Sonidos Zombies, 45 grave "Autopsy" (Restless Records, 1987)

por piranha deux

"Pregunta: ¿Qué es 45 Grave?
Respuesta: Nuestra banda favorita de heavy-Metal-psychedelic-post-punk-what-the-fuck-ghoul-rockers."

De 1979 a 1990, la banda de Los Angeles que al lado de Christian Death definió el sonido Death-Rock (la versión gringa y puesta al dia del goth, ya cansado en su contraparte britanica de mediados de los 80's), Bauhaus ya agotados, The Cure y Siouxsie & The Banshees tomando otros rumbos y matices musicales y los demás vampiros britanicos regresando al underground o en medio de un callejon sin salida... ¿Y quien dijo que en la soleada California no habían vampiros? Hard-core punk, heavy-metal, Alice Cooper, surf-rock, una vocalista lider sexy y de armas tomar, un line-up de músicos de primera línea de la primera hornada de grupos punk de LA (The Germs, Alice Bag Band, The Consumers), un single para una película serie b ("Party Time", Return of the living dead), la "oscururidá" nunca fue tan punk y divertida (bueno, algunos dirán que les gusta mas Misfits, pero allá ellos).

Para salir a delinquir la noche de halloween en el carro de papá, mientras suena "Surfbat"... "Riboflavin Flavoured, Non-Carbonated Polyunsaturated Blood" Quizás lo mas cercano a un cruce entre "Screaming" Jay Hawkins y las Ronnettes. Disfruten.

Publicado originalmente en el fanzine #13 de Cinema Zombie, Medellín.

mixtape, domingo en la tarde (3:15 pm), almorzando tarde

- Kings of Convenience "I don't know what i can save you from (Röyksopp Remix)" (Nordic Power)
- Domingo "Bandido" (¿Tindersticks lo-fi en spanish?)
- Las Malas Amistades "Mico Titi" (Para ti-ti-ti-ti-ti-ti-ti-ti-ti...)
- Stereolab "Canned Candies" (Sonido bucólico si)
- Call and Response "Rollerskate" (Patinando el domingo, bucolic)
- Dear Nora "Since you went away" (No solo es el nombre del grupo, es un sentimiento...)
- The Beta Band "The House Song/She's the one" (Sin nada encima y se siente uno ido)
- Plastilina Mosh "Shampoo" (Como se nota que es domingo)
- Stereolab "Outer Bongolia" (Fiesta beatnik a go-go en loop continuo)
- TV on the Radio "I was a lover" (¿Qué puedo decir? Si)

¡TROPICALIA!

Como dice una de las emisoras de la ciudad, "brazilian beat... los sonidos más avanzados del momento". Sí, claro... Bueno, el caso es que el lounge de los sesenta está regresando, y es mucho mejor que ese lounge electrónico actual. Y el bossa nova hace parte de esa corriente, al punto que se han editado varios discos con versiones de éxitos de otros géneros reinterpretados en este sonido. Repasemos algunos.


Bossa n' Beatles es el disco de Rita Lee, que, según, leo es una de las más importantes intérpretes de tropicalia. Pero el disco no hace justicia a ello, pues más que una recreación en versión tropical, es casi un unplugged de los éxitos de los Beatles. Algunos temas sobresalen, pero es más que todo porque los originales son ya de por sí buenos. El problema es que no es lo suficientemente novedoso como para llamar la atención. No es un mal disco pero no llega a convertirse en esa clase de curiosidad que aporta nuevas luces a un clásico y se queda como algo para el oyente menos aventurado.


Cosa que no pasa con Bossa n' Stones, que como su nombre indica, se dedica a versionar temas de los Rolling Stones. Estos sí aciertan a tener la vena brasilera, sin por ello torcer la interpretación hacia un terreno absurdo. Este bossa nova tiende más a la electrónica, pero establece un equilibrio adecuado, convirtiéndose en un disco tranquilo y agradable sin llegar a languidecer. Dos volúmenes existen de estas compilaciones, ambos bastante buenos, placenteros y de fondo sin llegar a la estupidez insulsa.


Nouvelle Vague se apunta un tanto con sus dos discos de versiones de éxitos new wave y post punk. De nuevo, las versiones son muy acertadas, auténticas versiones con personalidad propia, pero sin cambiar del todo el espíritu de los originales. Bellísimos covers como los de Killing Moon, de Echo and The Bunnymen, o Guns of Brixton de The Clash, son sólo perlas de un par de discos muy bueno, con la ocasional canción no tan afinada, pero en todo caso adecuados para una velada romántica con la chica punki-new wave que cree haberlo visto todo. Eso sí, no le pongan la versión de Too drunk to fuck, de los Dead Kennedys. Si lo hacen, preferiblemente que no entienda inglés.


Bossa Disney Nova es en cambio una recopilación de versiones de canciones de las películas de Disney. Sin embargo no sorprende para nada, quedándose en versiones medio acústicas y en portugués de los originales. Es como imaginarse las películas dobladas al idioma carioca, y ya. No aportan nada demasiado emocionante y es bastante prescindible, a no ser que se sea fan de Disney, en cuyo caso se puede encontrar algo de curiosidad.


Finalmente, y aunque no es bossa nova, pero cae dentro del subgénero, Here comes... el son. Versiones de los Beatles pero en son cubano. Mala combinación, realmente. Las voces no pegan y desde mi punto de vista no cuaja tan extraña mezcla de géneros. El tema final, Golden slumbers-Carry that weight-The end, es el único que logra unir las dos tendencias de manera exitosa, pero las demás son muy bizarras para poderlas disfrutar (para mí, por supuesto), pero no por excesiva psicodelia, sino porque sencillamente no logré conciliar ambos estilos. Poco memorable, y sólo interesante como curiosidad.

No puedo decirles que dejen de oír uno u otro, porque estas fusiones son tan atípicas que pueden encontrar su nicho en cualquier esquina retorcida del subconsciente de cada uno, pero mis elecciones están claras. Las buenas combinaciones son realmente agradables. Las demás... no tanto. Pero en todo caso tienen su cabida entre los discos del coleccionista de oscuridades. Aunque estas sean cosas que hoy casi cualquiera tiene.

PS. ¿Por qué no estuve atento y dejé que mis tíos botaran los discos de Nat King Cole y Henry Mancini?

electronic games.

Ricochet. Tangerine Dream. 1975 (live).

recordemos la época dorada de los sintetizadores análogos mastodónticos con un disco que ha hecho escuela. durante 1974-1976 se gesto el periodo creativo mas sensacional de este grupo alemán donde Edgar Froese, Peter Baumann, y Chris Franke dieron tal vez lo mejor de si al servicio de Tangerine Dream. El disco es una grabación en vivo dividida en 2 partes; la primera grabada en francia durante el mes de septiembre de 1975, que se caracteriza por ser una parte intensamente rítmica al mejor estilo de ellos, con la utilizazción profética de voces humanas procesadas en computador, elemento retomado por Jean Michel Jarre en su Zoolook (1985); la segunda parte grabada en Fairfield hall en Croydon, Inglaterra, que comienza con un piano suave y amable para desembocar luego en lo que todos ya sabemos, los sintetizadores descontrolados marca de la casa, con un interesante contrapunteo electrónico como si se tratará de un juego de maquinitas, que rememora luces y colores como si de un caleidoscopio se tratará, el público solo se escucha al final o al comienzo de los temas y lo demás es solo el trabajo de este trío alemán en el escenario. ideal para escuchar una noche de diciembre con muchos focos de luz a tu alrededor.

gran disco.

un gran disco.

AIR. 10000 hz legend. (2001).

ya parece tarde reseñar este disco del duo francés Air, solamnete lo he podido disfrutar hace hace 24 horas, despues del éxito de "moon safari " y la colaboración en la película "virgenes suicidas" de sofia coppolla, los Air llegan con este trabajo, recordando que ya han publicado otros trabajos; centremonos en el 2001, para decir que este disco es un paso adelante en su música, la razón es que el grupo en sus 60 minutos de duración del trabajo nos sorprenden explorando en sonidos melodicos y a la vez duros, ya no es el revival pop setentero que se dejaba escuchar en moon safari, ni tampoco el sintetizador entretenido y bailable de las archiconocidas: sexy boy y kelly...; los sonidos aqui son mas duros, mas intimistas, hay un mayor sección ritmica desde arpas, armonicas y solos de soprano, que acompañan a las melodias de una manera hipnótica pero no aburridora. para aquellos personas que se quieran adentrar a este sonido recomiendo inicialmente "moon safari" y para los mas curtidos este trabajo. me parece su trabajo mas personal pero con menos concesiones al gran público, indiscutiblemente un gran disco.

ELECTRO PUNK.

ultravox. 1976.

trabajo debut del grupo ultravox donde Dennis Light (alias John Foxx) pone a prueba su estratagema de elegancia, actitud y sensibilidad plástica en un grupo adelantado a su momento. es interesante escuchar como este trabajo sale a la luz en 1976, meses antes de la irrupción punk, y los ultravox para entonces usaban sintetizadores y habian evolucionado hacia un sonido donde se depuró y purifico todo atisbo de ingenuidad, de verdad estimados lectores que da alegria escuchar este disco, ya que es un trabajo imprescindible dentro de la estética de la conformación del sonido post-punk y de la futura new wave. si bien el trabajo se decanta hacia una sonoridad mas rock que electronica, se empiezan a ver los atisbos de evolución en temas como: my sex, o la fabulosa i wan't to be a machine y por otro lado no dejar de reseñar el encanto punk ecléctico en joyas como: satday night in the city of the dead o slip away, o la introducción de instrumentos poco comunes en este tipo de producciones como los violines en " the wild, the beautiful and the damned. como diría mi amigo m.a : demasie.

Ultravox : Systems of romance. (1978. - island- universal )

si con ultravox (1976 ) estoy feliz, con systems... estoy recontra feliz, un trabajo espléndido, maduro, conciso, lleno de pequeñas sorpresas, que se anticiparian sabiamente al mejor sonido cool wave de la decadeda ochentera. john foxx estaba de salida, el grupo quedaba pequeño para sus pretensiones y deseaba un nuevo aire, pero antes se despidiria con un suspiro de genialidad, el systems of romance tiene en sus primeros 6 temas el compilado perfecto del pasado , presente y futuro del sónido Ultravox, sintetizadores festivos, y luego profundos, oscuros, amalgamados con melodias punk de fácil asimilación, ritmos freneticos pero a la vez melodiosos, y eso si, separandose cada vez mas de sus ideas iniciales (proto-punk) para adentrase en la era del synth pop. temas como: slow motion, someone else's clothes, blue light ( excelente ), quiet men ( discazo , donde lo pongan ) y dislocation, donde los teclados rememoran lo mejor del synth-pop comercial o no producido de los grupos de sheffield ( cabaret voltaire- human league ). ahora si el disco desde sus resultados es un gran acierto es por el material humano que estaba alrededor de él; contando al consabido john foxx, estaba la produccción de Conny plank quien previamente habia trabajado con : kraftwerk, Neu, y Can ; la colaboración de un Billy currie afinadasimo como de costumbre y el ingreso en las guitarras de robin simon, un guitarrista que en palabras de foxx era el,guitarrista mas inventivo , poderoso y aventurero con el cual haya trabajado. Simon reemplazo a steve shears, un guitarrista eficiente pero demasiado apegado al punk,lo cual para la banda en ese momento no era lo mas ideal. el disco no decae en ningún momento, pero mantener el nivel de sus primeros cortes era una tarea bastante difícil. sin lugar a dudas un trabajo con nombre propio que queda en los amantes del pop sintetizado como una de las obras indiscutibles. de nuevo: demasié.

Isobel Campbell, Milkwhite sheets, 2006

Cualquiera que espere en este segundo disco en solitario de Isobel Campbell algún rastro de su paso por Belle and Sebastian se llevará una sorpresa. Después de su colaboración con Mark Lanegan parece que la bella escocesa le cogió el gusto al folk, pues estas son puras canciones tradicionales británicas pasadas por el tamiz indie de su cantante y cellista. El problema es que la normalmente angelical voz de Campbell aparece aquí sencillamente desangelada. La música es demasiado uniforme: guitarras, arpas y cellos, junto a la ocasional y muy escasa percusión. Y la voz no aporta ninguna clase de contraste, no tiene garra. Queda muy bien junto a la orquestación de sus anteriores trabajos, pero en este sencillamente parece que se fuera a romper con una brisita. Si añadimos que las canciones van todas por el mismo lado, concluimos con un disco adecuado para días terriblemente pasivos en que no se quiere hacer absolutamente nada. Puede servir como música de fondo para dar un paseo sin rumbo, pero en esos casos prefiero el twee pop que la melancolía desarreglada que provee este álbum. Es bonito, es delicado, pero un poco más de visceralidad le hubiera venido muy bien. Por eso funcionaba el disco de Lanegan y Campbell, porque se complementaban. En este no tenemos más que un calmado riachuelo en una montaña llena de brumas: bonito pero siempre el mismo.

mixtapedeuan: pa' angelita

"LOS SABANALES" Corralerisimos da majagual. Y ya.
(ahi disculpan, pero asi son las cosas a veces con la musica... que pena seniores...)

Morningwood, "Morningwood", 2006

Lo dijo Daniel Clowes, y lo dijeron en Strange Days: el día que todas las combinaciones posibles se hagan, ese día será el fin del mundo. Y después de oír a Morningwood el panorama no es alentador. El disco no es necesariamente malo, pero la ola del revival new wave ya ha dado lo poco que podía dar. Parece que muy pocos están tratando de inventar algo nuevo o al menos diferente. El mayor problema es que esto ya lo hemos oído demasiadas veces en otros sitios. Los dos primeros temas son bastante buenos y sin duda lo mejor del disco: Nü Rock y Televisor. Los restantes son tan parecidos y normales que no se pegan al cerebro, excepto si piensas machacarlo una y otra vez, ¿pero para qué? A veces suenan como Hillary Duff (Avril Lavigne perdió el supuesto trono de la chica pop rebelde... ahora todas son "rockeras") y a veces como a unos Yeah Yeah Yeahs sin pretensiones y muy normalitos. El disco es divertido, pero a pesar del brillo, el glam, el bajo y el hi-hat, y la remembranza de los setenta, hay cosas más divertidas. No hay una voz propia y sólo queda para pasar el rato, siempre y cuando sea cortito, por favor.

Tres de synthpop en castellano:

El Aviador Dro y sus Obreros Especializados "Ópera Científica" (Rompeolas, 1999)

Sí a alguien hay que otorgarle el merito de haberse inventado eso del tecno-pop (y en español que no es lo mismo), ese es el Aviador Dro. Dos discos, uno con el repertorio clásico, (el manifiesto toxico “Nuclear sí”, la bonita “Programa en espiral”, la mas bonita aun, sublime “Selector de frecuencias”, la divertida declaración de “Amor industrial”, la peleona “Himno Aéreo”) indispensable, el otro con temas de su etapa mas reciente (haciendo algo mas cercano al EBM), algunos remixes (mas afortunados unos que otros,
excelente el Pez remix de “Amor Industrial”), y nuevas versiones de algunas canciones, ¿Indispensable? No tanto, aunque igual viene en el paquete entonces se deja escuchar. Para bailotear con letras divertidas e ingeniosas, para escuchar leyendo cómics de ciencia ficción, si, no hay que creerse tanto.

Family "Un soplo en el Corazón" (Elefant, 1993)

Música que llega a tu corazón desde los primeros acordes de un sinte calido, luego la dulzura de unos textos hermosos e inteligentes, suena como a ese amor ideal ¿Verdad? Eso es este disco. New Order, Pet Shop Boys, Carlos Berlanga…

Yo te perdí una tarde de abril y desde entonces soy un lagarto / quiero vivir en otra ciudad porque tu risa ya no está con mi risa.

Solo un disco, ellos dos no mas, pero tanto, tanto a la vez, como duele la belleza.

Tengo ganas de fiesta / de que acabe el invierno / de volver a nadar en el mar / de soñar el verano en el que fuimos novios / y poderle cambiar el final.

Si, de cuando en cuando se hace el ritual de desempolvar los discos y hay algunos que invariablemente pasan la audición. Un pensamiento y un suspiro…

Para poder olvidar / alguna pena muy grande / te besaré en espiral / cuando no mire nadie…

Astrud "Mi fracaso personal" (Austrohungaro, 2000)

Aquí hay algo, siempre ha habido algo, Astrud me trae buenos recuerdos de mis últimos días como el ejemplar indie-boy que alguna vez fui… Y anécdotas mas recientes aun, de momentos inocentes del lejano año pasado, como la tarde donde mi amigo Choni, armando un numero de nuestro legendario fanzine, escuchando ese “Todo nos parece una mierda” (Austrohungaro, 2004), la canción, “Hay un hombre en España”. Yo me reía por lo bajini, Choni replico: “¡Estos manes son unos necios!”. Toda la razón tenés, hombre Choni, eso de hacer tecno-pop inteligente es labor de tercos insensatos, hacerlo de la manera fácil es lo normal y queda muy bien, pero lo otro, lo otro es algo.

Mi grupo favorito de pop con organetas en español.

Jean Michel Jarre

Habiendo crecido entre la ecléctica colección musical de mi padre, que abarca desde Los Melódicos pasando por Antonio Carlos Jobim y llegando hasta Rick Wakeman, siempre di por sentado a Jean Michel Jarre, sin haberlo detallado atentamente. Hurgando entre su colección de discos saqué los dos que paso a comentar hoy.


Primero el CD doble The Concerts in China, (1981), que, según las notas del librito interior, fueron los primeros conciertos de un grupo de rock o música contemporánea en la China comunista. Como la carrera de Jarre, aún siendo espectacular, apenas comenzaba, nos encontramos con fragmentos de dos de sus discos, Magnetic Fields y Equinox (por algún motivo Oxygen no sale por ningún lado), así como ciertos temas compuestos especialmente para la ocasión. Los temas conocidos, pues... ya se conocen, pero la sorpresa viene con los inéditos. Algunos de los mejores temas son esos compuestos para estos conciertos: Arpegiator, Band in the rain, Souvenir of China... Uno que otro tema flirtea con el New Age, pero es que si se mezclan sintetizadores con música oriental es casi imposible no llegar allá.

The Concerts in China es un compendio de lo mejor de sus discos hasta el momento. Si bien sus obras deberían ser escuchadas de principio a fin para obtener el máximo efecto, al compilarlo se va al grano. No hace falta mencionar lo buenos que son los temas ya conocidos, piezas electrónicas que no carecen de humanidad, no son robóticas, y mucho menos, aunque algunos lo crean, New Age. En los temas inéditos se hace una curiosa experimentación de géneros, como The Last Rumba o Band in the Rain, donde la tecnología se mimetiza tanto con lo orgánico que se hace difícil decir que esto sea simplemente electrónica.

En definitiva, un buen CD que sirve como introducción, o para completistas, porque son los trabajos enteros donde se encuentra la verdadera esencia Jarre (así como en el escenario, porque vaya conciertos espectaculares).



Zoolook, (1984), no está a la altura de la majestuosidad sinfónica de Equinox, pero eso no significa que no sea bueno. Grabado en plena era ochentera, los sonidos pop-fashion se cuelan por ciertos costados, mientras que la música del mundo lo hace por otros. Este afán de mezclar géneros da como resultado una amalgama que funciona bastante bien. Tenemos esa estructura que mezcla por un lado los sonidos más ambient, experimentales temas que dan como resultado unos paisajes sonoros a los que hay que poner atención en lugar de dejar como música de fondo y que sin duda son la parte más fuerte del disco; por otro lado están los pegadizos temas con tendencia más pop, donde aparecen hasta funkeras líneas de bajo y en los que es muy fácil detectar el sonido de la década en que fue grabado el disco. Menos espacial y más urbano, el resultado es un trabajo que no cansa con tonadas pegajosas ni con monotonía aburrida, que es capaz de aunar la música del mundo con la electrónica formando algo nuevo, aunque haya envejecido un poco mal. Sin embargo la parte ambient, que podría recordar a la banda sonora que Vangelis creó para Blade Runner, con sonidos brillantes, calmados y a la vez de gran envergadura, es la que de verdad capta la atención y aún perdura intacta.

Conclusión: este hombre es muy bueno. A veces uno pasa por alto lo que ya cree conocer, pero al mirarlo con ojos nuevos se da cuenta de que, más allá de lo que ya estaba guardado en el cerebro, hay cosas que antes no se habían detallado. Una verdadera muestra de música experimental, artística y a la vez asequible a quien quiera conocer cosas nuevas sin tener que reorganizar todas sus neuronas para entender de qué le hablan. Tendré que buscar sus otros discos en digital. Los LPs hace rato que no puedo oírlos en casa y es una pena.

Tres Discos:

La Música es mi novia...

Cansei de Ser Sexy (Subpop, 2005)

OK, me rindo me sumo al hype, por una en mucho rato la gente tiene la razón. Cinco chicas, un tio bigotes y ya estamos. La banda fetiche del mundo indie, como ya le denominaran por ahí… Si, ya se que entre mis amiguetes y conocidos debo parecer un fan adolescente que no ha hecho sino darles la matraca con este grupo, pero que se le va a hacer o se unen o se aguantan.
Desde Sao Paulo para el mundo, desparpajo total, rock-pop y electro (con algunos tintecillos de baile funk carioca), el grupo es decididamente divertido y retomando lo mejor de la música de los 80’s y 90’s producen algo (nunca mejor dicho), fresco y novedoso sin, (y esto es verdad), sonar a revival o a cualquier referente inmediato… (quizás por actitud y aproximación pop los únicos serian Tom Tom Club) aun así, esta originalidad es una de sus fortalezas. Para el dancefloor, para rockear, cantar a coro en fiesta privada o cualquier guateque amiguero, las letras no son para nada pretenciosas, au contraire: “Let’s make love and listen to Death From Above” canción seductora y funky con referencia al los indie-metaleros canadiense, con un festivo video, “Meeting Paris Hilton” (ya se pueden imaginar de que va) con el mejor y mas obvio juego de palabras en inglés que se le haya podido haber ocurrido a alguien no anglo-parlante, “Art Bitch” o las minucias de una artista moderna (letra guarrindonga), “Music is my hot sex” su manifiesto y el que debería ser para todo aficionado a la música, bonita de verdad, con rap en portugués al final, “This month, day 10/ Superafim” ruptura malalechosa, con secuela, como no, en portugués de vocoder… y así me podría ir , lo mejor es que se hagan un favor y lo descarguen, de seguro no se arrepienten, eso si, pueden resultar extremadamente adictivas…

Calificación: Potencia y diversión que es demasié.

P.D. 1: La canción del final “Poney Honey Money”, una nana country, hermosa.
P.D.2: Adoro a Iracema , su bajista.

La princesa pop del underground

Annie “Anniemal” (679 Recordings/Big Beat/Ada 2005)

Otra joya pop del año pasado, este colorido disco de la rubia consentida de los Dj’s mas desacomplejados, con producción de gente de la talla de Richard X, Röyksopp, Timo Kaukolampi de Op:L Bastards y Torbjørn Brundtland. Pop sin mas, muchos sintetizadores de colores, bien podría pasar por producto ochentero, con un sonido cercano al italo-disco, el euro-pop bailón (Bananarama, Fun Fun, Magazine 60) y a cualquier diva pop, de Madonna a Kylie Minogue (de hecho el tema “The Greatest Hit” contiene un sample del “Everybody” del primer disco de la Ciccone). Curioso el hecho de que teniendo todo el potencial comercial para hacerse mainstream, exista música que permanezca en el under, (los ejemplos abundan en el mundillo indie), quizás eso sea lo que haga que se mantenga pura su esencia de buen pop y mejor así.

Calificación: Adorable y bailón.

Enamorándose de nuevo con Ladytron

Ladytron “Witching Hour” (Rykodisc/Island Records (UK), 2005)

Después de “604” y “Light & Magic”, cuando mi gusto inicial por el grupo se había agotado, los Ladytron dan una vuelta de tuerca sobre si mismos y sorprenden con un disco rockero, oscuro e intenso… Guitarras shoegazers, letras escalofriantes y claustrofóbicas (“Woke up in the evening to the sound of a screaming, through the walls there was bleeding... all over me” de “International Dateline”… Pienso en “The Shining”), sus infaltables sintetizadores vintage, batería análoga , un sonido mas contundente, no me tomen a mal, siendo excelentes sus dos primeros discos, su anterior synthpop (con marca de fabrica), les había empezado a quedar corto y algo se podía haber adivinado de lo que estaba por llegar, con aquellos dos temas incluidos en su compilado “Softcore Jukebox”: el re-work shoegaze de su tema “Blue-Jeans” y el divertido y punketizado cover del tema r’n’b “Oops, oh my”. Pero no, no fue así y nos confiamos creyendo que su tercer disco seria otra entrega mas de pop sintético OK y ya. No, llegan y sacan un disco excelente que no le debe a nadie (mentira podrida, ¡“Sugar” es My Bloody Valentine!) y si lo hace, lo hace de frente y lo mejora, como los buenos grupos, capaces de mantener esa capacidad de sorprender y de reinventarse, esperemos que lo hagan por mas tiempo. Como bien reza en el informe de prensa del disco: "Prepare to fall in love with them all over again."

Calificación: Oscururo e intenso.

P.D. 3: ¡Me voy a verlos el 1º de diciembre a Bogotá!

living in the 80's

PRINCE - music from the motion picture "purple rain" (1984).

sin lugar a dudas uno de los grandes discos de la magullada década de los ochenta. un album imprescindible donde los haya; si bien el cuarto de hora de la mega estrella prince ya pasó, su legado aun deja muy buenas cotas de creatividad, si tuviera que elegir un disco de grandes exitos de prince, prefiero quedarme con este disco, temas como mucha energia como:let's go crazy, i would die 4 you, baby i'm a star, mas relajados como darling nikki, o 2 perlas maestras del pop la estupenda when doves cry , o el himno por excelencia del soundtrack ochentero: purple rain, uno de los temas emblemáticos de una generación, con su contenido solo de guitarra, su intensidad, la voz calmada y emotiva de prince y su grito profano que se extiende a lo largo de los 7 minutos de duración. la película no esta mal e incluso deja buenos recuerdos, como la confrontación con el vocalista de the time morris day y la deliciosa Apollonioa cottero. en definitiva pop y funk en sorbete color frambuesa para grandes y no tan chicos.

Sonidos Zombies: Zombina and The Skeletons/Taste the Blood Of... (Ectoplastic, 2002)

por piranha deux

Cuando me los recomendaron, no estuve muy seguro de que me fueran a gustar, eso si el nombre me gusto mucho... y el grupo termino gustando también. Pero no se me apresuren, aqui no hay sonido psychobilly pantanoso (The Cramps), ni garaje cochambroso (The Mummies), pero si mucha actitud, algo que llamaría "horror glam" (a la vieja usanza de los Misfits, los mismos Cramps y si me permiten el mismísimo padre del invento, "Screaming" Jay Hawkins)... Eso y genuino amor por la serie B y los sonidos new wave mas retro (al fin y al cabo eso era: punks reconvertidos por la nostalgia de los sesentas)... ¿Alguien dijo Blondie, B-52's de casualidad?

Con una media de edad entre sus integrantes que no pasa de los veinte, sonidos punkie/new wave para divertir al personal sin pretensiones arty o de etiquetas (ej. emo) de moda, (los monstruos nunca pasan de moda), desde Liverpool, desde la tumba, la chica no-muerta que "transforma en zombies a todos quienes la oyen/ven".

Publicado originalmente en el fanzine #7 de Cinema Zombie, Medellín.

Mu, Afro Finger and Gel, (2003)

¿Qué música le pondrían ustedes a un performance futurista que tuviera como protagonistas a unos androides de primera generación, aún de movimientos chuecos e imperfectos, con las articulaciones malas y los cables colgando? Probablemente Mu. Esto es como si una de las cantantes de j-pop (para que vean, luego al investigar descubrí que la vocalista es japonesa) se pusiera hasta el gorro de drogas y cantara un pseudo industrial a veces mezclado por momentos con otras cosas entre ellas hip-hop, ambient y ¿ritmos tropicales? Mejor dicho, un paseo por el infierno, de verdad. Oír el tema I Hate U donde se repite una y otra vez el título, se corta, se fragmenta y se acompaña de un ruido como de una ametralladora es demasiado. Nada de black metal, esto es la banda sonora del infierno, aunque de uno biomecánico. No es música muy adecuada para bailar, a no ser que usted sea uno de esos fetichistas que se excita simulando ser un androide (no es una invención, eso existe y se llama ASFR), y si quiere oírla simplemente por pasar un buen rato seguro acabará perdiendo su humanidad y convirtiéndose en esa mutación rara que salía en Tetsuo, mezcla de carne y tornillos.

Una marcianada muy marciana que no sería capaz de digerir ni aunque me echaran sal de frutas por los oídos, pero seguramente en algunos círculos sea considerado una obra maestra. Tal vez es que yo no soy el adecuado para evaluarlo, pero tenía que manifestar mi opinión porque quedé con las neuronas fritas luego de escucharlo. Punto extra por ser tan bizarro, pero creo que no llegaré a oírlo muchas veces. Es bueno al menos conocerlo, para saber que en este mundo hay gente muy rara que hace cosas muy raras.

mixtape, Girls, Girls, Girls (& mala leche freak)

- Ladytron "Destroy everything you touch" (Dejame, dejame, destruyeme y nos vamos)
- Cansei de Ser Sexy "Music is my hot sex" (Hoy aprendí un nuevo mantra: ¿Y qué?)
- Who Made Who "Space for Rent" (Feeling sexy on the dancefloor, darling?)
- Ladytron "International Dateline" (Rompiendo contactos, aislandome. ¿Y qué?)
- Cansei de Ser Sexy "This month, day 10/Superafim" (Te echo, te corto, contigo no quiero mas nada. ¿Y qué?)
- Scout Niblett "Hot to Death" (Debilidad: Chica a la bateria cantando. Sorprende la intensidad)
- Animal Collective "Leaf House/Grass" (He visto la luz y quema... "Soy un dios dorado y estoy en las drogas!")
- Las Malas Amistades "" ("... Hueles como rico, Muñequita mía...")
- Poney Up! "Dance for Me" (Porfa... Casi nadie me da ese gusto)
- Mötley Crue "Girls, Girls, Girls" (Para todas las chicas que conozco)

Regina Spektor, Soviet Kitsch

Al panorama de cantautoras conformado entre otras por Tori Amos, Suzanne Vega y Fiona Apple, se suma esta descendiente de rusos criada en Nueva York. Soviet Kitsch, su primer trabajo, es lo suficientemente básico y experimental como para alejarse de las superproducidas masas, pero a la vez es agradable al paladar sin llegar a ser disonante, punto común donde caen a veces quienes pretenden innovar. El disco comienza demostrando cuál es el arma de elección de Spektor: el piano y su voz. Ode to divorce es un primer corte, que sin ser espectacular, abre el disco con la suficiente esperanza de que adelante habrá sorpresas. Unas cuerdas ayudan a crear la atmósfera que se irá desarrollando en los temas subsiguientes, enriqueciendo con suavidad la gama de sonidos. Sus raíces soviéticas aparecen en The Flowers, del que me hubiera gustado oír más. Luego aparece Us, de belleza frenética, divertido a su manera, en donde se mezcla el clasicismo con la modernidad en una combinación excelente. Ciertos temas contienen influencias de música de cabaret, de puertos marineros llenos de humo y una cierta lujuria, todo ello actualizado a los oídos de hoy. Inesperadamente en Your Honor, hace aparición... ¿el punk? Sí, guitarra distorsionada y gritos decadentes. El piano puntea un instante para ceder de nuevo ante el ruido. Pero eso fue solo un momento, porque para finalizar volvemos al instrumento predominante.

El disco se mueve en una misma tónica la mayor parte del tiempo, pero las canciones contiene suficientes variaciones como para que no quede la impresión de haber oído un largo tema de 38 minutos que no evoluciona. A veces la voz de Spektor puede sonar como la de Fiona Apple, pero en ningún momento se siente que esté copiando a nadie, y por el contrario es muy de agradecer que tenga un estilo propio. Un muy buen trabajo, agradable al oído, con suficiente filo como para no ser un mero dulcecito. Buen debut que, sin ser radicalmente diferente, da lo que promete.


Camera Obscura, Underachievers please try harder

Twee-pop melancólico, guitarras delicadas, alguna sección de cuerdas y la ocasional trompeta reminiscente de los sesenta. Además estética mod y procedencia escocesa. ¿Son Belle and Sebastian? No, son Camera Obscura, pero casi igual. Letras literarias y lamentos que incitan a quedarse en casa con un libro y una taza de café. Pero... a pesar de las buenas referencias, el disco no alcanza a ser un Tigermilk porque, a pesar de algunas excelentes canciones como Suspended from class, o Number one son, y de flirteos con el country y otros géneros, los demás temas no se mueven del mismo sendero, y en este, al final, sí parece que todos los temas fueron uno solo. Muy bonitos, pero demasiado parecidos. Supongo que el mayor problema es que las mejores canciones, las que sí son sobresalientes, aparecen al principio, dejando un final algo lánguido. Si no tienen un disco de Belle and Sebastian y quiere oír twee-pop, este puede ser un buen sucedaneo. De lo contrario, bastará con oír las primeras canciones para pasar un buen rato. Todo entero apenas trasciende. Bonito pero inofensivo. Pero me gustó, debo aclarar.

Sonidos Zombies: The Schulmädchen Report/Schoolgirl Report [Schoolgirl Report & other music from sexy german films (1968-1975)] Gert Wilden & Orchest

por Piranha Deux

Mas desmadre para nuestros guateques sicotrónicos, esta vez gracias a esta deliciosa recopilación de melodías que evocan poliéster, hippismo mala leche, sensualidad cutre, en fin todo lo que la actual pornografía no tiene: Coolness... (eso y pelos).
tomando material de una serie de películas hechas en Alemania hacia finales de los sesentas y ya entrados los setentas, que se hacían con la supuesta intención científica y educativa pero en las que todo el mundo sabia cual era la unica intecion: Pelar. A lo bien. Y así a ritmos a go-go de órganos Hammond y Farfisa, las colegialas se "gradúan" antes de la graduación", "sacan 10... y no el aula de clases", haciendo lo que sus padres "jamás se imaginaron"... delicia, delicia. Una joyita para invitar a las amiguitas a desmelenarse en nuestra sala un sábado en la tarde. (yerba no incluida).

Publicado originalmente en el fanzine #7 de Cinema Zombie, Medellín.

yo tengo la fiebre

Dengue Fever. Dengue Fever, (2003).

Trabajo debut de una curiosa banda-orquesta que tiene en su vocalista, la camboyana Chhom Nimol a su más reconocida estrella, ídolo en su país y que al parecer goza del aprecio de la familia real.
Su música se mueve en los confines de un pop orquestal, con ricos arreglos de teclados y saxos y el inconfundible sonido del órgano farfisa que le da un toque retro sesentero a temas como: thanks a lot. No obstante te puedes encontrar con ritmos atmosféricos: nights o ethanaphium, o temas que rememoran series televisas de espionaje como la simpática Pow-pow. En fin, banda exótica y elegante que goza de cierta popularidad gracias a su introducción en la banda sonora de la película Broken flowers de jim Jarmush. En pocas palabras: interesante.

masterpiece

White album. The Beatles, (1968. EMI.)

Es hora de elogiar obras maestras y para empezar esta obra indiscutible. Es disco se erige como uno de los momentos más importantes de la música pop contemporánea; en plena época de ruptura, los cuatro de Liverpool, muestran cada uno cosas diferentes. Están lejos de ser una banda unida pero cerca a la hora de crear buenos temas y armonías, en ese sentido los Beatles siempre se caracterizaron por tener ese instinto natural de juntar sonidos y sacarles el mayor provecho, aunque no inventarían nada, siempre estarían a la vanguardia.
Elogiemos algunos temas: para empezar el Dear Prudence, con esa cadencia melódica y ese coro siniestro; años después Siouxie & The Banshees harían un cover correcto y decente. El místico George Harrison se despacharía con While my guitar Gently Weeps y la subversiva “Piggies”; hay tiempo para las baladas: Julia, la diversión: ob-la.di,ob-la-da, con plagio de por medio y el Folk En “the continuing store of bungalow bill”. Un primer lado que contiene otras sorpresas pero que es el abrebocas de un segundo lado mucho mas estimulante donde se destacan: el sonido moderno de “Helter Skelter”, que inspiraría a un peligroso charles Mason; las melódicas “Sexy Sadie y Cry baby cry” y el colmo de los colmos, Revolution 9, donde se nos sumerge en un collage sonoro que contenía sonidos de mellotron en reversa, diálogos aleatorios y un loop final al parecer de la séptima sinfonía de Sibelius, obviamente, después de terminar esta pesadilla es hora de algo relajado y arrullador: Good night, con la cual se cierra el disco.
No hay nada más que agregar, es un disco imprescindible, necesario y maravilloso o sino porque piensan que lo compre.

10 razones por las que me gusta NEU.

Neu. Neu. (1972).

Primero: música electrónica, pura experimentación.
Segundo: anarquía sonora, las melodías empiezan donde comienzan otras.
Tercero: sin concesiones a nadie, o te gusta o no te gusta, así.
Cuarto: grupo puntero del krautrock o de la kosmiche musik.
Quinto: música anticipada a su época.
Sexto: es un sonido intenso y espontáneo, manipulador.
Séptimo: el post-rock y el punk les deben mucho. si no preguntenle a Sonic youth y Stereolab.
Octavo: mi tema preferido: negativland, intenso y calmado a la vez.
Noveno: me encantada la portada.
Décimo: tengo otras diez razones para decirte porque me gusta.

Dot allison. We are science. (2002).

Toda una sorpresa ha sido para mí escuchar este trabajo discográfico. Dot Allison es un nombre que hay que tener en cuenta a la hora de escuchar buena música. En primer lugar hay que definir bien los límites de este trabajo. No es propiamente música electrónica con pelos y señales, si bien es cierto que temas como we are only science, substance, performance, son sonidos sintetizados y mecánicos acompañadas de la voz distante y fría de Allison, no se sorprendan si escuchan en temas como: wishing stone, con su guitarra acústica y strung out (mi tema preferido), atisbos de pop electrónico, estilizado y moderno. Eso es precisamente lo que hace de este trabajo algo interesante, sin ser un disco enmarcado en un estilo puro, es un trabajo entretenido y cálido, agradable de escuchar, que me recuerda el mejor pop británico de mediados de los años ochenta y la mejor música electrónica, hecha con la cabeza más que con las máquinas.

PD: amigos melómanos, atención al corte 1 “we are only science” y al conocido tema instrumental de Alan Parsons Project “Mammagamma” (1981), encuentras algún parecido, para mí si.

Sonidos Zombies: The Mummies/Death by Unga Bunga!!

por piranha deux

Pues si señores que el rock de serie B si existe y al declararme presidente del punk rock cada que se me viene en gana, no puedo mas que delegar el trono del ''budget rock'' en The Mummies. ya habíamos pasado repaso a otros monstruos de pelicula B rockera que tambien son reyes allende sus dominios pantanosos como los Cramps, pero The Mummies... ¡ayayay The Mummies! Cuatro momias sinvergüenzas tocando rock garajudo con los equipos mas penosos que se puedan imaginar, produciendo una onda monofónica de alto octanaje de lo mas divertido y salvaje que haya pasado (y magullado) por mis oídos recientemente. Se trata de la colección de todos los 45s publicados por la banda a finales de los ochenta (¿qué, creyeron que era una banda de los sesenta?), con apenas un mínimo, sino nulo tratamiento digital, en su paso a cd. Ahora, no se sabe como se haya logrado convencerles de editar su material en cd dada su renuencia y absoluto desprecio por el formato digital, quizás el culto que se genero por la banda luego de su separación en 1992 (particularmente en Europa). ¿Que mas podría agregar? Si todavía no me creen échenle una ojeada (y oída) a títulos tan descacharrantes como "I'm gonna kill my baby tonight", "(I should better be lookin' for) Dangerman" (!), "Die!" (pura sicodelia y desmadre), "Stronger than Dirt", "Food, Sickles & Girls" (himno beodo), "Just One More Dance" (¡ese Farfisa!), "House on the Hill" (musica de miedo y mas Farfisa)...
¿Como no va a ser buena una banda que hacia sus giras en una ambulancia? Demasié.

Publicado originalmente en el fanzine #6 de Cinema Zombie, Medellín.

Neu! 75 (1975)

Cuando mis compañeros de blog hablaban en sus múltiples charlas de algunos temas que para mí suenan a chino, uno de los términos que mencionaron y se quedó en mi memoria fue el de Krautrock. Investigando, llegué a oír este trabajo que hoy les traigo, así que, desde luego, no esperen un comentario basado en mi conocimiento del género, ni contextualizado en su época y trabajos anteriores, sino más bien la reacción de un novato que se enfrenta a un sonido nuevo, y como tal , creo que también es válido.

Neu! 75 es, según he leído, el último trabajo de Neu, antes de su disolución, aunque también existe uno publicado casi veinte años después, pero que no parece despertar mucho entusiasmo. En este se notan dos claras partes, que son la expresión de cada uno de los integrantes de este dúo. Uno de sus integrantes, Michael Rother, más apegado a la calma y la tranquilidad, tiene a cargo el lado A del disco, tres temas que rayan con el ambient, no en el sentido de que no pase mucho, sino en que los temas están hechos para ser disfrutados casi como el fondo de alguna actividad, y no para ser protagónicos y excluyentes de la atención del oyente. Son tres temas con un espíritu claramente alemán de los 70, que podría yo emparentar con Kraftwerk, ojo, no en instrumentación, sino en espíritu: música de interminables autopistas en un amanecer, casi vacías, con parajes industriales no en decadencia, sino en pleno despertar ordenado. No por nada el tema Autobahn de Kraftwerk, ¿no? Suave, estilizado, este es mi segmento favorito, con efectos de sonido que delatan precisamente esas intenciones de experimentación con sonidos y ambientes de su autor. Leb Wohl, el tercer tema de este lado, es quizá el más ambient, con sonidos de olas, un piano delicado y unas voces pausadas durante casi nueve minutos.

El lado B del disco pertenece a Klaus Dinger, y la diferencia es clara. Guitarras distorsionadas, algunos gritos guturales... una especie de proto-punk sin llegar a escandalizar ni romper del todo el sendero que el disco llevaba. Hero, el primer tema, inmediatamente cambia el sendero con guitarras y baterías más aceleradas. Aún así no es este un punk chatarrudo y podrido, sino bastante estilizado, y su sonido es bastante pulido, pero con el toque de salvajismo característico. Otros temas juegan con la electrónica y las texturas no tan abstractas, como E-Musik, donde el mismo esquema se varía y se extiende indefinidamente. De nuevo aparecen las baterías que suenan a motores (motorik, se llama el estilo) y a pesar de la distorsión (After eight), no se deja del todo la melodía.

No es un disco que se quede inmediatamente en la memoria, pues no tiene una sensibilidad claramente pop, pero desde luego es un trabajo que gana con cada oída, y que desde luego fue tremendamente influyente. No es sino que oigan el post-rock hoy para aún trazar algunas líneas que nos llevan a Neu! Un buen disco, para oír muchas veces, con calma, y digerir bien.

new wave- new wave.

The very best of Elvis Costello. (universal, 1999).

Pasada la moda de la marea punk mas radical y con algo de Resaca se comienza a hablar a finales de los años setenta de un Nuevo género musical donde las haya, la New wave, movimiento que generó dispares bandas y solistas con menor rudeza y odio que sus antecesores punks, pero con mayor énfasis en las melodías, los ritmos y obviamente las letras.
Elvis Costello y su grupo The Attractions son uno de los pilares fundamentales de este movimiento, tengo que reconocer que me acerque a esta recopilación con algo de dudas y con la sospecha de que no encontraría algo novedoso o digno de destacar, la verdad después de escuchar este disco unas 3 (ahora son 7) veces no puedo comprender del porque de mis iniciales prejuicios.
Recopilación como todas incompleta pero no despreciable, su valor radica en el hecho de que se convierte en un disco que contiene momentos espléndidos del género New Wave, si realmente quieres saber de que se trata musicalmente este género tienes que escuchar esta recopilación; contiene un poco de todo: jovialidad, sonidos que rememoran los mejores años sesenta, bellas melodías, algo de Soul, algo de Reggae, un poco de todo y de una manera muy entretenida; hay temas que son superiores a otros pero ninguno débil o flojo, a destacar los temas de sus albúmenes: (My Aim Is True- armed Forces- This Year’s model- Blood & Chocolate), tales como: “Accidents Will Happen”, “Peace, Love & Understanding”, “Alison”, “Radio Radio”, “Tokio storm warning”,”Man Out of Time”, etc. Canciones de tres minutos, o más si es necesario, eficacia técnica, bellas melodías, en fin, un muy buen disco, recomendable para aquellos que piensen que el nuevo rock es cosa de los noventa, no hijos míos, esta música se hacía desde hace mucho tiempo y para la muestra aquí esta este botón.

KLAUS SCHULZE. “BODY LOVE” (1977).

Klaus schulze es una de las principales figuras alemanas de la música electrónica. Inscrito dentro de la corriente de música cósmica, planeadora y desde hace varios años artífice de los sonidos New Age mas soporíferos (desafortunadamente).
No obstante sus primeros años primero con Tangerine Dream, luego con Ash Ra Tempel y por último en solitario, estuvieron marcados por la experimentación, y la creación de un sonido propio e instrumental, no carente de ideas y por el contrario estimulante e imaginativo. Sus ritmos evolucionaron desde caóticos y estáticos a ritmos con mayor musicalidad.
Secuenciadores y mastodónicos sintetizadores análogos son sus herramientas preferidas, obviamente con semejantes instrumentos se supone que la música cósmica queda relegada a ambientar mundos extraños, ciencia ficción, y cosas parecidas; no obstante con Body Love demuestra que este tipo de música tiene derecho a participar en otras corrientes.
Body love es la banda sonora para un film erótico titulado de igual manera, si bien, no he visto la película y no puedo asegurar que el sueño braguetero y las poluciones nocturnas sean correctamente ensalzados. Lo que si puedo asegurar es que es un disco bien hecho con momentos reflexivos, ritmos vitales y un sintetizador que una y otra vez emite el mismo sonido cálido sin aburrir; ojo amigos no es nada parecido a los productos disco de Giorgio Moroder, ni otras parafernalias de la época.

En tres palabras: cósmico, erótico y falocéntrico.

manchester sound.

ZERO A MARTIN HANNETT STORY 1977- 1991.

Compendio del legado musical de una de la s figures claves del sonido post-punk británico, y a la vez creador de una producción y un ambiente sonoro particular. Martin Hannett, hábil pulidor de diamantes en bruto, muchos le deben a él lo que hoy son o fueron: joy Division, New Order, Happy Mondays, entre muchos otros.

Esta recopilación de 21 temas se queda corta, pero a la vez esta dotada de momentos espléndidos de la escena británica, desde ritmos punk juveniles (Buzzcocks), atmósferas etéreas (Joy Division), melodías pop (Pauline murray), y perturbaciones mentales (Magazine); Mis temas preferidos son: I don´t want to be nice (John Cooper Clarke), decadente y pegajoso; She’s A Rainbows (Kitchens of distinction), hermosa melodía, y una voz gélida salida de la misma tumba; Oh Lucinda (The Only Ones), oscura, ritual, buena percusión.

Joya de joyas, ampliamente recomendada no solo por la variedad de su sonido, sino, por ser un testamento musical de la música de finales y principio de la década de los ochenta en el Reino Unido.

mix-tape "Electrocidad Guapachosa"

- Modeselektor "Modeselektor's rave anthem (ups edit)" (..."Yeah")
- Modeselektor "New Berlin Loft" (Reggaeton Robot)
- Ben Klock "Tag Der Arbeit" (Cuando las drogas hacen efecto suenan cosas como esta)
- Ellen Allien "Magma" (Modeselektor Mix) (Modeselektor mezcla con martillo y cinta aislante para que tu lo muevas)
- Mr Oizo "Last night a dj killed my dog" (Funk suggestion... )
- The Candybars Banda! "Perra Hijueputa" (Rock Nacional)
- Smash TV "Intruder" (Todos en la pista es, ¡Estropea tu Televisión!)
- M.I.A. "10 Dollar" (¡Todos al piso, Breakdance!)
- Ada "Our love never dies" (Mientras haya fé)
- Brundtland and Therson "Geared Up" (Esto no ha hecho mas que empezar...)

Sonidos Zombies: Música Mala para Gente Mala

The Cramps "Bad Music for Bad People" (LP-CD, IRS 1984/A&M Records 1990)
por Piranha Deux

¿Cómo resistirse a esta joya? Con tan suculento nombre y más cuando desde su portada
nos mira, socarrón, esa especie de tío Creepy con tupé, (si a esto además le añadimos lo atractivo que siempre ha resultado el logo de los Cramps, el paquete esta más que servido): ¡Un banquete auditivo-macarra serie B! Compilado y publicado por vez primera en los 80 (y reeditado en los 90, ya en CD), contiene varios de los primeros singles de la banda con la factura mas larga por haber mandado mas almas directamente al infierno, (ya quisieran para sí este mérito los amigos del metal). Sonido crudo, pantanoso y supremamente sexual (de cuando aún estaba con ellos el malogrado Brian Gregory "el tipo más guapo del rock 'n' roll"), a dos
guitarras, sin bajo, así no mas, para qué mas...
Scream, Dracula, scream!!!

Publicado originalmente en el fanzine #4 de Cinema Zombie, Medellín.

Into The Blue Again, The Album Leaf

El post-rock es un cajón de sastre, de esos en los que se clasifican grupos que de otra manera serían inclasificables. Algunos guardan pocas semajanzas con los otros, lo que muestra que ahí se mete de todo. Por ejemplo, The Album Leaf no se parece a Godspeed You Black Emperor. Eso sí, lo que parecen tener todos en común es el gusto por los largos títulos. Para muestra un botón, con títulos de discos de diferentes agrupaciones: Those who tell the truth shall die, those who tell the truth shall live forever; Lift your skinny fists like antennas to the heaven; Millions now living will never die; He has left us alone but shafts of light sometimes grace the corners of our rooms...

Pues ahí dentro cae The Album Leaf, pero alejado de las guitarras pesadas y melódicas (aunque suene a contradicción, lo que es otra característica del post rock: ¿slow-core? ¿ambient rock?) de Explosions In The Sky, del apocalipsis insondable de Godspeed You Black Emperor, o las aproximaciones jazzísticas de Tortoise. El único miembro del grupo, Jimmy LaValle, ya pertenecía a otra agrupación post-rock, Tristeza, que experimentaba con melodías y se alejaba de los moldes del rock actual, aunque sin ser tan revolucionaria como otras ya citadas. Para su proyecto en solitario, LaValle cambió y siguió otros caminos. Su primer disco One Day I´ll Be On Time, ya confirmaba ese cambio de rumbo, de un esquema sencillo de guitarra bajo y batería, a uno en que se incorporaba más la electrónica. Su siguiente trabajo, In a safe place, hecho en colaboración con otros inclasificables como Mum y Sigur Ros, dejó percolar la influencia islandesa, y además de texturas, se añadieron sonidos de clics y clacs, tan característicos de los primeros. Este segundo disco ya era bastante más diferente a los días de Tristeza, ampliando el espectro más allá de las diferencias entre acústico y electrónico. En realidad esto iba más allá de cualquier clasificación.

Into The Blue Again es el tercer trabajo, sin contar el EP Seal Beach, ya sólo, sin colaboraciones, alejado del minimalismo épico (?!) de su anterior trabajo, para volverse más intimista. Música calmada, para pasar tardes a solas viendo llover, para recorrer caminos olvidados en bicicleta, para un picnic tranquilo, para flotar entre el sueño y la vigilia, para compartir con tu significant other entre las sábanas sin hacer nada un domingo en la tarde... Algo así como ambient rock, canciones que no se pueden oír por encima, pues se construyen a medida que avanzan, envolventes, menos inclinadas a llegar a un sitio en articular sino más interesadas en crear atmósferas. Al finalizar el disco no se puede decir que algún tema se haya quedado en la cabeza para ser tarareado, pero ese no es el objetivo del disco.

LaValle ha conseguido un digno sucesor a In A Safe Place, quizá no tan variado, pero sí lo suficientemente exitoso. Música con un equilibrio perfecto entre lo electrónico y lo orgánico, con suficiente alma para tocar el corazón y a veces hasta el toque para darse unos pasitos de baile o simplemente seguirle el ritmo con el cuerpo en una silla. Personalmente prefiero In A Safe Place, pero este vale la pena oírlo.

Un disco muy bonito, que no golpea, que no llama la atención con espectacularidad, sino que necesita de una sintonía especial con él mismo para dar la recompensa que de verdad puede dar, tal vez menos pegajoso que el anterior, pero igualmente estimulante... o más bien relajante.

My life with The Knife

Synth-pop, electro o goth como lo han llamado algunos, hasta ahí todo muy normal y nada diciente, pero The Knife, aparte de ser todo lo anterior hablando técnicamente (lo de goths no se si a ellos les cuadre, eso si, oscuros y bastante si son), son de lo mas interesante e inusual en producir la música pop de botones, tanto a nivel sonoro como de concepto estético.

"The Knife" (Rabid Records, 2001)


The Knife son los hermanos suecos Karin y Olof Dreijer, practicantes de un nada común estilo de synth-pop, oscuro mas no denso, eso si claustrofóbico a ratos, fantasmagórico si se quiere, juguetón cuales pixies (hablando de los duendecillos, Karin, la voz y el estilo que a veces utiliza puede recordar a Björk, cosa de escandinavos, supongo), letras crípticas... y cuando quieren, bailables. De hecho la mayoría de la gente que les conoce y les ha bailado por estos lados, ha sido gracias a los remixes que gente como Rex the Dog o M.A.N.D.Y han hecho de ellos, The Knife es pues también, excelente material para remezclas. Lo que se escucha es un mundo pequeñito, que con los siguientes discos se empezara a agrandar, curiosidades armónicas y rítmicas, un tour por un país de plástico y nieve.

"Deep Cuts" (Rabid Records, 2004)


Segunda entrega que abre con la conocida ""Heartbeats", lamento sintetizado donde los haya (aun la escucho y me da algo)... De ahí en adelante, noche de chicas, dedicaciones para ti, amenazas policiales, paranoia y miedo, derechos femeninos y obligaciones civiles, exhibicionismo, todo a través de la particular óptica y estética de The Knife, quienes no se conforman con ser un grupo de synthpop, ni en sonido ni en concepto. los matices rítmicos se amplían y si los demás practicantes del pop de botoncitos se contentan con emular y recordarnos alegremente la década ochentera, The Knife esta aquí para darte una nueva medicina ("Is it medicine?"), por eso es que te quebrás la cabeza al no saber exactamente a que suenan ya a estas alturas, la voz de Karin ya suena a su propia voz, o sea no hay de que agarrarse y menos con números como "You take my breath away" con sus sintes y beats antillanos, (esta será ya una constante en el sonido The Knife, perfectos antropófagos), y además la nieve ya te llega al cuello, pero mira, todavía puedes bailar y tienes un daiquiri en la mano. Tropical on ice.


"Silent Shout" (Rabid Records/Mute, 2006)


The Knife son raros. A la gente no le gusta o le aburre lo raro. Me gusta lo raro. Y este disco lo es, el viaje por Neverland continua. Se atreven con sintetizadores típicos del progresive y no les sale nada mal ("Silent Shout", "Forest Families"), se sacan de la manga el que quizás sea el primer reggaeton del espacio exterior (la absurda y excelente "We share our mother's health"), canciones de cuna de cuento de hadas ("Na Na Na") y la canción mas bonita de todo el disco, "Marble House" (co-escrita e interpretada al lado de ese genial electro-crooner nórdico que es Jay Jay Johansen)... Raro, bonito, arriesgado. Demasié.

mix-tape "Random (A.K.A. No puedo hablar, estoy empelota)"

- TV On The Radio "Playhouses" (Avalancha de sonido, zumbido, beat-box, voces negras, post-punk -o lo que sea-, ¡Súbete a mi moto!)
- Gnarls Barkley "Crazy" (Tu y yo, orates rematados)
- Be Your Own Pet "Bicycle bicycle you are my bicycle" (¿Se acuerdan de la diversión? pues regreso en forma de cuarteto teenager, todos de converse a saltar y gritar, VIVA EL PUNK HxC!)
- Regina Spektor "Fidelity" (¿De qué me suena esa palabra?)
- Kaiser Chiefs "Everyday I love you less and less" (¡Es verdad!)
- Editors "Munich" ("I'm so glad I found this"), "All Sparks" (Te quemaste)
- Sonic Youth "Incinerate" (SY vs. La combustión espontánea)
- Tad "Sex God Missie" (Una maldición con 22 años, ¡Atrás!)
- Goblin "Tenebrae" (La "oscururidá" en la discoteca...)
- Infadels "Murder that sound" (... Y al final todos nos fuimos a bailar)



PD... Gracias a mi amiguete Jaime Buitrago.

Sonidos Zombies: Vampyros Lesbos, The Sexadelic Dance Party (Cripple Dick Hot Wax!/Motel Records, 1996)

¡Albricias, delicias! The Vampire Sound Inc. (los compositores Manfred Hubler y Siegfried Schwab) Esta aquí amiguis, para ponernos en sintonía con el guateque
cósmico-sicodélico-caspa mas salido que se haya visto, (o vuelto a ver) en mucho tiempo. El invento es un comprimido de las bandas sonoras de tres de los filmes setenteros del inefable abuelete Jess Franco, en los cuales "perfecciono" su concepto de "horrotica" (horror serie B + erótica bizarra), a saber: Vampyros Lesbos , Sie Totete In Ekstase (She Kills in Ecstasy), Der Teufel Kam Aus Akasawa (The Devil Came from Akasava), en los cuales también, como no, estelariza la mamaza Soledad Miranda, quien nos regala también desde la portada (y en los insertos del librillo del CD), con su presencia. Una aclaración, no se trata de un disco lounge-chillout, downtempo o acid jazz (que ninguno de estos es genero siquiera), como algunas reseñas del mismo señalan. Es el sonido de the cool vampyria.

PD: Muerte al goth y al chillout.



Publicado originalmente en el fanzine #3 de Cinema Zombie, Medellín.