Justus Köhncke "Homogen" (Kompakt, 2003)

Dentro del catalogo de artistas de la Kompakt (responsables no en poca medida de la invasión minimal que hemos sufrido desde hace ya mas de dos años), destaca este obseso musical, el señor llamado Justus Köhncke ¿Por qué? Una excelente habilidad melódica, un inusual sentido del ritmo y cero prejuicios a la hora de lograr una aproximación entre experimentación y genuino gusto pop, logrando respaldo y credibilidad por parte de publico y critica. Dentro de la producción del señor Köhncke, este 12 pulgadas es mi favorito y creo, la mejor carta de presentación de este artista (bueno, a lo mejor exagero, ahí están también "2 After 909" y "Elan"), por un lado esta "Weiche Zäune", una de esas canciones como para enamorarse en la pista de baile, que no pase nada, tomarse un gin y e irse a casa contento... De no ser por "Homogen" en el otro lado, un autentico rompe pistas de 6'13", que por el contrario con sus loops de bajo, samples de guitarra funky, sabrosa percusión y como no, sintes techno te jalaran pa' delante, don Köhncke sabe como reinventar la música disco y no le sale ningún revival nostálgico, ni nada de "música del mañana". Es música para disfrutar y bailar, ya.

Tres Discos: El País del Chocolate

Abwärts "Roboter In Der Nacht" 7" (Zickzack, 1981)

... O punk y new wave a la alemana: NDW (Neue Deutsche Welle). Sencillo de dos temas, el primero "Roboter In Der Nacht", una sabrosura punketo-robótica-epiléptica de esas que se traducen apenas escuchar los primeros riffs en una palabra: Pogo. No tengo ni idea de que va la letra pero que buena canción, no sé sí los alemanes sean tan fríos como siempre se les ha percibido, ¡Pero que ritmo se gastaban estos! El segundo tema, " Für Mutti" ya es otra cosa, mas en onda techno-industrial primigenia (no por nada aquí militaban FM Einheit y Marc Chung, futuros Einstürzende y Marcel Zürcher quien luego guitarrearía en Die Krupps), con un elemento funk mas entre el estilo de Der Plan y Fehlfarben, otra cosa. Eran versátiles los estos.












New Deustch (International Gigolo Deejays, 2003)



Disco recopilatorio con selección a cargo del propio Capo Gigoló, el propio DJ Hell, recogiendo lo mas representativo de esa cosa (o movida, da lo mismo) llamada NDW (de nuevo: Neue Deutsche Welle), algo así como "la nueva ola alemana", que no era otra cosa que la versión teutona del punk y la new wave británica. Mentira, aquí se batía otro cacao y se bailaba bien distinto. Para empezar (y nada mas este detallito): El idioma. Con sus propios sonidos y una rítmica bastante sincopada (o si no recuerden los raps de Falco), este era un elemento decisivo de una musicalidad particular y bastante original, no por nada casi siempre que escuchamos alguno de estos tecno-punks nos imaginamos una pandilla de tipos arty todos vestidos de negro y bailando como robots (¿Alguien dijo el Big Lebowski?)... El otro detalle quizás sea el afecto que esta gente siempre le ha tenido a los sintetizadores, lo demás era la manera en que los alemanes entendían o se inventaron su propia música moderna, que aunque fría, marciana y arty a ratos, no esta de mas decirlo, también les podía salir divertida a ratos

Y si, es un disco divertido a ratos. Los sonidos van del tecno-zumbido repetitivo de Weltklang, la "oscururidá" de Grauzone, No More, Echowest y DAF, algunas joyitas del techno-pop mas asequible de Der Plan, synth-pop bonito como el de Cristof Glowalla, piezas con mas elemento funky orientadas a la pista de baile como Eiskalte Engel y Fehlfarben y así. Un buen documento para iniciarse. Al menos a mi sirvió... Y me engomo bastante.


Ellen Allien "Berlinette" (B-Pitch Control, 2003)

Hay ocasiones en las que al intentar elaborar un juicio de valor sobre algo, uno ya va predispuesto a que no va a poder ser objetivo o parcializarse, así que ¿Para qué fingir? Adoro este disco, es quizás mi disco favorito de botones, de aquel periodo (ya saben, el electroclash haciendo sus últimos estragos, el revival post-punk empezando...) y la Ellen luciéndose con este discazo, (su segundo largo) y el primero que yo escuchaba de ella, electro, breaks, sampleos de guitarras, sintes y ¡Esa voz! en pequeños fragmentos sampleados y dispuestos de manera repetitiva pero melódica a la vez, (bueno, también en estrofas completas)... No me malentiendan, no es una voz espectacular, es un uso de voz efectivo. A estas alturas todavía escucho "Sehnsucht" y me emociono. Decía antes que los alemanes no tenían alma y eran unos robots, ¡Mentira podrida! Ellen Allien (como también Barbara Morgenstern) si que tienen alma y saben ponerla en sus músicas de botones. Luego la Ellen ha sacado mas discos unos bien otros mas irregulares y así pero nunca nada tan soso como para que no resulte interesante, ella es creadora de un sonido que no ha tenido demasiados discípulos aunque su sello B-Pitch Control si que tiene una identidad.

Disco bonito y marciano donde los hay. Alguien decía de los amores platónicos, "prefiero evitarlos por higiene física y mental". Pues eso.

Do Make Say Think.

Do Make Say Think (1998).

cuando los escuche por pimera vez pense que era un disco de 1976, primer error; también pense que eran los Tortuoise, segundo error, aunque ni tanto; finalmente pense que sonaba igual a todo lo que habia escuchado antes, tercer error; realmente si suene muy parecido a todo pero a la vez es diferente. Do Make Say Think es una banda con un increible sónido que rememora odiseas espaciales, que llena espacios vacios, que te invita a levitar, musica profumeta, no, no me malinterpreten, lo que quiero decir que es un sonido que invita a descansar y a perturbarse a la vez. no es New Age, No creó que sea Nuevo Rock, es algo diferente, si ya se que de etiquetas hablamos algunos diran que suena muy parecido a Tortuoise (es cierto) y otros aseveraran que van por caminos similares a los Godsped you Black emperor (también es cierto), pero por un momento me detengo a pensar que tal vez tengo en mis manos y entra por mis oidos una música dificil de clasificar y mucho menos de imaginar. si con esto no te entra curiosidad, entonces sigue escuchando merengue, vallenato y reggaton. aunque creo que los visitan esta pagina, ya lo habran escuchado y saben que quiero decir.

pd 1: Dr Calamar, que buen pack ese que me trajiste (apenas lo pude escuchar), hay mucha para comentar pero ya de manera verbal, y de silver mt zion y godsped... música para el juicio final. very good.

TV ON THE RADIO.

"desperate youth, blood thirtsy babes." (2004).

La música es un constante devenir, los ritmos van y vienen con el paso del tiempo y no importan la moda imperante los grupos mas astutos y organizados utilizan el nuevo modelo con algunos elemento de antaño para crear piezas que contradictoriamnete suenan a nuevo pero que en el fondo ya las hemos escuchado mucho antes, este es el caso de la banda americana TV ON THE RADIO, una banda que transita por los caminos del indie, el bues, el sonido pop experimental y quien lo creyerá el gospel, en fin con tantas referencias la cosa debe ser especial, no obstante se encuentran en el camino puntos de inflexión, que lo mueven a uno a pensar que es un producto mas prefabricado y poco original de lo que creía.

A ver, para empezar por lo mas destacado temas como dreams y staring at the sun son discos en un linea pop muy bien realizados, melódicos, que refuerzan a la banda en un concepto de solidez rítmica bastante interesante, pero en algunos temas se nota cierto plagio, cierto afan no de eclecticismo sino de robo que aunque no esta mal, resta puntos por querer hacer pasar algo como novedoso sin serlo, por ejemplo en el tema "wear you out" el punteo de guitarra se parece mucho a lo realizado por Bauhaus; en "bomb Yourself" imposible no pensar en Sly & the family stone; en " the wrong Way " en la velvet underground, en fin hay una serie de referencias que no logran consolidar un estilo mas propio sino una buena recopilación de ritmos e influencias, a esto debemos agregar el mayor problema de la banda, la monotomia que aveces acompaña a sus temas, defecto que se hace patente en el tema "king eternal" y en la voz arrastrada y gélida que acompaña a la mayoria de los temas del disco.

no hay que ser tan severo, hay cierto aire sombrío y lugubre en sus temas y unas buenas melodias experimentales, pero en el fondo me gusatria escuchar otro trabajo de esta banda para ver si son capaces de consolidar un sonido mas propio sin necesidad de reciclar una y otra vez el pasado.

Festival Moog.

Jean Jacques Perrey.

The Amazing New Electronic Pop sound Of Jean Jacques Perrey. (1969).

Moog Indigo (1970).

Moog Sensations.

Jean Jacques Perrey es un compositor francés que durante la decada de los sesenta y mediados de la decada de los setenta fue un precursor y abanderado de la música electrónica por toda Europa y luego América. Como es de suponer su elemento preferido es el sintetizador "moog", aquel artilugio que crea sonidos espaciales, cómicos, operisticos y sobrenaturales, que aun hoy en dia bien utilizado es una delicia que sazona algunas producciones del nuevo post rock.

Gracias a la colaboración de mi amigo el Doctor Calamar he tenido la oportunidad de escuchar con retraso pero con detenimiento 3 de sus obras; la estructura siempre es la misma, es decir, piezas cortas, mágicas, divertidas, que pueden servir para spots publicitarios, bandas sonoras o como para divertimiento en un parque de diversiones, este método de editar su música me recuerda a la forma similar que utilizaba por ejemplo la agrupación The Ventures, solo que esta utilizaba predominantemente guitarras, percusión, aunque los efectos electrónicos aparecieron después.

Moog indigo es tal vez el mas concreto de los tres, con piezas de fácil recordación que contine las clásicas "The elephant Never forgets" AKA " El Tema Del Chavo Del Ocho", y el rítmico "E.V.A" y en Moog Sensations hay un tema fantástico que puede ser el himno de cualquier pieza infantil que se respete "The minuet Of The Robots". En resumidas cuentas música extraña, recomendable, agradable y divertida.

Club 8 - Strangely Beautiful (2003)

Más pop. Y otro grupo de Suecia, de donde salen cantidad de grupos de buen pop. Algo comerán por allá que les sale tan bien.

Club 8 produce unas melodías calmadas, muy sutiles, apoyadas por la voz eterea y susurrante de Karolina Komstedt. De sonido muy acústico, el dúo (la otra mitad es Johan Angergård) crea unas atmósferas cálidas e intimistas. Con influencias de bossa nova en algunos temas que no se comen la roducción y combinan muy bien con su sonido original, Strangely Beautiful es un disco cortísimo: diez temas en apenas 28 minutos. Pero la hermosura de su música nos hace pensar que es la dosis perfecta. No hay canciones que sobren y por su corta duración se disfruta de un tirón sin cansar. A pesar de moverse en una misma tónica no cansa, y las pequeñísimas variaciones de atmósfera, así como la variada instrumentación (a veces totalmente acústico, otras con algún beat electrónico) hacen de este un disco perfecto para un picnic tranquilo en un día soleado. Muy ligero, pero es como suelen decir: lo bueno, si corto, dos veces bueno. No estoy totalmente de acuerdo con generalizar tal afirmación, pero es preferible que sea corto a que se hubiera llenado con canciones superfluas.

Qué buena racha de buen pop. Y lo mejor, no hay exceso de almíbar que produzca comas diabéticos.

Ah, y no los confundan con S Club 8, una especie de secuela del grupillo de pop adolescente S Club 7. Nada, nada que ver.

las Aventuras epicas de una banda atlántica en el reino de los nibelungos.

Nektar.

Journey to the centre of the eye. (1971).

A tab in the ocean. (1972).

Remember the future. (1973).

El rock progresivo fue unas de las tendecias musicales que mas difusión tuvo a finales de la decada de los sesenta y princios y mediados de la decada de lo setenta refiriendonos a la música rock contemporanea del siglo XX. muchos fueron las bandas que pasaron por lo oidos de múltiples oyentes en todo el mundo, algunas mejores que otras, algunas con mejor suerte que otras, algunas más prolificas que otras, pero lo caracteristico de todas estas bandas eran la solidez instrumental de todas ellas, no habia cabida en estas bandas para músicos mediocres, las portadas de sus discos que describian mundos fantasticos, paisajes desolados, o arte contemporaneo y la extensión de sus temas, discos de mas de 10 minutos, con solos instrumentales de sintetizador, bateria, guitarra , etc.

Nektar, es una de las bandas menos conocidas de la estela progresiva, oriundos de inglaterra pero afincados en Alemania, con un estilo mixto, es decir, recopilan lo mejor de la instrumentación clásica con letras fuertes y guitarras destorsionadas típicas del Heavy de otras bandas contemporaneas. Nektar, no es un cuadro sinfónico al estilo Yes, tampoco es una propuesta reflexiva y vanguardista como King Crimson, ni mucho menos un estilo teatral como Genesis. Nektar tiende a ser un grupo de una corriente mas parecida a grupos como: Gentle Giant, The Strawbs, o incluso Deep Purple, algo asi como una suerte de Rock duro, Folk y jazz, sazonados con organos Hammond y obviamente y aquí tal vez su máxima influencia : Pink Floyd. para nadie es secreto que muchas de las bandas alemanas de finales de los sesenta intentaron copiar el estilo Floyd, con esas guitarras atmosfericas, y con esos teclados etereos, en fin, el poblema no es copiar las cosas buenas, sino repetir una y otra vez la misma fórmula con lo cual el público y el mismo concepto musical se satura, lo cual tiende a aburrir y cansar.

Entonces Nektar, aburre ?, la verdad a ratos si, esa bateria una y otra vez, esa guitarra eterea, conocida hasta la saciedad, y el estilo vocal muy parecido a lo realizado por los Strawbs, no es que la voz se parezca a la de David cousin (strawbs), pero el enfasis en las melodias, y la instrumentación a ratos se acerca al desoden provocado por bandas como: Kansas. es decir, Nektar, a pesar de ser ingleses afincados en Alemania suenan a una banda progresiva americana que terminaria haciendo AOR (Adult Oriented Rock), si se lo permitiaran.

Pero no se preocupen no todo esta perdido, esta banda logra buenos momentos, sobre todo en el album " A Tab In The Ocean", a mi parecer su disco mas imaginativo, sobre todo en sus dos primeros cortes, " A tab in the ocean" y "desolation valley/waves", con unos buenos arreglso y una composición sobre todo la primera que define la forma de ser de la banda. En A journey to the centre of the eye (1971) encontramos piezas mas cortas, mas imaginativas y si se quiere algo mas entretenidas, no obstante falta la contundencia de las obras maestras. Remember the future, es un trabajo ya en una linea mas dura, mas parecido a un Deep Purple eléctrico que a una banda progresiva.

En conclusión si eres amante de esta tendencia musical, Nektar no te sera indiferente, eso si, no encontraras nada nuevo, pero aqui no se trata de eso, sino de desmelanarte (mentalmente) o de hipnotizarte, aunque para ser honestos en el amplio panorama sinfónico, tal vez Nektar no pase a la posteridad aunque siempre sera estimulante escuchar ese primer lado de "A Tab In The Ocean".

Sexy Tecno.

Soft Cell. Non- Stop Erotic Cabaret. (1981).

No todo el Tecno británico proviene de Manchester, liverpool o Sheffield; Leeds es otra ciudad que da su aporte, gracias al duo conformado en 1979 por Dave Ball (máquinas) y Marc Almond (voz); el golpe definitivo lo dan en 1981 con el fantástico Non -stop erotic cabaret, un disco que recrea estetas dramas decadentes sexuales, que despliega sensualidad pop y erotismo por doquier, todo esto logrado por la sensual voz de Almond. títulos como la archiconocida "tainted love", la sensual " Seedy films ", la nostálgica "say hello, say goodbye", la atmosférica " bedsiter". con todos estos adjetivos se supone que estamos ante una pieza clave del tecno británico, no es para menos, sus parámetros luego fueron plagiados por otros grupos pop mas mas consumistas pero menos elegantes (Berlin, Boy's Don't Cry ). aun asi esta pieza fundamental del género debe redescubrirse no solo paar conocer mucho mas de este efímero duo sino para darse cuenta que Soft Cell son mucho mas que "Tainted Love".

Fountains of Wayne - Utopia Parkway (2002)

Y seguimos con pop. Esta vez con power pop de la mano de Fountains of Wayne, un grupo con diez años de trayectoria, no tantos discos, pero sí muchísimas apariciones en cine y tv.

Utopia Parkway, su segundo trabajo, es una especie de disco conceptual que habla sobre la vida en los suburbios de Estados Unidos. Con letras que retratan la vida cotidiana de estos aparentemente idílicos parajes, a la vez se muestra cariño por estos sitios, a la par que se reconoce que no todo allí es felicidad, sino que también hay espacio para las decepciones... y la sátira. Las melodías apoyan esta paradoja, siendo a veces alegres como un día soleado, a veces amargas y cínicas, y en otras melancólica a la vez que plácida como el eterno atardecer de verano. Se puede reconocer una cierta influencia de los Beach Boys, pues el ambiente de jardines y supermercados de los noventa suena extrañamente similar al de los chicos de Brian Wilson en los sesenta con sus playas y tablas de surf: divertido, nostálgico y a veces triste, aunque el sol nunca acabe de ponerse.

No es un disco revolucionario, pues recicla clichés pop anteriormente vistos, pero lo hace inteligentemente y con un empaque casi perfecto. En lugar de complicar las cosas, las simplifica y con eso gana todavía más puntos. El disco es divertido, agradable y pegajoso, y no tiene temas de relleno. Y lo mejor es que uno puede hacerse un mapa mental de imágenes de esos pueblitos de los que hablan al oír estos temas. Go, Hippie; Prom Theme; The Valley of Malls... con sólo los títulos ya uno puede hacerse una idea de lo que hablan.

Un muy buen disco y ya.

Sonidos Zombies, Doctor Kosmos "Cocktail" (North Of No South/Minty Fresh, 1996)

por piranha deux

Doctor Kosmos es el proyecto en solitario de Uje Brandelius otrora teclista de la banda sueca de pop marciano Komeda y te trae el disco de muzak mas chiflado producido en los peludos 90's. rock 'n' roll muzak, bossa nova de organeta, temas porno y algo de baile, hasta un tema en pro de la bareta. Si usted es de los que disfruta con la musiquita de los ascensores o los supermercados, el viejito que tocaba el órgano antes en la U de A, a la hora del almuerzo por "Juguitos", este su disco. Ideal para amenizar sus reuniones, momentos de intimidad (allá ud.), paseos en familia, o fiestas karaoke (las letras son de lo mas fácil aun para quien no sabe mucho inglés)... Ahora, si lo suyo no es el pop de casio, este disco le puede servir para echar de su casa después de una fiesta salvaje al mas pegajoso de sus invitados.

Publicado originalmente en el fanzine #13 de Cinema Zombie, Medellín.

una tarde con Tangerine Dream.

Breve recorrido por algunas de las piezas mas destacadas de esta banda alemana, que ofrecieron en la experimentación, la electrónica y luego la new age sus mejores momentos.

Electronic Meditation. (1970).

Un trabajo que debe mucho mas al "Piper at the gates of dawn" de Pink Floyd que al posterior desarrollo electrónico de la banda. Aun entonces con la utilización de guitarras eléctricas, organos ceremoniales y percusiones intimistas la banda logra un aullido de ruido inconexo que logran por momentos dominar en temas como: "journey through A "o "Cold smoke". un disco interesante para fans, insoportable para oyentes casuales.

Zeit. (1972 ).

De ser una copia alemana de los sonidos experimentales del Pink Floyd mas underground, pasaron a la experimentación irracional y tenebrista. piezas como "nebuluos dawn " o "zeit" son ideales para ambientar mundos extraños, territorios fantásticos, planetas habitados por brujos o monstruos mitológicos. Un disco fantasmagórico y espacial en toda la expresión de la palabra que contiene una ambientación sonora digna de las películas de Mario Bava. muy recomendable.

ATEM. (1973).

Tal vez el primer trabajo que marcará los caminos por lo que el grupo transitará durante los próximos 5 años; un disco que describe desolación, aridez, atmósferas gélidas, no es fácil describirlo con palabras. no es particularmente de sus trabajos mas entretenidos e interesantes, aunque si establece una pauta en el camino a seguir. atem = breathless= sin aliento. desde el punto de vista pictorico : naturaleza muerta

Phaedra. (1974).

junto con Rubycon y stratosfear el trabajo que mejor define el estilo Tangerine Dream, sonidos liquidos, consistentes que penetran el subconciente, que lo alimentan, que viven en nosotros. ritmo vital, parsimonioso pero reflexivo, para dejarse llevar a través de un viaje al interior de nuestras propias mentes. si bien es un trabajo en el que la improvisación es evidente, es uno de sus trabajos mas destacados. Ampliamente recomendado.

sorcerer. (1977). (o.s.t).

william friedkin director de la película confirmó como ninguno de los miembros de T.D habia visto la película para realizar la banda sonora. el resultado fue obviamente para algunos unas imagenes acompañadas de una música al parecer inconexa, lejos de disgustar el ensayo tuvo relativo éxito. eso si el disco esta realizado con todas la parafernalia de los sintetizadores análogos de la época (mellotrons, moogs, ARP, etc). agradable, pero no importante.

cyclone. (1978).

Con la partida de Peter Baumann el grupo pierde inspiración, Froese ya no es la piedra angular sobre las cuales las ideas brotaban una tras otra; el grupo comienza una lenta pero inexorable caida en sus propias composiciones. El primer tema (el mejor sin duda) " bent cold sidewalk" combina el vocoder con fuertes liricas que logran momentos de dramatismo. no obstante las vocales a cargo de Steve Jollife crean escozor en los antiguos fans que ven con sospecha como la introducción de un voz solista en el grupo puede derivar en un aburrida banda pop electrónica que nada tiene que ver con el glorioso pasado. El resto del trabajo es prescindible.

Force Majeure. (1979).

Los tiempos cambian y la banda también. Tangerine Dream comienza alejarse paulatinamente del tecno experimental para adentrarse en los soporiferos terrenos de la new age. El disco comienza con la composición que da título al mismo disco "force majeure " la cual combina contrapunteos electrónicos, parajes desolados y hasta comercialidad eterea, las cosas iban bien pero ni "cloudburst flight" y "thru metamorphic rocks" llenan las expectativas. no es un mal disco, es solo que Tangerine Dream no volveran a ser lo mismo y ellos aun no lo saben.

Aqua. Edgar Froese. (1974).

El primer trabajo en solitario de Edagr Froese generó muchas expectativas, se encontraba en un importante periodo creativo y la verdad entre los fans de culto el trabajo gusta bastante, no obstante me saldre de esta tendencia para simplemente opinar que es un trabajo comun y bastante corriente, no ofrece nada nuevo respecto a lo realizado con Tangerine, es cierto las gotas de agua que una y otra vez golpean se oyen bonitas pero salvo eso no hay mucho que destacar. Eso si la portada esta de poster y solo por eso le daría una segunda oportunidad.

rock campestre.

Traffic. Mr Fantasy - (Island, 1968.)

album debut de la agrupación britanica Traffic, que combinó elementos de Rhythm & blues, Beat , sicodelia, sazonado con la actitud de la época. El primer disco del grupo se decantó por un sónido bohemio rural plagado de excelente instrumentación e intuiciones hippies bastante ingeniosas, donde destacan temas como: "paper sun (la voz melodica de steve Windwood acompañada del sitar de Dave Mason", " no face, no more, no number (hermosa balada)"," Giving To you, imposible no sonar a los Beatles", " hope i never find me there ( interesante rimo de percusión y flauta plagiado seguramente por un futuro Jetro tull" y " house for everyone ( mi tema preferido)". El grupo estaba conformado por Steve Windwood, Chris Wood (la mejor flauta que se pueda escuchar), Jim Capaldi (baterista eficaz) y Dave Mason (sitar y bajo a la orden del día).

posterior a este album Mason abandona el grupo por discrepancias con Windwood, aunque volvería a grabar con ellos regularmente. si bien no es un disco innovador en su concepto, es una delica de trabajo, agradable, entretenido e indispensable en la historia del rock británico, en una sola palabra: Ecléctico.

Genesis. A Trick Of The Tail, 1976.

luego de la partida de Peter Gabriel en 1975 de la agrupación Genesis, no estaba claro como podría subsistir la nueva formación sin su carismático lider. "A trick of the tail" fue la respuesta. los genesis perdian teatralidad, experimentación e incluso comienzan a alejarse del devaneo progresivo de soliloquios de sintetizadores y de cuerdas o baterias de mas de 7 minutos para adentrarse en un estilo mas rock, con elementos folk, llamemoslo si se me permite Rock Costumbrista, algo que por fuera de las fronteras del Reino Unido y con el paso del tiempo comienza a oler feo. Phil collins se despacha como cantante solista, algo que ya habia realizado en algunos apartes de "selling england by the pound" (1974), y la banda mas que nunca comienza un cambio de estilo que mantendria fiel en su siguiente trabajo " and there were three" para luego desaparecer totalmente en el correcto pero traicionero DUKE, (1980). Y entonces A Trick of The Tail, qué ?, bueno, no esta a la altura de sus anteriores composiciones pero es mejor que todo el Genesis ochentero. Tony Banks logra los mejores momentos gracias a su inconfundible teclado y la voz de Collins diferente en actitud a la de Gabriel no esta mal para darle sentido a unas liricas satiricas y desafiantes. Buen trabajo, pero no llega a la posteridad.

Ivy - Long Distance (2001)

Tengo debilidad por la música que induce a no hacer nada, a mirar al techo e imaginar mientras los minutos pasan. Ivy me produce esa sensación. Su disco In The Clear está con mucha frecuencia en mi equipo; un disco excelente, redondo y donde perfeccionaron su sonido, ya intuido desde los inicios, incluyendo este Long Distance, su tercer trabajo.

De entrada, Ivy posee unas características peculiares: sus melodías son básicas y podría decirse que hasta repetitivas; su melancolía podría llegar a cansar, como en tantos grupos que no hacen sino lamentarse... Sin embargo no ocurre así, las canciones aguantan los cuatro minutos sin llegar a hacerse monótonas, y los discos tampoco se hacen uniformes amasijos de tristeza. El estilo viene a ser una especie de amalgama de ritmos cuasi electrónicos, rozando el trip-hop o el lounge de grupos como Air o Zero 7, pero sólo en el fondo, porque en realidad suenan más a pop de guitarra que a electrónica de salón. Su música puede ser perfecta música de fondo para alegrar el día (irónico, pero la melancolía de este grupo no se convierte en tristeza sino en esperanza de que las cosas pueden mejorar) sin convertirse en papel de colgadura que pasa desapercibido, como lo suele hacer el lounge. Y sus letras, que hablan de amores fracasados, jamás llegan a la condescendencia y al patetismo, sino que por el contrario hacen que te veas reflejado sin quedar atrapado en ellas.

En Long Distance el grupo se acerca más a las texturas electrónicas, creando ese sonido típico brumoso, de fría y nebulosa playa al amanecer, de autopista vacía en medio de un paisaje natural, evolucionando más allá de sus inicios indie donde habían más guitarras. El sonido de Ivy, y de este Long Distance, puede resumirse en hipnóticas y somnolientas tonadas envolventes, más eléctricas que eléctrónicas (no hay tanto teclado como pudiera pensarse). Empezando con Undertow, un tema con visos de alegría, pero trasfondo de cámara lenta, los primeros temas (Disappointed, Edge of the Ocean) son pegajosos sin convertirse en el temido chicle que acaba por quemarse rápidamente. While we're in love nos da la dosis de bella decepción (While we're in love/we'll bleed each other dry/we'll hold each other close/we'll make each other cry... We know it won't last forever/cause we're not meant to be together) que nos hace sacudir el cuerpo suavemente a pesar de la triste historia que cuenta, antes del tema más alegre del disco, Lucy doesn't love you, que añade algunas inesperadas secciones de vientos que suenan casi tropicales. Más adelante nos reencontrarenmos con las trompetas, pero en un tema que suena a chic riviera francesa en los años sesenta (Let's stay inside). El disco acaba con una preciosa canción para quedarse dormido, con una sonrisa y sin pensar en nada (One More Last Kiss), un suave tema pop (Digging Your Scene) y la instrumental It's All In Your Mind. Pero por el camino quedan varios temas memorables y ni uno realmente de relleno.

Con una aparentemente sencilla instrumentación, y la voz de la bella Dominique Durand, Long Distance es un disco que debería oírse de principio a fin, para dejar que nos bañe en su sonido para experimentar adecuadamente las sensaciones que propone. No es un disco atmosférico, y no es un disco pop normal, sino una experiencia sonora si dejamos que nos lleve donde quiere llevarnos. Ivy consigue fácilmente lo que otros no: sonar sofisticados, suavemente y sin alardes.

Se añade a la colección de Música Bonita.

Komeda - What makes it go? (1998)

Cuando uno oye la palabra POP, a veces le vienen malas imágenes de divas mainstream a la cabeza. En estos días incluso en un canal de televisión local hicieron un especial sobre el pop, tratando de reivindicarlo, pero no se atrevieron a ir más allá de lo más obvio sin siquiera proponer algo diferente: Pet Shop Boys, Kylie Minogue, Michael Jackson, Christina Aguilera... No, cuando yo hablo de pop hablo de otras cosas. Komeda es una de esas bandas que tocan pop, pero que si se lo ponen a una adolescente que busca la nueva coreografía para bailar en su habitación, la dejará despistada y hasta molesta.

Komeda procede de Suecia, el mismo país de donde vienen The Cardigans, agrupación con quienes poseen más de un punto en común. Su sonido pop kitsch sesentero, con aires lounge y de película de espías, que inducen a imaginar franjas de colores, lámparas de lava y demás artilugios pseudoespaciales, es a la vez mezclado con la experimentación de un Stereolab, para obtener una amalgama de sonidos entre bizarros y azucarados. Por un lado la repetición de loops espaciales y las texturas electrónicas llevan el sonido un paso más allá del pop más normalito. Pero por otro la experimentación nunca se torna demasiado extraña e indigerible (respeto a Stereolab, pero no soy capaz de oír entero uno de sus discos. Bueno, tal vez el Margerine Eclipse). Los temas alcanzan un equilibrio adecuado entre esos dos polos, a veces sonando más sesenteros (Our Hospitality, con sus letras daba-daba) a veces haciéndolo más hacia un pop más pesado, casi rock indie (como en Happyment). Un disco felizmente diferente, y no sólo eso, sino pegajoso, experimental y hasta bailable. Como dije, simplificando en exceso, esto podría ser el resultado de mezclar The Cardigans con Stereolab, aunque haya otros exponentes del revival pop francés de los sesenta, por llamarlo de alguna manera, como April March, cuyo sonido también lograría emparentar un poco con el de Komeda, si bien no totalmente en lo sonoro, al menos espiritualmente. Muy recomendado, e intuyo que ganará más con cada audición sucesiva.