada The Tears, la comentaré más adelante. Por ahora centrémonos en el trabajo en solitario de Anderson.

Lo primero que se nota nada más abrir el disco, con el tema Love is Dead, es que la época de glam y decadencia de Suede está atrás. Anderson ha pasado por mucho y se refleja en el ambiente de este disco, un trabajo más personal. Arreglos para cuerdas, pocas guitarras, aunque concisas cuando aparecen, muy lejos de la pared de sonido del Dog Man Star, la distorsión del Coming Up, incluso de la sencillez del A New Morning, al que podría acercarse más. Y por supuesto las letras también son diferentes, que ya no hablan de las calles de asfalto o los asientos traseros de los taxis (¿cúantas veces oímos esas palabras en las letras de Suede?). Anderson, rondando los cuarenta, pareciera exorcizar sus penas en este disco, donde no hay mucha fiesta, sino melancólicas reflexiones en forma de baladas. Obviamente no hablamos de baladas cualesquiera, pues aunque el sentimiento pop permea todo el disco, están alejadas de las simples baladas de amor.

Las canciones no son obras maestras, sin embargo se dejan oír muy bien. Lo malo es que oír todo el disco puede ser difícil, pues todas van en la misma dirección. En dosis pequeñas es muy bueno si no se le pide que reinvente el rock o refunde el britpop más de diez años después. Las secciones de cuerda están muy bien puestas y son quizá la mayor sorpresa del disco, aparte de la madurez de las letras. Y por cierto, la voz de Anderson sigue siendo bastante buena. Los días de teatralidad decadente han dado paso a una mayor madurez, pero no por ello ha abandonado las inflexiones agudas que lo caracterizan. Para recomendar, los temas que más me gustaron fueron Love is Dead, con sus cuerdas de fondo; One Lazy Morning, por su tenue línea entre la nostalgia amarga y la calma apacible; Dust and Rain, por la única guitarra fuerte del disco; Scorpio Rising, por su guitarra tristona; The More We Possess, por su sencillo ritmo de vals... Bueno, ahora que lo pienso, sin que me haya puesto los pelos de punta, hay bastantes canciones que valen la pena, y ninguna que quiera saltar.

En últimas, un buen disco, agradable sin ser piedra angular de un nuevo movimiento, el cual intuyo ganará con nuevas escuchas, a medida que el tiempo asocie la música a determinados momentos. Sin canciones realmente malas (algunas gustarán más que otras), cualquiera que haya sido fan de Suede podría darse un paseo por este disco a ver qué tal lo encuentra. Podría llevarse una sorpresa.

Biggest Bluest Hi-Fi, Camera Obscura

Lo normal hubiera sido oír primero Biggest Bluest Hi-Fi, pero el orden en que lo hice, a pesar de tener todos los discos de Camera Obscura en mis manos todos juntos, fue salteado. Y Underachievers Please Try Harder, su segundo disco, causó en mi grata impresión por un lado, pero por otro fue insatisfactorio. Si cada tema se sostenía por separado, al oír el disco completo se echaba en falta más variedad. Irónicamente este defecto se encuentra ausente por completo de este primer disco, Biggest Bluest Hi-Fi.

Producido por Stuart Murdoch y alabado por John Peel, Biggest... es un excelente disco de chamber pop con todas sus virtudes, y por supuesto, defectos. Para algunos será predecible la manera como se desarrollan los temas, sin mucho desafío al oyente, pero es precisamente ese el componente que buscan quienes aman el twee pop y demás vertientes que transitan el mismo camino. Climas agradables, días cómodos y simples, caminatas largas o paseos en bicicleta... A eso es a lo que nos remite este disco. Por supuesto puede sonar a Belle and Sebastian (no sólo musicalmente: las letras también hablan de esa incapacidad de adaptarse a un mundo mucho más extrovertido y cool que uno), pero Camera Obscura se resisten a sonar como meros clones. Ahí están las instrumentaciones clásicas, los arreglos de cuerda, los solos de violines y otros instrumentos... En fin, el disco es tan bueno canción por canción (y aún mejor) que su segundo álbum Underachievers..., añadiendo que se puede oír de principio a fin sin caer en la monotonía.

Aún no cambio a Belle and Sebastian por otro grupo similar, pero si tuviera que hacerlo sería por Camera Obscura en este disco.

En La Corte Del Rey Fripp.- King Crimson.

Una de las bandas mas importantes e influyentes de los últimos 40 años, sin lugar a dudas es King crimson, una banda mítica, duradera, férrea como ella sola, que se ha mantenido en activo gracias a su genio creativo : Robert fripp, un personaje extraño, peculiar, egocéntrico, pero una de las personalidades fundamentales en el devenir de la música de los últimos 40 años. mucho se ha dicho sobre king crimson, inclasificables, progresivos, experimentales, es difícil, realmente ubicarlos o etiquetarlos en un movimiento o género particular, no por algo la banda ha tenido múltiples integrantes y diferentes étapas, cada una con un estilo y actitud musical diferente, pero guiadas siempre de la mano ferrea de Fripp.

En este espacio, comentaré sobre 3 discos fundamentales en la discografia del rey Carmesí, que de una u otra manera marcaron las bases de algunos de sus periodos claramente definidos.

In The court Of Crimson King, (1969).

luego de la terminación del trío Giles, Giles & Fripp, que es algo así como la cuota inicial de lo que sería King Crimson, se confomaría a comienzos de 1969, la que sería la primera formación estable del grupo con: Robert fripp (guitarras), Mike giles (batería), Ian Mcdonald (saxo, mellotron), greg Lake (bajo y voz), peter sinfield (textos y luces). ese mismo año saldría In the court of King crimson, album debut del grupo, y una obra cumbre en toda la expresión de la palabra, unos textos densos, cortantes, dramáticos, acompañados de una música violenta, a ratos triste, a ratos alegre, depresiva a momentos, un disco que representa un universo armonioso pero a la vez distanciado. El disco comienza con la inigualable "21 st Century Schizoid man", un disco que comienza con el indiscutible y poderoso sónido del Mellotron, la voz distorsionada de greg lake, la afilada y cortante guitarra de Fripp y los potentes y violentos saxos de Mcdonald, un tema que parece una montaña rusa, que sube y baja una y otra vez, donde la anarquía parece gobernar todo de manera irremediable; el segundo tema , es mas relajado, "i talk to the wind", donde la voz apaciguada y suave de Lake, se pregunta por la insensibilidad del mundo, acompañada de una buena sesión de flautas e instrumentos de vientos; el tercer tema para muchos es la cumbre del estilo crimson, "epitaph", donde aparece como nunca el estilo mas dramático, y desgarrador de la banda, sazonada como ya es habitual de un épico pasaje de mellotron, el cual sera marca de la casa y que años después tendría su consagración definitiva en el album RED; "moonchild", es un tema donde de nuevo la voz calmada y épica de lake hace eco, acompañada de una armonia fabulosa, que la convierte en un tema maravilloso, los otros 8 mínutos restantes del tema, son cortesía de fripp, quien se despacha con una sesión de guitarreo experimental y de sónidos que culminan la faena de manera muy eficiente, aunque para algunos algo exagerada e innecesaria; el disco finaliza con " The court of crimson king", un tema muy armonioso que podría incluirse como una copia al carbón de epitaph, aunque menos dramática y potente, eso si, el mellotron esta a la orden del día.

Después de semejante obra maestra, continuaron una serie de discos muy interesantes, unos mejores que otros, pero, ninguno despreciable, In the wake of poseidon, lizards y Islands (1970), la que es considerada por algunos como su obra mas cuidada de su primer período. también los cambios de personal fueron constantes, pero siempre los reemplazos, eran músicos de impresionante curriculum y capacidad técnica envidiable: MelCollins, Keith Tippet, Gordon Haskell, andy Mccullogh, Boz williams. luego de Islands, la ruptura entre senfield y fripp, parecia inminente, el egocentrismo de fripp, era demasiado y las relaciones se habían tensionado de una manera que la separación fue la mejor decisión en su momento.

Red, (1974).

A partir de 1972, comenzaría la que sería la segunda étapa de king crimson, una étapa que entre los fans del grupo tal vez sea la más recordada y venerada, a esto puede ayudar el hecho de que fue la formación mas estable tanto por el tiempo de compañia entre sus mismos integrantes como por la aficciones y afinidades de los mismos. Robert Fripp, John Wetton (bajo y voz), Bill Brufford(bateria), acompañados en ocasiones por músicos como David Cross, Mel collins, etc. serían los integrantes fijos de esta nueva formación. luego de un disco con una música, caústica, poderosa y difícil de digerir como fue "lark's tongues in aspic", y un disco en una linea esotérica y dura como fue "starless in bible black", surge el disco que de una manera correcta y magistral cierra el segundo período, el cual fue, Red (1974). Este disco esta poseído por un sónido denso, armonioso, conmovedor, pero sobre todo puro Rock, no quiere decir esto, que el album abandone las estilizaciones que eran comunes en otras épocas, sino, que el grupo se decantó de una manera directa y sin concesiones a una equilibrada y madura línea de rock experimental, llevando hasta sus últimas consecuencias lo que habían plasmado e insinuado en anteriores composiciones, de aqui la diferencia con las bandas progresivas del momento, quienes se entretenían con soliloquios de sintetizador de 20 mínutos e interminables suites, que aunque no carentes de belleza, si podían terminar aburriendo.

El disco se inicia con "red", tema en tono duro y efectivo, con las acostumbradas distorsiones de Fripp y un ampuloso ambiente sónoro; "Fallen angel", es un tema más relajado, donde la voz de Wetton, áspera y dura a la vez, pone unas notas de tranquilidad al torbellino de mellotron y guitarras que se suceden; "one more red nightmare", riffs de guitarra y solidez coceptual; "providence", un tema hermoso, espectral, sacado de un cuento de brujas, con un paraje sonoro, donde la meditación y la instrumentación recrean lo mejor de las pesadillas crimsonianas;" starless", sin lugar a dudas el mejor tema del disco, que se inicia con una textura suave, sencilla y magistral, llena de toda la sutileza, de los grandes temas del rock, hermoso solo de saxos, y la guitarra de Fripp, contenida, reprimida, no por no querer estallar en violencia, sino por contener una amplitud sonora de difícil control, el mellotron, obvio, se hace presente, y por definición, el último tema del grupo cierra una étapa gloriosa y también tal vez su composición más homogénea y perfecta.

6 años, sucedieron, para que la mente del rey carmesí decidiera volver a revivir a los King Crimson, la espera no fue en vano, en 1981, saldría discipline, de la serie de tres albumenes que se grabarían con la nueva formación, que aun hoy con algunos cambios de personal todavía se mantiene.

Discipline, (1981).

la nueva formación serían: Adrain belew (guitarras y voz), Tony Levin (bajo), bill Brufford (batería) y obviamnete Fripp en las guitarras. a partir de esta nueva formación sería interesante observar como el grupo en sus próximos discos intenta desarrollar apartir de unas armonias sonoras, todo el discurso de sus albumnes en si, es asi, como en este disco, los estilos y armonias se repiten de manera casi imperceptible pero consistente en todos los temas, uno podría suponer que esto restaría sorpresa y lo haría un album repetitivo, pero por el contario, lo que crea es un sónido mas conciso, eféctivo y directo, no tan espectacular y arriesgado como en las otras formaciones y discos, pero sin lugar a dudas un sónido interesante y para nada despreciable.

"elephant talk" y "frame by frame", son temas con una constante sonora muy perceptiva, con un formato de canción, con un sónido que intenta no ser complicado para poder llegar a mas oyentes, no obstante, son dos muy buenos temas de rock;"Matte Kudasai", el mejor tema de todo el disco, con un sónido cadencioso que rememora pasajes lejanos y la voz sútil y estirada de Belew, lo convierten en un tema digno de recordar; "indiscipline", anarquía sonora, las frases se repiten, cortantes, y la guitarra explosiva de fripp se despacha con todo su furor, no hay conseción a nadie, como contracorriente el último track del disco es "discipline", un tema mas calmado, con una progresión y estructura que ha estado presente en todo el disco, a diferencia de "indiscipline", la calma conceptual es mas evidente, hay una estructura organizada y todo parece estar controlado hasta el más mínimo detalle; los otros 2 temas, " Thela hun Ginjeet" y "The Sheltering sky", refuerzan la capacidad vocal de Belew y la estructura organizativa, que tan pacientemente Fripp ha tejido en este disco. Discipline, fue le primero de los tres discos de esta nueva foramción y tal vez el mejor, eso no quiere decir que Beat (1982), y Three of a perfect pair(1984), sean discos prescindibles, mas bien, el primer disco reune lo mejor de esta étapa y eso ya de por si es un valor agregado muy alto.

hasta aquí llega la historia de hoy, no todo ha terminado en la historia del Rey fripp y su banda, aun continua sacando discos, como por ejemplo el Power to believe (2003), y múltiples colaboraciones y projectos, en fin, pero esa será otra historia para otro momento.

Procol Harum.

Procol Harum. " A whiter Shade of Pale". (1967).

A partir del año 1967, en el Reino Unido, muchas de las bandas comenzaban a realizar despuntes importantes, influenciados por el beat, el sinfonismo, el rhythm & blues y porque no con la mixtura del sónido "Beatles", obviamente sin el carisma de los 4 de liverpool, pero, con mucha mas técnica, muchas de las bandas amalgamaron varios de estos conceptos y conformarian lo que mas adelante sería la base del rock progresivo o sinfónico.

The Paramounts, una banda sin suerte se acaba en 1966, y es en 1967, cuando su vocalista y ex-lider Gary Brooker forma en dicho año el núcleo de Procol Harum. la banda combinaba en sus discos toques de Rhytm & blues, beat británico y una liricas con una línea melancólica bastante apreciable, la cual es secundada indiscutiblemente por la voz rasposa y oscura de Brooker.

Ojo, los Procol Harum, no son, Rock Progresivo, son un banda que experimentaron con la música que en esa época se tocaba en el Reino unido; cabe destacar que esta mezcla de sonidos estuvo reforzada por la utilización de dos instrumentos fundamentales, y que consagrarían al grupo y a la mayoría de las bandas de la época, el piano y el órgano Hammond, el cual era interpretado con solvencia por Mathew Fisher. Es la utilización de dicho instrumento el que les dió la fama y el éxito más importante de la banda y a la par unos de los discos mas vendidos de todos los tiempos, " A whiter shade of Pale", el tema surgió luego de readaptar una cantata de Bach, y acompañada del órgano ceremonial de Fisher, y la voz triste y melancólica de Brooker, que acompaña de manera magistral al tema; como dato curioso el tema fue lanzado como single y no fue incluído inicialmente en el disco original, pero, al observar el inminente éxito de ventas, se incluyó como primer corte del album.

El resto del disco, es un compedio de buen rock británico, "conquistador", es una pieza alegre, rítmica, intuitiva, considerada por algunos como un clásico del género Beat; las piezas como "something follow me" y "cerdes", dan paso a un estilo melancólico, apoyadas por el piano y un punteo de guitarra sobre todo en "cerdes", que refuerza lo mejor del blues británico; hay temas más alegres como "she wandered through the garden fence", y sin lugar a dudas unos de los temas instrumentales mas importantes de la banda y que finaliza el disco, "repent Walpurgis", un prodigio instrumental del órgano Hammond, donde uno se puede llegar a sentir impresionado por la dosis de romanticismo y belleza que el tema en si despliega. Un disco bastante curioso, por la cantidad de influencias musicales que confluyen en 11 temas y recomendao a aquellos amantes de un instrumento fundamental de aquella época: el órgano Hammond.

Edward Artemyev. metamorphoses. (1980).

La música del compositor ruso, Edward Artemyev, no ha sido muy difundida, y a mas de uno, el nombre le debe sonar extraño, no obstante, Artemyev es uno de los compositores electrónicos mas prolíficos de su país, ha colaborado en un centenar de bandas sonoras, compuso la cantata de los juegos olimpicos de Moscú en 1980, y además, es muy recordada su colaboración con el cineasta ruso Andrey Tarkovsky (Solaris, The mirror, Stalker). comenzó a componer música electrónica a principios de los años sesenta, y apartir de la segunda mitad de los setenta introduce en sus obras formas clásicas, las cuales se acompañan de una buena dosis de sintetizadores análogos, Sampler y moog.

Metamorphoses (1980), es un trabajo, que sin duda, sonará a muchas cosas, puede ser parecido a la música electro comercial de jean michel jarre, pero no es tan artificiosa; podria sonar a Tomita, pero a diferencia del japonés, artemyev, no se limita a transcribir una partitura con instrumentos electrónicos, el se encarga de reformularla, creando una obra similar pero nunca despreciable o aburridora; sonaria a Tangerine Dream, pero sin el esquematismo conceptual y la improvisación propia del trío alemán.

Lo importante de esta serie de trabajos cósmicos-electrónicos, es la capacidad de rememorar sonidos, de transportarte a parajes desolados, o a semejar un viaje en el espacio, por eso, la obra de Artemyev es de real importancia, no se amaña con un sonido y no se entrega al minimalismo fácil (algo típico de este tipo de compositores), en un disco puedes experimentar diferentes ambientes y todos igual de plácidos.

Amplio recomendado, a los amantes de la música electrónica los encontraran fascinante, eso si, el disco es bien difícil de conseguir (me he tenido que contentar con solo 5 cortes del disco), de hecho no esta en el catálogo de Amazon, y los títulos de los temas estan en ruso, así que es difícil identificar un tema en particular. Aún con sus dificultades de acceso, la música de artemyev debería conocerse mas por estos lares.

Colours are brighter

Esto me pareció bonito, gracioso, interesante y apropiado para El Club de los Discos. Snow Patrol, Franz Ferdinand, Belle and Sebastian, Four Tet y más, tocando canciones para niños. Visiten el sitio, oigan las canciones online, jueguen y coloreen muñequitos.

Transatlanticism, Death Cab for Cutie

Hay discos tristes y luego está Transatlanticism de Death Cab for Cutie. Siempre podrá argumentarse que es una opinión personal, formada porque lo oí en un muy mal período de mi vida, pero volviéndolo a oír no puedo evitar pasarlo un poco mal. Y bueno, ¿para qué quiere uno ponerse mal? Pues no sé, pero el disco es tan emotivo, tan bonito, y tan desesperanzador, que uno no logra escapar de él. Así que cuidado. Claro, si uno se identifica con las letras, si no, pues será otro disco de tipos lamentándose, pero las letras de Ben Gibbard son terriblemente cercanas, incluso cuando no hayas vivido lo que ellas narran.

Hay un par de momentos de alegría, pero lo que caracteriza al disco son las dolorosas historias de amores fracasados. Title and Registration, Lightness y A Lack of Color son tres historias de despecho, cargadas de imágenes sugestivas, que te hacen pensar en instantes de lo que podría ser una película, no porque narren una historia per se, sino porque comunican muy bien esos sentimientos de impotencia y tragedia que acompañan a una ruptura que no se vió venir. La estrella del disco es Transatlanticism, casi ocho minutos de calma seguidos por un crescendo que no lleva a ninguna parte. Y Tiny Vessels, sobre lo que se siente cuando te das cuenta de que te mentiste y la chica con la que estás no te importa en realidad, también figura entre los temas fuertes.

Otros temas menos importantes, pero igualmente interesantes añaden al disco momentos de melancolía, aunque no ablen necesariamente de tristeza. Passenger Seat, por ejemplo es sobre una pareja que conduce de regreso a casa en una noche tranquila; We Looked Like Giants rebosa angustia adolescente vista desde lo lejos; Death of an Interior Decorator, más animada, pero igualmente suave, tampoco escapa a una cierta tristeza que transpira todo el disco.

En general, Transatlanticism es un disco bonito, doloroso a veces, con letras muy bien escritas, que retratan momentos y sentimientos casi como una fotografía que captara un poco del alma del sujeto. Con instrumentación sencilla (guitarras, bajo y batería, y nada más), la producción le da un sonido distinto, bastante espacioso en algunos temas, que lo hacen sonar, afortunadamente, diferente de cualquier grupito indie sin pretensiones. Buena escucha, pero a tener cuidado con lo que pueda despertar dentro de uno si no se es cauteloso.

PS. No es la mejor reseña, pero lo estaba oyendo y me pareció bien escribir algo sobre él, así que ahí disculparán.

Neon Bible, Arcade Fire, 2007

Ya se ha visto varias veces: un grupo saca un primer disco genial, es una sensación, y luego... se desinfla. Una de dos: o sigue por los mismos trillados caminos sin sorpresa que había planteado en su primer disco, o si no, cambia de dirección dejando a todo el mundo perplejo. ¿Qué pasaría con Arcade Fire?

Funeral, ese magnífico primer disco de la agrupación canadiense, rebosaba angustia adolescente, sin caer en las estúpidas trivialidades emo de sonidos más que trillados. Lleno de sinceridad, de una sensación de apremio, y por supuesto de una musicalidad a prueba de balas, con arreglos inusuales a composiciones que podríamos calificar de post punk barroco, el disco es uno de mis favoritos y aunque no me encantan todas las canciones, las que sí lo hacen me parecen sencillamente geniales. Ojo, me gustan todas, pero unas me encantan. No tiene tema malo.

Neon Bible, su nuevo disco, tiene un sonido típicamente Arcadefire-iano, aunque ha evolucionado hacia otros caminos. Primero, las sensación adolescente desaparece, y queda un desespero más maduro, aunque no plenamente adulto. Crisis de fe, dudas ante la existencia de Dios aunque pleno reconocimiento de una búsqueda espiritual que lo incluya, desconfiando de las religiones establecidas por su estado actual, así como ataques al consumismo, a la guerra, son algunos de los mensajes que pueden intuirse en las letras de las canciones de Neon Bible. Y digo intuirse porque son bastante crípticas, y en lugar de narrar historias, lo que hacen es crear sensaciones extrañas, no plenamente identificadas, que se quedan adentro aunque el intelecto no acabe de entenderlas. Hay tanto de pesimismo como de optimismo en el disco, que no es tan divertido, sino algo más denso. Y no es de extrañar el tema religioso si tenemos en cuenta que fue grabado en una iglesia, escenario también de algunos de sus primeros toques promocionales. Y sí, es que hay una sensación gótica en el ambiente. Gótica que no goth, eso sí. Musicalmente hay, como digo, una evolución, porque el grupo tiene un sonido algo más denso ahora, aunque sigue la misma estela barroca que lo ha caracterizado. Órganos de iglesia, cuerdas, alguna orquesta de Europa del este... todo lo que esperaríamos del grupo, y más, así que a los oídos hay sorpresas. Sorpresas eso sí, que esperábamos de ellos.

¿Y el disco es bueno, o qué? Tengo que decir que aún lo estoy digiriendo, porque no es ni fácil ni golpea de una como lo hizo el primero. Las expectativas tan altas le hacen daño, es verdad. Si fuera un disco de cualquier banda, sería genial, pero es que después de Funeral, el listón estaba altísimo y de primerazo uno se da cuenta de que Neon Bible no es Funeral. Pero poco a poco se va entendiendo como lo que es: un gran disco que hay que apreciar con calma, oír con atención, y en últimas aprender a descifrar. Es mejor un trabajo que se tarde en digerir, pero que al final quede como algo valioso, a uno que impacte y se queme prontamente sin trascendencia. Y Arcade Fire no es de los grupos que hace discos como los últimos.

Aunque haya necesitado darle varias oídas para cogerle del todo el gusto, Neon Bible es un disco excelente, intenso, emotivo, y en definitiva, de nuevo sin temas de relleno, y muy, muy por encima que casi cualquier cosa que haya oído últimamente. Ahora mismo lo estoy oyendo y me convenzo cada vez más de ello. No será Funeral, pero rayos, es muy, muy bueno.

Una deuda pendiente.

Returno to Cookie mountain. Tv on The Radio. (2006).

ya en dias pasados habia reseñado el primer trabajo de los tv on the radio, donde apreciaba el hecho de tomar importantes influencias musicales y fusionarlas en un sónido que pareciera nuevo, sin necesariamente serlo, esto genero una pequeña polémica con mi colega de blog m.a quien me decia que debería escuchar su trabajo del año pasado para darme cuenta de lo que esta banda podia realizar, pues bien dispuesto a comprobar si lo que se me habia prometido era cierto decidí escuchar el trabajo y escribir mi apreciación sobre el mismo:

para empezar tengo que reconocer que habia cierta prevención frente al trabajo y mi primera escucha no fue la mas objetiva, asi que le di una segunda y tercera oportunidad, e inmediatamnete comprendi que el trabajo en cuestión presentaba cierta dificultad para acceder a su sonido, es decir , los tv on the radio siguen en su linea de tomar influencias y sazonarlas con sus coros y su particular composición, pero y aquí el secreto del asunto, el disco plantea una madurez conceptual, una profundización sobre el estilo de la banda que hace que no me sea fácil entender como el grupo ha evolucionado de una forma tan sencilla pero a la vez compleja, en su anterior trabajo era relativamente sencillo decir esta canción se parece a tal cosa y tal otra, o este sónido se me hace familiar a..., pero aquí no, reconozco cosas pero la verdad no se me es tan fácil como antes, y ahora bien si han madurado, y han logrado crear un sonido mas propio es gracias precisamente ha que esta vez son mas ellos mismos y no retazos de otros, obviamente esto puede generar dificultad en acceder al gran público de hecho no creó que sea un grupo de grandes masas, ni mucho menos con este disco lo van a lograr, pero lo mas importante para mi como melómano que soy es escuchar como un grupo se reinventa a si mismo sin necesidad de venderse o colocarse una etiqueta de moda.

los temas estan muy bien, los hay accesequibles: i was a lover, walk like me, o experimentales como tonight, o la bateria incesante de let the devil in, y el tema que mas me conmovió la espectacular "dirty Whirlwind", me imagino este temazo tocado en un pub, con una cerveza en la mano y tarareandola de palmo a palmo.

si m.a tenias razón una de los mejores discos del 2006, tan bueno que creó y espero equivocarme que tal vez los tv on the radio no se puedan ya superar a ellos mismos.

PORTADAS FAVORITAS- CUARTA ENTREGA. BLUE NOTE RECORDS.

Blue Note Records es un sello discográfico fundado en nueva York en 1939 por alfred lion, el cual se especializó en música jazz y soul, su mejor época fueron las decadas de los años cincuentas y sesentas; fue el lugar de grabación de los primeros discos de gente como herbie Hancock, Chick corea, jimmy smith, joe Henderson, Lee Morgan. El diseño de sus portadas estaba a cargo de Reid Miles y el fotógrafo Francis wolff. un estilo diferente a lo ya mostrado por hipgnosis pero igualmente satisfactorio, he aqui algunas portadillas y no olviden sus comentarios y votar y votar una y otra vez por su preferida.


Down home style. Brother Jack Mcduff. (1969).

patrulla gastrónomica, round 4, no creó que dr calamar se apunte, ji, ji, ji.

Merry ole soul. Duke pearson. (1969).

A esos juguetes si me apunto, aunque conceptualmente hay algo que no funciona.

That healin' feelin'. Horace Silver. (1970).

no se porque no me dan ganas de irme a leer las cartas...

Black pearl. Jimmy Mcgriff. (1971).

demasie..., en serio, demasie...

PORTADAS FAVORITAS- TERCERA ENTREGA.HIPGNOSIS.

Hipgnosis fue un estudio de diseño especializado en crear portadas de discos de Rock, fundado a finales de los años sesentas su primera portada fue para Pink Floyd en el "A saucerful of secrets" y después de esta siguieron muchas mas hasta mediados del año 1983, donde finalmente el estudio se deshace, los diseños de tan emblemáticas portadas estaban a cargo de: Aubrey Powell, Peter Christopherson y su fundador y genio creativo Storm Thorgerson, los temas de las portadas describen arte conceptual, aridez estética, provocación sexual y mitos profanos.

A Saucerfull of secrets. Pink Floyd.(1968).

la primera, siempres es ley...

Tightly Knit. Climax Blues Band. (1971).
algún comentario....

Savage eye. Pretty Things. (1975).
de las múltiples portadas de ojos, creó esta es la que mas me impacta, sencilla pero atrayente.

Force it. UFO. (1975).

Que puedo decir ?

Jump on it. Montrose. (1976).

curvas y lineas que confluyen a un solo lugar donde muchos quieren llegar en noches solitarias y no tan solitarias.

Tormato. Yes. (1978).

el torso de un mago, un color azulado y un tomate estrellado, a mi me gusta, no es de las emblemáticas pero ahi esta. según se cuenta el tomate fue cortesia de Rick Wakeman como una forma de mostrar su inconformidad con el resultado final del disco.

Difficult to cure. Rainbow. (1980).

mi preferida entre todas, asepsia médica, aridez conceptual mas nunca pobreza.

Peter Gabriel 3. peter Gabriel. (1980).

alguna vez Gabriel explico como se degrado su imagen de manera accidental con el borrador de un lapiz, bueno este es el resultado, por otro lado el trabajo en solitario mas equilibrado y completo del ex-genesis.

PORTADAS FAVORITAS- TERCERA ENTREGA.HIPGNOSIS.

The Crane Wife, The Decemberists, 2006

Luego de Picaresque, ese disco lleno de teatro y literatura, The Decemberists firmaron con una compañía de las grandes. ¿Qué vieron en Capitol para fichar a este grupo de gente rara que compone canciones de diez minutos sobre marineros? Bueno, la pregunta sería: ¿Se vendieron los Decemberists? ¿Se volvieron asquerosamente comerciales e hicieron concesiones? Y algunos pueden decir que sí, pero yo diría que simplemente evolucionaron hacia donde naturalmente apuntaban. Pero no faltarán los que se sientan traicionados, igual que los que rechazaron The Life Pursuit de Belle and Sebastian porque no les sonaba a Tigermilk. Y la comparación no es gratuita, porque si los Decemberists tocaban antes un folk rock mezclado con pop de cámara, ahora se van decididamente hacias el pop, dejando un poco de lado el folk y experimentando con los sonidos setenteros entre ellos, ¿el rock progresivo?. Sí, así es. Y el resultado es estimulante. La esencia del grupo permanece intacta, con sus letras que cuentan historias bien literarias, con detalles de otras épocas, sin embargo el sonido se mueve un poco hacia otras tierras. Y la cosa funciona.

The Crane Wife comienza con un pegajosísimo tema llamado The Crane Wife 3, donde se cuenta una parte de una bella leyenda japonesa, que luego se desarrollará en el tema The Crane Wife 1 &2. Buen pop para comenzar. A continuación vienen más de doce minutos de rock progresivo, con buenos teclados setenteros (señor Berlin, usted sabe más de esto que yo, y sí, sé que le debo la reseña del disco de Genesis y el de King Crimson), en un tema compuesto por tres segmentos, de letras estilizadas y oscuras, casi salidas de algún libro de relatos de Ambrose Bierce. Hay más prog rock, más pop, y hasta un guiño a su estilo de antaño, con una balada sobre un grupo de asesinos de niños (The Shankill Murderers).

No, The Decemberists no se han vendido. ¿O es que alguien cree que temas de más de diez minutos, con influencias folk y de rock progresivo venden? No, el grupo sigue su propio camino sin hacer concesiones, variando su sonido y enriqueciéndolo con lo que les sirva. Atrás queda el puro folk, pero una cosa se mantiene: Colin Meloy sigue escribiendo unas letras maravillosamente indescifrables si no es a punta diccionario.

portadas favoritas- segunda entrega.

Esta vez es mi turno, elegí el rock progresivo como tema de las portadas, aqui mi selección

Thick as a brick. jetro tull. (1972).
es ingenioso, una portada que sea la primera página de un periodico, y eso que jetro tull a mi no me llega...

The lamb lies dies down on broadway. genesis. (1974).

un disco con una música que no ha envejecido bien, pero la portada es extraña, parece de libro de enseñanza primaria de los setenta, a mi me gusta.

In the court of King Crimson. King crimson. (1969).
disco fundamental de la historia del rock, una obra maestra indiscutible, y una portada que se extiende mas allá de si misma, me encanta.

in the wake of poseidon. king crimson. (1970).

un popurri de personajes, cada cual mas extraño, mitológico y mágico. bien puede ser la portada del próximo cinema zombie.

The hangman's beautiful daughter.The incredible string band. (1968).

no tengo idea de que va el disco, pero que bonito tener una foto familiar asi.

The sounds. “ dying to say this to you”. (2006).

La cosa es sencilla y entretenida, un grupo pop con algo de actitud punk, un sonido moderno, fácil, asimilable, no es una música que habla de grandes historias o que se desmelene por el virtuosismo técnico, es algo mas como un divertimiento pero eso si muy bien producido, no por nada hay nombres importantes detrás de esta empresa: jeff saltzman, James Iha (smashing pumpkins); el atractivo extra de esta banda lo pone su lider la cantante Maja Iversson, a la que le han acusado de copiar el estilo de ciertas cantantes del pop de los ochenta, lejos de esta polémica lo cierto es que el disco alcanza cierta diversidad en las melodías muy apreciable lo que hace de este trabajo un disco que en ningún momento aburre, temas como: don’t want to hurt, night after night, painted by numbers o ego son prueba de ello, recomendado para aquellos que crean mas en la frescura del pop adolescente que en el corrosivo rock adulto.

Picaresque, The Decemberists, 2005

A veces, cuando llega a mis manos un disco nuevo, me cuesta encontrar de qué trata exactamente, y sólo cuando leo sobre él, cuando pasa cierto tiempo y capto su onda, o cuando me formo una imagen mental de cómo puede ser su estética (no cómo visten sino a qué se parece lo que dicen), entonces me empieza a gustar. Ese pudiera haber sido el caso de The Decemberists. Normalmente me hubiera demorado más en aceptar su propuesta, pero cuando leí en una crítica cómo era el grupo, ahí sí que se despertó mi curiosidad. Y es que The Decemberists tiene tanto de banda de rock como de troupe teatral. Su música, una imposible combinación de folk-rock, con pop de cámara y muchas cosas más, tiene una definitiva influencia de los cuentos victorianos, de marineros, y temas muy literarios.

Picaresque, el disco que nos ocupa, puede calificarse de teatral en el mejor sentido de la palabra. Su carátula no es gratuita, y desde el primer tema, The Infanta, nos damos cuenta de que a este grupo le interesan cosas diferentes. Su música es muy buena, pero es en las letras donde se apartan de la normalidad. Es como si un grupo de nerds, aficionados a disfrazarse en las ferias medievales, a leer todo el día elegante literatura inglesa, y a inventar historias fantásticas en sus diarios, se hubiera reunido para armar un acto. Y esto pudiera haber sido peligroso, pero demuestran buen gusto, talento, elegancia y unas referencias impecables. Las letras son particularmente literarias, y si no me creen, traten de leer alguna sin tener que acercarse a un diccionario.

El disco está casi ausente de material de relleno (hay alguna canción no tan buena, pero nunca mala), y algunos temas son casi normales (para lo que este grupo logra hacer), como Sixteen Military Wives o The Sporting Life, pero es cuando se acercan a su faceta teatral que el grupo alcanza los mejores momentos. We Both Go Down Together, un bella y cruel historia de amantes suicidas en Dover, Eli, The Barrowboy, otra triste historia de amantes separados por la muerte, o The Engine Driver son los temas más afortunados del disco. Eso sí, la majestuosa The Mariner's Revenge merece comentario aparte. Casi nueve minutos de una larga historia de venganzas, madres tuberculosas y vida en el mar contada desde el vientre de una ballena, la canción es casi la banda sonora de una pequeña obra de teatro musical. Casi pueden verse los escenarios y las imágenes donde transcurre el cuento, y si además se incluyen ciertos efectos de sonido, pues ya no podemos sino reafirmar la tendencia escénica de la banda, la cual debe ser un placer ver en vivo. La coda frenética con ritmos marineros y acordeones bailables es infecciosa y pone fin al mejor tema del disco.

Un excelente disco, para todo aquél que guste de un poco de fantasía, psicodelia (en algún momento los compararon con Neutral Milk Hotel), teatralidad, literatura... y la vida en el mar.

De todo un poquito (clasic).

Led zeppelin. In through the out door (1979).

Led Zeppellin es indudablemente uno de los grupos punteros sino el mas de los años setenta, hijos del Beat británico, amantes del folk, la sicodelia y el rock duro no es de extrañar que sea una página fundamental de la Biblia del Rock de todos los tiempos, en este su último trabajo en estudio la despedida final era algo inminente la cual fue precipitada por la muerte de su baterista John Bonham. No creó que a muchos fans del grupo les agrade realmente este trabajo, ya que se aleja radicalmente del estilo que la banda impuso en sus primeras salidas y trabajos, pero a mi me gusta, hay temas como “Fool in the rain” y “All my love” que son mas temas melódicos pensadas en sonar en la radio que temas propiamente duros o himnos épicos a los que la banda estaba acostumbrada. Ya no hay excesos instrumentales, ni la voz de Robert Plant con sus acostumbrados chillidos, ni el virtuosismo instrumental de jimmy Page, no, realmente se notaba cierto cansancio, ciertas ganas de buscar nuevos aires, hacer otras cosas, incluso en el único tema épico del disco “carouselambra” llama la atención es el sintetizador como instrumento principal algo extraño para una banda propia de rock duro y eso que las mejores épocas del rock progresivo ya habían pasado, como todo trabajo tiene sus discos flojos la impensable “hot dog” y también los hay interesantes “i’m gonna crawl” (blues cortesía de Jimmy page), un disco en mi concepto muy bueno para oyentes ocasionales, pero prescindible para ultra-fans.

Can. Ege bamyasi. (1972).

Después de la decepción que significo al menos para mi Monster Movie, decidí escuchar otro disco de los incombustibles Can, la elección cayó en Ege Bamyasi, disco posterior a la publicación de esa joya que es Tago Mago, el disco empieza con dudas, titubeos, como que no alcanza a arrancar ni temas como “pinch” o “vitamin c” me acaban de convencer, pero en la mitad final del disco llegamos a la mejor parte del mismo, la sicodélica “soup”, que parece haber sido grabada en medio de una construcción abandonada, ruidos inconexos, teclados y órganos que aparecen y desaparecen, los sonidos comienzan y terminan una y otra vez, llamémoslo “ anarquía enérgica” la verdad es sensacional y las últimas dos canciones “i’m so green” y “spoon” me encantan como que después de esa locura llega algo mas relajado e igualmente estimulante, un disco bastante agradable con muy buenos momentos que aunque no este al mismo nivel de su Tago Mago si coloca a esta banda a la vanguardia del mejor sonido de su época.
Pd: la portada art me parece feísima, lo voy a proponer como concurso de las portadas sección “las más feas”.

Herbie Hancock. Headhunters. (1973).

Herbie hancock, pionero del jazz electrónico, budista, y discípulo del jefe de jefes el intocable Miles Davis, nos trae un disco indiscutible a la hora de hablar del jazz experimental. Hancock, había mostrado desde años atrás un amor cultivado por los sintetizadores, el moog y demás aparatos electrónicos para sazonar sus composiciones, no solo como una opción sino como una forma de conectar con una mayor audiencia sin olvidar el estilo clásico pero agregándole efectos que lo pudieran hacer mucho más atractivo y si que lo logró. Headhunters es una mezcla de funk electrónico, con una adecuada sección de cuerdas y viento y lo mas indispensable el toque de Hancock al lado de sofisticados sintetizadores y órganos electrónicos que le dan un aire fresco a las composiciones, si bien es cierto el disco se identifica con una época en particular (1970-1975), hoy en día suena muy bien, no ha envejecido mal y la verdad es una delicia para pasar una tarde amena; como no tararear en la mente los primeros instantes de “chameleon” con ese tan-tan-tan-tantantan-tan-tan-tan y la sección de vientos de “watermelon” , y el ambiente etéreo desplegado por ese temazo que es “vein melter” en fin, no soy el mas afiebrado al jazz y no creó que me aguantaría mas de una hora de una audición de esta música, pero si es algo medianamente parecido a lo que Hancock no has demostrado en este trabajo bien vale la pena escucharlo atentamente.

Richard hell & the voidoids. Blank generation. (1977).

1977, buen año para el punk, desde ambos lados del océano atlántico iban y venían sonidos feroces, torpes, efímeros, simples, y entre toda esta jungla habría que hablar de Richard Hell (Richard Myers), personaje nacido en Kentucky, pero hecho musicalmente donde no mas sino en Nueva York, el C.B.G.B (mítico antro punkero y de animales raros) le dio la bienvenida, antes había trabajado con su compañero de colegio Tom verlaine en Televisión pero su forma de ser lo hacia incompatible para congeniar con mucha gente. Es así como Hell decide juntarse con otros neuróticos igual que el y formar su banda los Voidoids los cuales creaban un estilo que rememora al mejor rock and roll cincuentero pero agregando la voz infernal de Hell, acompañado de unos sonidos ásperos, irritables, con unos riffs como en casi toda la producción punk inconexos, los instrumentos no se tocan, se golpean para torturar al mas desprevenido de los oyentes, y eso que hay temas muy agradables como: “New pleasure “y “down at the rock and roll club”. Ahora no todo era violencia, hay temas como “another world” y “all the way” donde se nota las ganas de poner una voz mas moldeada y una instrumentación mas organizada en beneficio de un sonido mas depurado, Hell era salvaje y complicado pero no tonto, y como se escucha hoy en día tal vez no impacte tanto como en su época pero es un disco infaltable en la colección particular de cualquier fan punk.

Join Hands- siouxsie & The Banshees. (1979).

En alguna ocasión le habia presentado a mi amigo m.a una critica española sobre este trabajo donde palabras mas palabras menos descalificaban este trabajo comparandolo con una serie de ruidos inconexos que levantarian de su sarcófago al mismísimo rey tut, no es para tanto, primero que todo porque es un trabajo digno y eficaz y segundo porque si bien es cierto que se nota cierta dexconexión no es por incompetencia sino por lo difícil que fue para la banda realizar este trabajo.

luego de su primer lanzamiento (scream), se presionó a la banda para lanzar su segundo trabajo, el tiempo corría rápido y habían dudas, el material no estaba aún preparado como se había planeado, en ese momento comenzaron los problemas internos, que generaron 2 bandos en la misma banda; por un lado siouxsie y steve severin y por el otro lado John MCcay y Kenny Morris, el punto álgico fue la elección del productor americano mike stavrou quien no tenia mucho en cuenta las ideas de MCcay y morris, al parecer se tomaban decisiones sin el consentimiento de ellos tanto en la parte de diseño gráfico como en la parte musical lo cual empeoró las cosas, incluso morris declaro en alguna ocasión "stavrou was a little shit".

la ruptura definitiva se presenta en el tour de promoción de la banda donde MCcay y morris abandonan y siouxie y Severin tienen que llamar a algunos amigos para poder finalizar el tour. con todo esto uno supone que el clima de creación del disco no era el mejor, no obstante ese aire pesimista, malsano, en algunos momentos gótico (realmente gótico, no la mentira que algunos grupos locales, se creen) ayudo a crear hits memorables, ayudados por una percusión potente aunque a ratos torpe, muy poco melódica si se quiere y unos riffs que castigan al amante mas purista de el estilo clásico del guitarreo convencional, pero hay esta el secreto, no se trata de virtuosismo técnico sino de eficacia conceptual, estilo donde el grupo podía rendir mejores dividendos, de aqui se destacan: la excelente Playgrund twist (único single lanzado), Prematurial burial (inspirada en E.A.Poe), o Mother/oh mein papa donde solo se escucha la voz de siouxsie y una caja musical mezcla entre niñez perdida y terror gótico. El disco esta plagado de cierta depresión como si las canciones fueran himnos al aislamiento a la desolación a la incompresión, bueno tal vez no sea para tanto, pero si hay cierta busqueda para encontrar las tineblas dentro de la luz, algo que en los primeros discos los Banshes lograron acercarse. recomendado para amantes del cool Wave, New Wave, post punk, onda siniestra y demas estilos de la época.

Portadas Favoritas, primera entrega.

Nueva sección en el club de los discos. Aquí van mis primeras favoritas, algo de glam, 70´s...

Roxy Music ¨Country Life¨ (1974)

¿Qué decir? Demasié...

David Bowie ¨Aladdin Sane¨ (1973)

Emblemática. Favorita entre favoritas, adolescencia morbo y sci-fi. Sugestiva y ambigua, como tenía que ser. Hermosa.

David Bowie ¨Hunky Dory¨ (1971)

Mis amiguetes del club se burlaron cuando propuse esta, ¿Qué puedo hacer? me gusta, así soy.

Brian Eno ¨Here come the warm jets¨ (1973)

Misteriosa e intrigante. La primera vez que la vi, todavía estaba en el colegio, escuchando punk-rock, H.C. y new wave, pensé, ¿qué carajos es esto? años después lo escuche y me dije, si. Cumple lo que promete.

A flock Of Seagulls. The Best of A flock Of Seagulls (1991, BMG- RCA).


mucho se dice sobre la decada de los ochenta, de su música, de su ropa, de su política, de sus series de televisión, para algunos fue lo peor, para otros (en mi caso particular) fue una época sumamente entrañable, y creó que muchos de los que visitan esta página se pueden sentir identificados con esta apreciación; los ochenta por lo menos su primera mitad fueron el caldo de cultivo de las bandas armadas con sintetizadores y teclados, formando lo que se conoce como synth pop, tecno pop, siendo sus años dorados 1980 y 1981, después el concepto evoluciónó comercialmente mas no musicalmente y se dió paso al movimiento pop de los nuevos romanticos (duran duran, adam ant, OMD, visage), se puede hablar de un amplio predominio británico y de una gran preocupación por la imagen, esto ayudado por el recién nacimiento de un canal de videos (MTV, que hoy en día es una caspa de armas tomar).

Entre los muchos grupos de la época destacaré sin lugar a dudas a los A Flock Of Seagulls, cuarteto originario de Liverpool, que tuvo una efímera pero intensa carrera musical. siempre me llamó la atención este grupo por varios razones, consideró que reuné lo peor y lo mejor de su época, lo mejor: synth pop entretenido, los únicos riffs de guitarra que me gustan de ese movimiento, liricas melancólicas (increible, pero es cierto ¡¡¡), y melodias de fácil identificación; lo peor: ellos mismos, nadie en sano juicio quisiera ser como ellos, y eso que Mike score su lider es peluquero, pero la verdad de pintas nada que ver, esos copetes, esa pintura, ufff, es para chiflarse de risa. Pero volviendo al tema musical los A flock... si tenian mucho que decir y es ahi donde esta la diferencia con otros grupos, mientras que Duran Duran son bonitos y Visage se pinta la cara de blano y rojo sus discos hoy en dia no transmiten mucho, salvo en su género, en cambio los A Flock.. hoy en dia suenan mucho mas interesante y si se quieren mas influenciantes que otras bandas de su cohorte. la voz de Mike Score esta dotada de una cierta nostalgia, que agregada con el buen hacer de los demas miembros logró temas imprescindibles del tecno pop: I ran so Far Away, Space Age love song, nightmares, wishing y la archiconocida The more you live, the more you love, y si no creen lo de las liricas lean la primera estrofa de the more you:

you never give your heart to a stranger

or tell you secret to a friend

you'll put your heart in mortal danger

they all desert you in the end...

Y asi por el estilo, hablando del CD, es un buen disco pero no es excepcional, faltan temas imprescindibles: tokyo, moderno love is automatic, y en el cd, como en todo cd recopilatorio quedan huesos en este caso la ramplona who's that girl, pero a cambio nos regalan un tema buenisimo: D.N.A. , el resto es lo mismo que suele pasar con estas bandas, su soporte va de la mano de una moda que si no logra evolucionar los engullece fácilmente, se acaban los hits en las listas, peleas entre los miembros y el siguiente paso es la desbandada.

De la mejor época del synth pop británico les recomiendo esta pieza y en general este grupo, ideal para escuchar una tarde de domingo, momento crucial para recordar viejas épocas con los mejores recuerdos que nuestra mente pueda retener.

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Tuxedo moon. "Solve Et Coagula", The best of (1997).

Es grato sin lugar a dudas tener la oportunidad de escuchar un disco que te produzca emociones amables con una música que en principio dificilmente podria ubicarla uno en un contexto de familiaridad , con esto me refiero a que la mayoria de los grupos de musica tecno industrial son respetados y venerados pero dificilmente uno puede admitir con sinceridad que son grupos con algo de corazón mas allá de las frias maquinas. No dire ahora que tuxedomoon son todo corazón y nada de metal, pero si hay un esfuerzo por tratar de conectar con un público más amplio sin necesidad de distorsionar de concepto y mucho menos torcerse a favor de las grandes masas.

originarios de San francisco y pertenciendo a la ultra vanguardia americana los tuxedomoon se afincaron rápido en Europa donde Bruselas fue su epicentro principal, la idea era clara, teclados, guitarras distorsionadas, cajas de ritmo (en los setentas ¡), voces sobre expuestas y un bajo intuitivo, repetitivo y potente. Como es de pensar la escena post punk los acoge con los brazos abiertos pero la lista de exitos con frialdad, importa ¡¡¡¡, no creo, su música nos llega de una manera soberbia y eficaz, sin despeinarnos mucho, pero tampoco dejandonos las cosas facilitas, en resumidas cuentas : equilibrio. pero de que va el disco, se preguntaran ?, es simplemente una recopilación , con catorce temas, y una evolución musical patente, recomiendo temas como: "some guys" y "dark compannion" con su bajo potente y omniprescente, la conocida " a manner of speaking" donde la voz principal y la textura sonora son impresionantes, este bien puede ser el tema central de una spaggetti western futurista, y hay otros temas muy buenos como "desire" y "59 to 1" y descaches como la tropical "atlantis", pero todo disco recopilatorio los tiene, en fin si despues de todo esto no te da curiosidad por escucharlos, mejor vete a dormir, ya que los Tuxedomoon estan aqui, amplio recomendado.

Can. "monster movie". 1969.

Siempre he respetado la música de Can y considero que son un grupo interesante y pionero en la vanguardia experimental alemana, "Tago Mago" una de las obras que mas me ha gustado de ellos y que la considero punto de referencia obligado para todos aquellos que quieran escuchar buen krautrock. Por este motivo me tome la molestia de escuchar su "Monster Movie", sinceramente tengo que reconocer que me siento decepcionado, esperaba mucho mas, si bien es cierto la agrupación repite con solvencia la formula instrumental el cambio de registro vocal altera para mi dramaticamente las cosas, no es que Damo suzuki sea un "pavaroti" al lado del micrófono pero su ausencia se hace notar, ya que su estilo pegaba con el de la banda y aunque malcolm money no lo hace mal no creó sea el indicado. temas buenos los hay: "mary, mary so contrary" y monótonos también "yoo do right" (que desafortunadamnete dura 20 minutos). en conclusión por que no hay mucho que agregar si eres fan de Can no importa lo que diga te va a gustar, si no lo eres, entonces te remito sinceramente a escuchar "tago Mago" para que asi las cosas se equlibren y todos felices.